La Concejalía de Cultura pone a tu disposición diferentes exposiciones en el Museo de arte Contemporáneo José María Moreno Galván. Siempre hay una exposición, proyección y encuentros entre artistas, autores y público en nuestro Museo más contemporáneo.

Siguiendo con la dinámica de divulgar y dar a conocer el arte contemporáneo e últimas vanguardias, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván cuenta con un magnífico espacio en su primera planta destinado a albergar exposiciones de carácter temporal.

Dado que en los último años, el campo de la fotografía ha revivido un mayor auge, ya sea por ferias como Paris Photo que se ha convertido en uno de los líderes mundiales en las ferias de fotografía al proclamarse como un evento que ofrece una visión en el arte de la fotografía desde sus inicios hasta el día de hoy, y presenta un resumen orientado hacia el futuro sobre de las tendencias mundiales y las formas disponibles de expresión en este medio. O  bien desde un ámbito más autonómico con la creación de Museos o Centros de arte especializados como ocurre con el Centro Andaluz de la Fotografía situado en Almería.  Conforme a la planificación expositiva del 2013 del Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván queríamos plantear una producción especialmente dedicada a ella. De esta manera, gran parte de las exposiciones planteadas el pasado año, fueran o no de producción propia,  el mundo de la fotografía estuve especialmente presente.

Pasamos a continuación al estudio de cada una de ellas:

 

2023

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Teoría y Juego del Duende, Ana Torralva

07.07..23 / 20.08.23

Del 1 de julio al 20 de agosto, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galvál acoge la exposición "Teoría y Juego del Duende" de la artista Ana Torralva.

"Teoría y Juego del Duende" es el resultado de un largo proceso de investigación de más de veinte años en torno al flamenco, donde el objetivo de la artista y fotógrafa se centra en el mundo de las emociones, del sentir plasmado en una gama de sentimientos que pasan por el dolor, la pena, la fiesta y la alegría. El trabajo de Ana Torralva nos adentra en una fotografía íntima y emotiva, que atrapa la fuerza y la riqueza del cante, el toque y el baile, ese vasto universo plástico y visual que transmite sentimiento flamenco, desde el instante efímero hasta el ritmo repercutido del movimiento representado.

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 18:00 h. a 21:00h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

WEB: http://macmorenogalvan.pueblacazalla.com/

 

 

 

2022

 

EXPOSICIÓN TORMENTO DE MALA NUBE

Exposición de María Rosa Aránega Navarro

17.12..22 / 19.02.23

 

El empeño en usar el concepto raza para argumentar la opresión y discriminación de los pueblos y ejercer violencia sobre determinadas culturas ha sido una práctica que ha enturbiado la historia universal. En Tormento de mala nube, la artista María Rosa Aránega Navarro hace una revisión de estas violencias ejercidas en territorio andaluz desde el año 711 –cuando formaba parte de la antigua Al-Ándalus, nombre con el que se designó al territorio de la península ibérica bajo dominio musulmán– hasta la contemporaneidad.

Para el Museo José María Moreno Galván se plantea un mapeado a través de imagen y texto sobre las relaciones entre identidad, memoria, violencia y supervivencia en Andalucía, especialmente en dos momentos clave de su historia: la definitiva conquista de los Reyes Católicos en 1492 y la Guerra Civil Española en 1936. La muestra se encuentra vehiculada por letras flamencas, con versos de Manuel Agujetas y de los moriscos[1] Manuel Gerena y Francisco Moreno Galván. Sus letras, que mantienen un carácter atemporal y comprometido políticamente, guían el diálogo visual de la muestra, conectando y generando una resignificación entre episodios pasados y presentes.

A partir de 1942, los Reyes Católicos despliegan una maquinaria de persecución y exterminio al diferente, especialmente en los territorios conquistados tanto en la península como en América. Además de la expulsión de la población sefardí y musulmana, la persecución también puso su foco en la población andalusí conversa, morisco y marranos (judíoconversos), a los que se les exigió demostrar constantemente su buena conversión. Aunque la Inquisición española no fue la más mortífera de Europa –ya que en gran medida se centraban en castigos económicos–, sí fue la que más tiempo estuvo vigente, hasta 1834.

También se puso atención en la exterminación del idioma hablado durante cientos de años en Al-Ándalus y en aquellas costumbres asociadas a la cultura andalusí. Incluso se llegó a crear un plan de extermino de la población gitana, denominado La Gran Redada (1749), que mandó retener y separar a hombres y mujeres para conseguir su “extinción”. A la mayoría de hombres gitanos se les obligó a trabajar en los arsenales del ejército y en las minas de Cartagena, Cádiz, Alicante y Ferrol. A los moriscos se les prohibió seguir desarrollando oficios fundamentales, relegándolos al trabajo del campo o las minas. De ahí la abundancia de cantes camperos o las mineras en el flamenco que reflejan la difícil realidad social y económica de la clase trabajadora y que la Inquisición prohíbe cantar. El corregidor de Carmona, en vísperas de la expulsión, se refiere a ellos como “gente miserable, trabajadora y jornaleros del campo". Aún hoy, el trabajo agrario es una de las señas de Andalucía. Atendiendo a estas últimas cuestiones, es importante destacar que la principal expresión cultural andaluza y una de los artes más vivas del mundo es el flamenco, nacido allá donde se sufre la marginación, la expropiación material e inmaterial, la miseria y la persecución.  Los romances y las letras de los diferentes palos flamencos han recogido, a través de la memoria oral, la dualidad de la alegría y el dolor de todo lo que implica ser diferente, ser un felah (campesino) menkub (desposeído).

En otro momento de la historia, durante la Guerra Civil y la dictadura franquista (1939-1975), se adoptó una numerosa terminología relacionada con las Cruzadas o la “Reconquista” católica de 1492 en todo lo referido a la persecución del mal castellano-nacionalcatólico. Antonio Vallejo Nájera,  médico recordado por sus planteamientos y trabajos realizados para la “depuración e higiene racial” durante el franquismo –de ahí que sea conocido como el Mengele Español, asociándolo con Josef Mengele y a sus infames acciones durante el exterminio nazi–, conectó en 1941 la degeneración que padecía la “raza española” con la herencia que existía de la población conversa en España. Así justificó el genocidio franquista, cuya intención era exterminar el “gen rojo”y perpetuar “la raza española”, basada más en paradigmas espirituales más que étnicos.

Andalucía es la región con mayor número de víctimas y fosas comunes de la Guerra Civil, casi 800 fosas comunes identificadas hasta el momento. El trauma de la exterminación de cualquier vestigio cultural andalusí, morisco, judío o gitano ha sido arrastrado a través de los años de una forma casi inconsciente, al que se le suma el golpe traumático de la represión franquista, un doble trauma histórico sobre un pueblo andaluz que deliberadamente posee uno de los peores datos económicos de Europa, los más negativos prejuicios, una asumida violencia estructural o la instrumentalización y folklorización más reduccionista de nuestra cultura, identidad e historia.

 

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

 

 

DONDE SE JUNTAN EL CIELO Y LA TIERRA

Exposición de Residencias Artísticas

01.10.22 / 06.11.22

“Donde se juntan el cielo y la tierra” muestra las obras realizadas en las IV Residencias Artísticas de La Puebla de Cazalla durante el mes de noviembre de 2021.

Tierra doble. Cristina Ramírez

El proyecto comienza con la creación de collages de paisajes reales donde se esquiva cualquier referencia a elementos reconocibles. A partir de estas imágenes, que se manifiestan como geografías ficticias, se inicia un proceso de copia de la copia que transforma la imagen hasta deshacerla. Cada ejercicio de repetición nos revela algo del ojo que mira y la mano que dibuja. La serie nos permite rehacer los pasos, vislumbrar la singularidad de cada copia que se manifiesta tanto en lo que permanece como en lo que se quiebra en el proceso. Naturalezas extrañas que exigen una mirada literal a la que los/as usuarios/as se arrojan, encontrando nuevos recursos de representación y contemplación. Cristina, muy consciente de cómo se comportan las imágenes, cuestiona constantemente las estructuras que las sostienen y libera a la imagen mediante estos juegos de ecos donde, sin embargo, conforme más se aleja la voz más rotunda se nos presenta.

Retratos imaginados. Juanfran D. Cuyás y Lucía R. Reyes.

Proyecto de fotografía colaborativa enfocado en la realización de una serie de talleres a través de los cuales cada participante crea, sobre cuadernos realizados exprofeso, un diario fotográfico.

Juanfran y Lucía proponen ejercicios concretos, utilizando distintas técnicas fotográficas que incitan a sus colaboradoras a concebir la fotografía como el detonante de un proceso creativo. Las imágenes de álbumes familiares, retratos realizados in situ, propios, ajenos, teatralizados…se fueron interviniendo mediante collage, dibujo o escritura. Surge así un imaginario propio, basado en la necesidad de visualizar un recuerdo o recrear un sueño. Juanfran y Lucía, guiados por los/as protagonistas de cada cuaderno, realizan una serie de retratos a partir de los personajes surgidos en los fotodiarios. En distintas localizaciones y con elementos básicos recrean las escenas descritas y las fotografían con gran sensibilidad. Un ejercicio de miradas cruzadas que confluyen en un último paso: la realización de un fotolibro que recopila y reordena lo acontecido dando lugar a una nueva narrativa.

Esa locura nueva. Carlos Alcántara.

A partir de una serie de talleres previos de escritura creativa, Carlos va introduciéndose en los intereses y preocupaciones de sus colaboradoras. La exposición muestra todo este material escrito en los primeros días sobre folios amarillos. Más allá de los juegos simbólicos o metafóricos del inicio, son las preguntas directas sobre cuestiones universales las que dan lugar al material más sorprendente. Carlos, emocionado por la honestidad sin filtros de sus palabras, se entrega a las singularidades expresivas de cada autor/a. Juntos sobrepasan lo escrito y se lanzan a la improvisación. Carlos sonsaca, estimula y motiva a quien entra en el estudio de grabación, crea composiciones a medida y atrapa la magia de lo que allí ocurre, para poder compartirla en Esa locura nueva: un disco de 11 canciones que surgen del encuentro entre la letra y la voz, la música y la poesía, el arraigo de lo popular con las tendencias del pop o el trap. Donde, al igual que ocurre en sus dibujos, la falta de alarde de virtuosismo de los/las artistas del Centro Ocupacional, nos deja ver de forma transparente su verdad, con toda su crudeza y belleza.

“Donde se junta el cielo y la tierra se doblega la intensidad del universo. Mirando la imagen la agotamos y surge la naturaleza extraña que no encuentra los pájaros” JUAN DIEGO ASENCIO Y DOMINGO REYES.

Carlos Álcantara, Cristina Ramírez, Juanfran D. Cuyas, Lucía R. Reyes, Mª Carmen Andrade, Juan Diego Asencio, Mª Carmen Bohórquez, Fátima Calderón,Yumara Fajardo, Andrés Gallego, Francisco Gamarro, Jaime García, Ana Gómez, Dolores Gómez, Miguel Ángel Hormigo, Lola Hormigo, Francisco José Hormigo, Juan Jovacho, Manuel Márquez, Marta Miró, Rubén Montesinos, Francisco Moreno, José Luis Moya, Benjamín Pineda, Domingo Reyes, Felipe Romero, Inma Romero, Estefanía Ruíz, María Isabel Segura, Manuel Verdugo.

Comisariado: Alegría y Piñero.

Cartel

 

 

 

 

 

EXPOSICIÓN SASTIPÉN TALÍ

Exposición de Pintura. Gonzalo Conradi

01.07.22 / 21.08.22

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge hasta el 21 de agosto la exposición "Sastipen Talí" de Gonzalo Conradi. Una muestra que se ha inaugurado dentro de los actos previos de la Reunión de Cante Jondo.

Gonzalo Conradi (Sevilla, 1976) ha hilvanado su trayectoria como artista plástico desde esa adhesión y ese amor al flamenco de los que hablaba Moreno Galván, convirtiendo así el universo de lo jondo en el leitmotiv de su obra. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla (2002), completó sus estudios en la Universidad de Lyon -Francia-. Regresaría pronto sin embargo a su ciudad natal, dispuesto a ahondar hasta las entrañas mismas del flamenco, desde la intuición reveladora de esa curiosa ligazón que aúna a la pintura y a la música. “La pintura es el cuerpo de la música y la música el alma de la pintura”, suele repetir Gonzalo Conradi como un mantra que legitima y fundamenta su proyecto artístico. Comparte así destino con otros artistas de su generación, como Patricio Hidalgo o Seisdedos, en la que los caminos del flamenco se abren paso a través de la pintura y la ilustración. Del grito al trazo, de la mancha a la gestualidad del cante, el toque y el baile, horadando surcos de expresión y belleza en ese enigmático mundo de viejos sones y atávicas costumbres que es el flamenco.

Cartel

En esta línea de trabajo, Gonzalo Conradi se mueve entre la abstracción y la figuración, confiando en el poder expresivo y compositivo de la mancha. Esta veta informalista de su pintura se completa con otra dimensión más ligada al pop art y que pone en ejercicio a través del uso del collage, técnica que ocupa un importante lugar en su obra plástica, especialmente desde la intervención de fragmentos de fotografías. En ambos casos, opera dentro de una estructura formal que pone en tensión con los fuertes componentes expresivos de su pintura, al igual que sucede al cante jondo mismo, constituyendo una pelea en cada tercio.

Antes de aterrizar en la Reunión de Cante Jondo de La Puebla de Cazalla, la pintura flamenca de Gonzalo Conradi ha estado presente en exposiciones de importantes centros artísticos como el Museo del Baile Flamenco de Sevilla, con la muestra “El Flamenco entre lo abstracto y lo figurativo” (2010), y en encuentros flamencos de primera línea, entre los que cabe destacar los festivales de La Unión, Jerez, Nimes o Casabermeja. Precisamente en este último, la mítica Olla Flamenca de Casabermeja, ha sido responsable además en diferentes ocasiones de su cartel anunciador, al igual que en el Gazpacho de Morón o en el festival Al-Gururú de El Arahal. Siguiendo esta línea de trabajo, Gonzalo Conradi ha cultivado también el diseño de las cubiertas de discos, fundamentalmente para el Centro Andaluz del Flamenco y para la discográfica Nuevos Medios, de la mano del prestigioso productor Ricardo Pachón, una influencia decisiva en su acercamiento al flamenco, según él mismo reconoce. Asimismo, otra faceta a destacar en su trayectoria artística es la performance de pintura en vivo, que desarrolló entre 2013 y 2014 con el proyecto “Una experiencia plástica del flamenco”, de la mano del cantaor Andrés de Jerez y el guitarrista Carlos Grilo. Un proyecto que puso en escena, entre otros espacios, en el Teatro Central de Sevilla, y en el cual, rondeñas, tientos, soleares, seguiriyas y bulerías transitan el itinerario del cante y la sonanta al lienzo y al papel, desde un pulso estético que hermana a los fértiles campos de la música y la pintura.

Avalado por esta sólida trayectoria, Gonzalo Conradi aterriza en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, sumándose así a la apuesta de La Puebla de Cazalla por acoger durante su Reunión de Cante Jondo a aquellos artistas visuales que decidieron ligar su destino vital y su compromiso estético con el flamenco de raíz. ¡Satispén talí! ¡Salud y liberad!

 

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

WEB: http://macmorenogalvan.pueblacazalla.com/

 

 

 

EXPOSICIÓN A LOVE SUPREME

Exposición de Pintura. Rorro Berjano

19.03.21 / 08.05.22

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge hasta el 8 de marzo el nuevo proyecto expositivo del Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, A love Supreme, del artista Rorro Berjano.

Rorro Berjano (Mérida, 1979) se desliza desde su pintura entre el simbolismo y las iconografías de la cultura de masas, la cultura popular y las religiones, trazando un eje en cuyo vértice confluyen las claves visuales que han ido dando forma a la cultura occidental desde la Edad Media hasta estos albores del siglo XXI. Su obra da cuenta así de un mundo vaciado de valores, viciado de imágenes, acorralado en su posibilidad de generar sentido. Sobre ese imperio de la cultura de lo hiperreal dispara sus balazos de ironía y sarcasmo crítico, restaurando con ello el valor de la tragedia y del conflicto, del enigma y el misterio, a través de símbolos reelaborados y transmutados desde la pulsión visceral de su pintura, desde su lenguaje rabioso, disidente y apasionado.

 

DE LO SIMBÓLICO Y EL ENIGMA EN LA PINTURA DE RORRO BERJANO

Rorro Berjano (Mérida, 1979) se desliza desde su pintura entre el simbolismo y las iconografías de la cultura de masas, la cultura popular y las religiones, trazando un eje en cuyo vértice confluyen las claves visuales que han ido dando forma a la cultura occidental desde la Edad Media hasta estos albores del siglo XXI. De Jesucristo a Mike Tyson, de Dark Vader a Héctor Lavoe, de Goku a la Virgen de Guadalupe, de John Coltrane a Pikachu, de Satanás a Bart Simpson, de Ronnie MacDonald a Shangó.

Desde los símbolos, las fronteras entre nosotros y las cosas se difuminan, quiebran, estallan. De ahí que afirme Paul Ricoeur que “la actividad simbólica es un fenómeno fronterizo […] entre el deseo y la cultura.” Ahí se inscribe la recurrencia a los símbolos en la pintura de Rorro Berjano, que parte de una concepción del ser humano como ser simbólico. Acude así a iconos y símbolos de las religiones, la cultura popular y la cultura de masas, que acumula, reinterpreta y resignifica en sus obras, con vistas a multiplicar sus posibilidades de sentido y a ofrecer un testimonio sobre el complejo entramado simbólico de nuestro tiempo. Un tiempo en el que la vieja hegemonía de las religiones sigue en decadencia, si bien la funcionalidad de sus signos permanece en el imaginario colectivo, conviviendo con los símbolos icónicos de la cultura de masas, ahora dominantes y que han ido tejiendo nuestra cultura visual desde la segunda mitad del siglo XX. Comparten así escenario en su pintura símbolos de la sociedad de consumo (marcas deportivas, de coches, electrónicas, de telefonía, de ropa, de fast food…) con símbolos religiosos, sean del cristianismo o de los sistemas animistas afrocubanos.

El que Rorro Berjano recurra al simbolismo tiene que ver con una pérdida aparejada a lo que Mircea Eliade llama la “desacralización del mundo”, es decir, la extinción progresiva en nuestros modos de vida del enigma y el misterio, hacia los que el ser humano siente sin embargo una pulsión inevitable. De ahí el acudir frenético a partir de la modernidad a los “símbolos culturales”, que conservan ese halo de “numinosidad”, de “hechizo”, según sostiene Jung. Esta propensión hacia el enigma y el misterio puede explicar la llamativa presencia de símbolos de la muerte en sus obras, desde guadañas y machetes, a huesos, esqueletos, calaveras, crucificados... De igual modo, justifica la importante huella en su obra de Cuba, cuya cultura es un referente iconográfico e inspirador central en la obra de Rorro Berjano. Lo es especialmente desde el fenómeno del sincretismo religioso cubano, donde encuentra todo un surtidor de imágenes y símbolos desde los que invocar a la muerte, la inmortalidad, el dolor, el placer…, siempre con vistas a elevarnos a otro plano de realidad. Comparte así aquel nostálgico anhelo de las vanguardias por construir lo moderno desde lo primitivo, lo ancestral, lo telúrico.

Por otra parte, es posible que estemos en la pintura de Rorro Berjano ante una práctica del apropiacionismo, tan ligado al fenómeno del kitsch. En ese juego de apropiación, reelabora los trillados lenguajes artísticos del neoexpresionismo y del pop art, si bien torciendo la estrategia apropiacionista del pop y creando un nuevo imaginario lleno de complejidad y contradicciones, como nuestro propio mundo. La posible presencia del kitsch en la obra de Rorro Berjano apuntaría, desde su reinterpretación crítica de la cultura de masas, a la expresión de un mundo vaciado de valores, viciado de imágenes, acorralado en su posibilidad de generar sentido. En esta dirección, su pintura inyecta a la superabundancia de imágenes asociadas al kitsch postmoderno una sobredosis de ironía, viendo en la ironía, a partir de su doble carácter reflexivo y ficcional, una manera de abrir grietas en las lógicas del lenguaje domesticado. Desde ahí, apunta al falso valor moral adjudicado a los productos e iconos de la sociedad de consumo, en la que el yo define su identidad como consumidor. Es el “régimen de los simulacros” del que nos habla Baudrillard, la “transformación de la realidad en imágenes”, en lo “hiperreal”, donde el individuo trata de dar una imagen de lo que es a través de lo que consume y desarrolla así la construcción simbólica de su identidad. Sobre ese imperio de la cultura de lo hiperreal dispara sus balazos de ironía y sarcasmo crítico Rorro Berjano, restaurando con ello el valor de la tragedia y del conflicto, del enigma y el misterio.

Desde estos frentes diversos, su obra es testimonio de su tiempo, de la era de la superabundancia acumulativa e incesante de imágenes, y del vaciamiento de sentido, a la que él responde con símbolos reelaborados y transmutados desde la pulsión visceral de su pintura, desde su lenguaje rabioso, disidente y apasionado. Ahí podemos situar la obra de Rorro Berjano, realizando una crónica del mundo postmoderno a partir de los reflujos de la historia, los residuos de símbolos y acontecimientos, y la lógica cultural del capitalismo avanzado. Opera así en ese espacio de hibridación y mestizaje, que quizás sea el más propicio para dar testimonio de este mundo tan complejo, tan impuro, tan superpoblado de imágenes, y en el que apenas quedan grietas para el enigma. Probablemente eso es lo que da pie al particular modo de comunicar de la pintura de Rorro Berjano, manteniendo al espectador perplejo ante la vaga familiaridad que transmiten sus obras, ante el misterio que encierran, ante los interrogantes que nos abren, ante los conflictos a los que nos enfrentan.

Miguel Ángel Rivero Gómez

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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2021

EXPOSICIÓN DE TEXTILES

Coser es contar: puntadas con quejío. Kimika

18.12.21 / 30.01.22

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge desde el sábado 18 de diciembre al 30 de enero el último proyecto de la artista japonesa Kimika, Coser es contar: puntadas con quejío.

Coser es contar es una propuesta expositiva de Kimika, artista japonesa residente en Sevilla, que explora las posibilidades discursivas de los cuerpos femeninos así como de los procedimientos textiles en una serie de obras “pintadas” con aguja e hilo.
Los trabajos que muestra son resultado de las experiencias que la artista ha vivido en los campamentos de refugiados del Sahara Occidental donde ha pasado temporadas con de las mujeres, luchadoras incansables para conseguir el referéndum de autodeterminación del pueblo saharaui y poder regresar a su tierra. Allí comenzó a realizar unas obras con los trozos de melhfas (una pieza de cuatro metros de tela con la que ellas envuelven su cuerpo y cabello para protegerse de las inclemencias del clima en el desierto, así como por motivos culturales) que las saharauis le regalaban. Pedazos rasgados de las melhfas que ellas visten y que Kimika recibía agradecida en momentos de generosos intercambios de saberes, emociones, experiencias y amor. Retales de telas que contienen las memorias de quienes las han usado y que cuentan el relato de cada una de ellas así como el de la propia artista. Cada puntada una palabra, un quejío, una lucha.
A nivel formal, las siluetas de mujeres saharauis que aparecen en sus trabajos se han ido transformando desde un carácter más figurativo a unas formas más abstractas que albergan otras dentro de ellas. Siluetas de un cuerpo que contiene otro cuerpo, dentro de otro cuerpo, dentro de otro… como las matrioshkas rusas. Unas matrioshkas que a veces parecen fuegos, cuyas formas sugieren vulvas, y que activan el debate del cuerpo como espacio de producción ideológica.
Para esta exposición Kimika ha creado unas obras en las que el baile y el cante como herramientas de denuncia y de empoderamiento femenino tienen una gran presencia. Junto a éstas, una nueva pieza a partir de su encuentro con la obra de Maruja Mallo de la colección del museo. También ha producido un muestrario de los trozos de melhfas que sus amigas saharauis le han regalado a lo largo de los años ordenado cromáticamente, una obra que alude a la gran comunidad heterogénea de mujeres unidas por su activismo.
Utilizando la costura como una herramienta para transitar lo político, tanto individual como colectivamente, los trabajos que Kimika presenta en La Puebla de Cazalla habitan un lugar entre lo poético, lo real y lo simbólico. Son obras de gran capacidad narrativa que dialogan con el contexto en el que se muestran porque desde la reflexión, el baile y los afectos, Kimika no da puntada sin hilo, ella da puntadas a compás y con profundo quejío.
**Esther Regueira Mauriz

                                                                      

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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EXPOSICIÓN RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

Exposición III Residencias Artísticas. Comisariado Alegría y Piñero

30.10.21 / 12.12.21

“Ojos por la tierra reflexiva del retrato que ha pasado” reúne las obras realizadas en las III Residencias Artísticas de La Puebla de Cazalla desarrolladas en octubre de 2020 en el Museo de Arte Contemporáneo hasta el 12 de diciembre.

En esta tercera edición y tras un año de distanciamiento y restricciones, la creación compartida se retomó de forma especial, dando lugar a tres proyectos que se encuentran en el acopio y acumulación de gestos, retales y registros plásticos para conformar, junto a los/as artistas del Centro Ocupacional, un tiempo, un suelo, un lugar.

Rafael Jiménez (Córdoba, 1989), invita a los/as usuarios/as a elaborar autorretratos usando fotografías del pasado, del presente y la proyección de un futuro imaginado. Durante el mes de residencia se han intervenido estas imágenes mediante distintos procesos técnicos como los rotuladores o la plastilina, sometiendo a su vez estos resultados a un proceso de copia, deformación, distorsión y documentación sistemáticas. Esta provisión de material de experimentación, a la que los usuarios/as se han dedicado con gran entrega, ha sido reelaborada por Rafael, dotando de tiempo a las imágenes y generando una animación orgánica donde la identidad del rostro, construida paso a paso, se convierte en un continuo flujo plástico: “Cuando el artista realiza una imagen con distorsión no puede reconocer su identidad. Cuando las imágenes pierden su figura, cuando ya no hay figura alguna, el recuerdo de la autoimagen toma espacio a la pantalla desde el tiempo, desde las formas. Cuando el tiempo eclosiona, huele a huellas de la memoria”

Jose Iglesias García Arenal (Los Santos de Maimona,1991), percibe una realidad compuesta de imágenes henchidas de significados y experimenta, junto a los/as usuarios/as, cómo sonsacarlas, germinarlas y habitarlas. Se generan así diversos procesos colaborativos que invitan a explorar los espacios cotidianos desde un cuerpo sometido al gesto de la cámara y una mirada enajenada por la lente y el filtro. La percepción de sus habitaciones, de sus calles y del taller se fueron alterando a través de la manipulación de la luz y el color y sobre todo de una distensión de los tiempos de contemplación y acción. Cada paso de estas prácticas dejaba un registro de lo acontecido: “Grabo con la cámara sombras con el movimiento del cuerpo, hago un nudo en una red amarilla y la cuelgo en la pared, hago un gesto y lo registro”. Un año después Jose monta y reordena estas huellas generando una videoinstalación que parte de la idea de cine como lugar de transformación: “En este lugar hay espacio para la experiencia corporal con la luz, la memoria de las sombras ha encendido las imágenes de doble piel en este mismo lugar. El cine tiene poco espacio y la poesía tiene un nudo. El artista está buscando retales para figurar un lugar y remontar un relato fijo futuro que no está en el presente”

Paloma De la Cruz (Málaga, 1991), hace participes a los usuarios de sus propios procesos de trabajo, creando una obra colaborativa donde la artista propone el medio y los usuarios/as se lo apropian y desbordan. La maleabilidad del barro les permite crear una superficie de losas llenas de arrugas y pliegues por donde el esmalte, aún líquido, se derrama por la superficie. Los entramados y patrones que suele usar Paloma y que remiten a tejidos de encaje o estampados aquí pierden la referencia geométrica para fluir de manera mucho más orgánica: “Este barro que emerge de la tierra cuando toma cuerpo se transforma en pliegues: dunas en el desierto derribadas por un temporal de arquitectura. Del horno ardiente salen láminas de barro como olas de espuma blanca, dando un giro al material de 1000 grados. Estas losas que traman cuerpo esconden lo más íntimo del suelo: lo que se trabaja con las manos.”

Paloma De la Cruz/ Jose Iglesias Gª-Arenal

 Rafael Jiménez/ Luis Moya/ Mª Carmen Andrade

Juan Diego Asencio/ Mª Carmen Bohórquez/ Marta Miró

Fátima Calderón/ Yumara Fajardo/ Andrés Gallego

Francisco Gamarro/ Jaime García/ Elena García

 María Isabel Segura/ Dolores Gómez/ Felipe Romero

Miguel Ángel Hormigo/ Estefanía Ruíz/ Juan Jovacho

Dolores Hormigo/ Francisco J. Hormigo/ Manuel Márquez

Rubén Montesinos/ Francisco Moreno/ Benjamín Pineda

Manuel Verdugo/ Domingo Reyes/ Ana Gómez

 

Comisariado: Alegría y Piñero                                                                                                                                                                        

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Fragmentos de una colección. Colección Diputación de Sevilla

17.09.21 / 24.10.21

Del 17 de septiembre al 24 de octubre el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición "Fragmentos de una colección" fondos de arte contemporáneo de la Diputación de Sevilla.

RAFAEL AGREDANO / CURRO GONZÁLEZ / JOSÉ MARÍA BAEZ / JOSÉ MARÍA BERMEJO / FEDERICO GUZMÁN /  PEDRO G. ROMERO / JAVIER BUZÓN /  ABRAHAM LACALLE /  PATRICIO CABRERA/  JOSÉ MARÍA LARRONDO / SALOMÉ DEL CAMPO /  MOISÉS MORENO /  RICARDO CADENAS / COLECTIVO JUAN DEL CAMPO GUILLERMO PANEQUE /  ANTONIO SOSA / GERARDO DELGADO / IGNACIO TOVAR /  MANUEL CUERVO / JUAN FRANCISCO ISIDRO

Los años 80 suponen a nivel internacional una radical vuelta a la Pintura,  y en concreto a la pintura figurativa.  En esos años,  Sevilla se incorpora con una fuerte personalidad al panorama nacional, a través de una generación de jóvenes artistas  formados en la Facultad de Bellas Artes que reaccionan ferozmente contra el Academicismo reinante en la ciudad- que había imperado prácticamente durante todo el siglo XX- , y contra la Vanguardia Abstracta surgidas a finales de los años 60, representada por grandes figuras en nuestro país, ante la cual, estos jóvenes muestran un claro desafecto.

Estos pintores que inician su andadura en los años 80 se agruparon fundamentalmente en torno a la mítica revista FIGURA, nacida en Sevilla,  y en las nuevas galerías de arte como La Máquina Española, epicentro de este movimiento,  o  en las ya existentes galerías  Juana de Aizpuru  o Rafael Ortiz,   impulsoras ambas de las corrientes más innovadoras de la plástica contemporánea en Sevilla.

Es tan intensa esta vuelta a la figuración, que incluso muchos de los pintores considerados abstractos, tendrán un periodo figurativo durante estos años.

La Diputación de Sevilla, a través de la Fundación Luis Cernuda se hizo eco de esta explosión de la pintura sevillana y a través de sus programas de artes plásticas fue creando una colección que, hoy por hoy, es testimonio esencial de aquellos años, como queda reflejado en esta muestra.

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván en coordinación con el Área de Cultura y Ciudadanía presentan por primera vez, bajo el titulo  FRAGMENTOS DE UNA COLECCIÓN, una selección de estos fondos de la colección de la Diputación de Sevilla.

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Horario de  visitas:
Viernes de 18:00 -21:00 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 18:00h. a 21:00h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

WEB: http://macmorenogalvan.pueblacazalla.com/

 

Cartel

 

 

EXPOSICIÓN COLECTIVA

Diego Clavel. Memoria del Flamenco. Exposición Colectiva

02.07.21 / 12.09.21

Dentro de los previos de la Reunión de Cante Jondo, del 2 de julio al 12 de septiembre, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición "Diego Clavel. Memoria del Flamenco". Una muestra colectiva con obras de Alegría y Piñero, Juan Cabello, Patricio Hidalgo, Martín Lagares, Mario Martagón, Fidel Meneses, Francisco Moreno Galván, Antonio Moreno, Miguel Ángel Moreno Carretero, nuñezdedios, José María Reina Martagón y Vanderkrul.

 

 

 

 

 

 

 

EXPOSICIÓN COLECTIVA

VOCES. Comisarios: Jesús Reina Palazón y Carmen Malpartida Corrales

22.05.21 / 27.06.21

Todo proyecto artístico expositivo requiere de un entusiasmo, una fuerza, una ilusión no exentos de una enorme responsabilidad y, sobre todo, de profesionalidad. Muestra de ello, es el último comisariado de Jesús Reina Palazón y Carmen Malpartida Corrales que aúnan en una exposición colectiva 31 voces correspondientes a grandes nombres del panorama artístico actual.
Con VOCES, título que nos sugiere una obra del escritor americano Truman Capote, proponemos un viaje por el presente de la creación artística andaluza y española, con el guiño japonés de una de nuestras artistas, Kimika.
La temática de esta muestra se fundamenta en varios ejes -la mirada, la memoria, el diario íntimo...- que confluyen en una idea primigenia: LA CASA, entendida ésta como el hábitat, el espacio habitado en su más amplio sentido: el hogar, la calle, el paisaje... Esta casa con infinitos diseños, con todos sus memorables objetos, es la vida misma, la de sus habitantes, confundiéndose todo, entrelazándose de forma inextricable. Así, nos encontramos con títulos tan sugerentes como Fortaleza de papel, Entre el sillón y la cama, La Trampa, El vecino, Arde tu casa, Salida, El viaje...
Todo esto nos conduce a La casa de la vida, autobiografía del célebre crítico italiano Mario Praz (Roma, 1896 - 1982) y a la colección de objetos de su apartamento en el Palazzo Ricci de la gloriosa Vía Giulia romana en la que cada objeto supone un motivo personal. Esta calle donde habitaba se le abría "como un pasillo entre las habitaciones que eran los patios de su palacio" o también "como una hendidura" donde "la niebla del pasado se ha quedado estancada".
Del mismo modo, nos viene a la memoria Frank Lloyd Wrigth (Wisconsin, 1867-Phoenix, 1959) y su diseño personalizado de viviendas, dotándolas de identidad propia. La historia de la arquitectura moderna contempla, lógicamente, su nombre. O la apuesta de Edward Hopper (Nueva York 1882-1967) sobre el realismo americano de sus personajes en un inconfundible retrato urbano: desde los espacios cerrados (habitaciones, cafés...) a los paisajes. Por citar sólo algunos ejemplos liados, irremediablemente, a nuestro objetivo.
En esta numerosa muestra colectiva, hemos aunado pintura, serigrafía, dibujo, fotografía, esmalte..., en obras sobre papel, lienzo, tela..., construcción en madera, cuadernos, cómics... Con contrastes perfectamente armonizados en los que pasamos del sobrio y elegante blanco y negro a la paleta de color más exigente, alegre y explosiva. Mezcla sincronizada de opuestos y semejantes.

ARTISTAS PARTICIPANTES:
Alexa Grande, Ramón David Morales, Gloria Martín, Montse Caraballo,
Juan del Junco, Javier Valverde, Juan José Fuentes, Miguel Núñez, Aurora Bosch,
Miki Leal, Javier Parrilla, Norberto Gil, Cristóbal Quintero, Ángel Alén, Luz Marina
Baltasar, Federico Guzmán, Alonso Gil, Kimika, Pepo Pérez, Gabriela Grech,
Gloria Rodríguez, Curro González, Pablo Martínez Conradi, Rafael López Bosch,
Pilar Albarracín, Concha Ybarra, Rogelio López Cuenca, Carlos Miranda, Miguel Ángel
Moreno Carretero, María José Gallardo, Adriana Torres.

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Some Blind Drawings and fossils. Murdo Ortiz

17.04.21 / 16.05.21

Del 17 de abril al 16 de mayo el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición de Murdo Ortiz “Some Blind Drawings and fossils”.

Murdo Ortiz nace en Osuna en 1985. Tras su formación en Bellas Artes y doctorado en el programa de Historia y Artes por la Universidad de Granada, ejerce como profesor en la Universidad de Sevilla.

En 2010 amplía sus estudios en la Accademia di Belle Arti di Urbino, Italia, donde pudo llevar a cabo una de sus primeras exposiciones individuales en la galería Ke-Nako, Roma. En 2013 tiene el placer de disfrutar la beca de residencia artística AlRaso, en el Valle de Lecírn (Granada). En 2014 recibe la beca para Proyectos de Cooperación y Desarrollo en Ramallah (Palestina). En los años siguientes su obra se mostraría en la galería Kunst Haus, Essen (Alemania); en el Palacio de Condes de Gabia de Granada, en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván de la Puebla de Cazalla, en el crucero del Hospital Real de Granada y en el Museo Provincial de Jaén. En 2016 participa en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Room Art Fair, en Madrid, recibiendo el premio de residencia artística FIBIC RAF5, GlogauAIR Berlín. Al año siguiente recibe el premio de reconocimiento por trayectoria artística Candil de Oro. En 2017 participa en MARTE Feria de Arte Contemporáneo de Castellón y en 2018 Expone su proyecto MTMRPHSS 6+MAD+4 en la galería SilvesAC (Almería). En 2019 lleva a cabo la exposición individual FELPUDO BORROSO en la galería 13 DADÁTROUCH (Huelva) y FEISME en NO LAUGAR THE ART COMPANY (Sevilla); también ejercerá como comisario en ARTJAÉN Feria de Arte Contemporáneo, hasta 2021. De 2020 a 2021 expondrá su obra en el Convento de la Luz de Huelva, en el 22 Freiraum symposium de San esteban de Gormaz, Museo Antiquarium y Galería Magassé en Sevilla. Lleva a cabo proyectos de intervención mural y expositivos con VOYD PROYECTS y The Voyage Kids en Osaka, Japón.

Horario de  visitas:
Viernes de 16:00 -18:00 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 16:00h. a 18:00h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/ mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

WEB: http://macmorenogalvan.pueblacazalla.com/

 

Cartel


 

 

 

EXPOSICIÓN DE CARTELES

Un grito en la pared, un grito en la ciudad. Selección de carteles anunciadores de eventos culturales de Diputación de Sevilla

05.02.21 / 21.02.21

Exposición "Un grito"

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge desde el viernes 5 al 21 de febrero la exposición “Un grito en la pared, un grito en la ciudad”.

El Museo reabre sus puertas con una muestra expositiva de obras originales de un nutrido grupo de artistas contemporáneos del panorama nacional;  Curro González, Concha Ybarra, Javier Buzón, Patricio Cabrera y Cristóbal Quintero, entre otros, nos presentan  una selección de carteles anunciadores de eventos culturales de la programación de la Diputación de Sevilla.
La exposición consta de casi una treintena de piezas y está dividida en dos partes: originales para carteles de actividades culturales variadas de la programación de la Institución y  una selección de la colección de originales para el cartel anunciador del Festival Internacional de Danza de Itálica.

 

Cartel

Horario de  visitas:

Viernes de 16:00 -18:00 h.

Sábados y domingos 11:00h. a 14:00 h. y de 16:00h. a 18:00h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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2020

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

La noticia revelada. Premios Andalucía de Periodismo

20.11.20 / 17.01.21

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván reúne por primera vez las 32 fotografías galardonadas con el Premio Andalucía de Periodismo, que se convoca anualmente por la Consejería de Presidencia, Administración Pública e Interior de la Junta de Andalucía.

Cada una de las instantáneas es fiel testimonio de nuestra historia más reciente, componiendo un retrato coral de la realidad andaluza de ayer y hoy, y un reflejo de la sociedad española en estos últimos 30 años. En este particular recorrido por nuestro imaginario colectivo, comparten protagonismo pequeñas y anónimas historias de la vida cotidiana con acontecimientos extraordinarios, capturados por el ojo cómplice de una cámara situada en el lugar de la noticia.

Además es un homenaje a los 29 redactores gráficos que firman “La noticia revelada”, profesionales de la información que han recibido el justo reconocimiento a la compleja y delicada tarea de documentar a diario el acontecer de Andalucía con sutileza, lucidez y talento, como manifestación indiscutible del mejor periodismo.

 

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Horario de  visitas:

Viernes de 18:00 -21:00 h.

Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 18:00h. a 21:00h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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EXPOSICIÓN RESIDENCIAS ARTÍSTICAS

La Deliciosa imagen del Monstruo. Residencias Artísticas 2018

02.10.20 / 15.11.20

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La deliciosa imagen del monstruo reúne las obras realizadas por Helí García, María Bueno, Andrés G. Vidal y Johanna Ehde, en colaboración con las personas usuarias del Centro Ocupacional de La Puebla de Cazalla, durante las Residencias Artísticas de 2018.

Si bien los tres proyectos abarcan la práctica artística a través de vías distintas, comparten un proceso creativo próximo basado en la reubicación de expresiones individuales para generar obras colectivas únicas.

Sus artífices las reconocen como propias a la vez que ajenas y se deleitan en la extrañeza que esto les produce. Este juego de identidades cruzadas, de adentrarse en sí mismos para encontrar al Otro, libera al creador y le invita a experimentar desde nuevas perspectivas.

Helí García/ María Bueno/ Andrés G. Vidal y Johanna Ehde/ Mª Carmen Andrade/ Juan Diego Asencio/ Mª Carmen Bohórquez/ Fátima Calderón/ Yumara Fajardo/ Andrés Gallego/ Francisco Gamarro/ Jaime García/ Elena García/ Ana Gómez/ Dolores Gómez/ Miguel Ángel Hormigo/ Dolores Hormigo/ Francisco José Hormigo/ Juan Jovacho/ Manuel Márquez/ Marta Miró/ Rubén Montesinos/ Francisco Moreno/ Luis Moya/ Benjamín Pineda/ Domingo Reyes/ Felipe Romero/ Estefanía Ruíz/ María Isabel Segura/ Manuel Verdugo.
Comisariado: Alegría y Piñero

EXPOSICIÓN OBRAS CERÁMICAS

Proyecto Delft. Obras cerámicas de un conjunto de artistas

04.09.20 / 27.09.20

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“Proyecto Delft" es una muestra, producida por la Diputación de Sevilla, recupera 33 obras cerámicas creadas a finales del siglo XX por un conjunto de artistas de la provincia de Sevilla.

Surge de la propuesta llevada a cabo entre la Diputación de Sevilla y el Ayuntamiento de Utrera para el fomento de la cerámica. Así, durante el verano de 1995, fueron convocados 19 pintores emergentes del ámbito hispalense en el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de la localidad, que comenzaron a experimentar con este medio.

El resultado es una original colección de piezas de barro policromado y vidriado en clave contemporánea, de la mano de Rafael Agredano, Patricio Cabrera, Ricardo Cadenas, Salomé del Campo, Nuria Carrasco, Ricardo Castillo, Pedro G. Romero, Curro González, Federico Guzmán, Eduardo Juez, Juan F. Lacomba, José Mª Larrondo, Fau Nadal, Pepa Rubio, Antonio Sosa, Ignacio Tovar, Pedro Hurtado, Antonia Jaén y Moisés Moreno.

Horario de visitas:
Viernes de 18:00 -21:00 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 18:00h. a 21:00h.
Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

EXPOSICIÓN 25 ANIVERSARIO

Exposición 25 Aniversario (1995-2020) Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván

10.07.20 / 30.08.20

Ubicado en un antiguo pósito del siglo XVI y dedicado al eminente crítico de arte que le da nombre, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván celebra este año su 25 Aniversario.

La exposición que reúne un total de 25 piezas de los fondos del propio museo,  pretende recordar la importancia de su legado artístico, así como la destacada iniciativa cultural que emerge con la primitiva “Casa Panera”, cuya restauración preserva las formas de la arquitectura tradicional andaluza gracias a la labor de José María Raya y Francisco Moreno Galván. El proyecto comenzaría en 1987 a reunir las primeras piezas replicando así, a la hora de conformar la colección, el procedimiento iniciado en 1971 por José María Moreno Galván y el Comité Internacional de Solidaridad Artística con Chile para reunir la colección de arte contemporáneo del Museo de la Solidaridad Salvador Allende supone

Cartel

El resultado de este largo proceso ha sido una extraordinaria colección de arte contemporáneo, en la que conviven buena parte de los estilos y corrientes más significativos de la segunda mitad del siglo XX. En esta muestra haremos un recorrido a través del surrealismo de Carlos Alcolea o Ricardo Naise, el expresionismo lírico de Dokoupil o Valdivieso, el expresionismo de J.V. Cereijo, la abstracción geométrica de Diego Ruiz Cortés, el paisajismo de Amalia Cansino, Marta Cárdenas o Joaquín Sáenz, la abstracción de Burguillos o Joaquín Meana o el postinformalismo de Ceferino Moreno, entre otros.

Además se ofrece al visitante un conjunto de documentos, algunos inéditos, relacionados con la fundación del antiguo museo, fotografías, recortes de prensa, etcétera.  

Horario de  visitas:
Viernes de 18:00 -21:00 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 18:00h. a 21:00h.

EXPOSICIÓN DE NOVELA GRÁFICA

Estamos todas bien. Ana Penyas

06.03.20 / 12.04.20

Del 6 de marzo al 12 de abril el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición “Estamos todas bien” de Ana Penyas.

Cartel

Estamos todas bienes el resultado del particular ejercicio de recuperación de memoria intrahistórica realizado por Ana Penyas a propósito de sus abuelas, de la generación de las madres de la posguerra, “aquellas ejemplares Penélopes condenadas a coser, a callar y a esperar”, como las definió Carmen Martín Gaite. Del silencio y del olvido las rescata, desde una apuesta por la palabra como memoria y comunicación, como receta frente al silencio y frente a la soledad de nuestro tiempo. Con un “trazo vitalista y de orgánica sencillez”, y con la sutileza de una ilustración capaz de sintetizar atendiendo al detalle, Ana Penyas ha afinado elojoante la cotidianeidad de esas mujeres que vivieron bajo el franquismo, viéndolas “como ellas mismas, como mujeres”, no como la esposa de o la madre de. Así ha logrado llenar el vacío histórico de una generación de mujeres que atravesaron su tiempo en la más pura invisibilidad.

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván recibe un total de 43 piezas originales de esta obra que ha sido galardonada con el X Premio Internacional de Novela Gráfica FNAC-Salamandra Graphic (2017), el Premio Autora Revelación en el Salón del Cómic de Barcelona (2018) y el Premio Nacional de Cómic de Ministerio de Cultura (2018). 

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

EXPOSICIÓN DE PINTURA

La palabra, la pintura, el silencio. José María Bermejo

24.01.20 / 01.03.20

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición de José María Bermejo “La palabra, la pintura, el silencio”. Un total de 24 obras que se podrán visitar del 24 de enero hasta el 1 de marzo.

Cartel

Esta muestra, coproducida entre Diputación de Sevilla el Ayuntamiento de Olivares, está comisariada por el artista y crítico de arte, Juan Ignacio Tovar. En la misma se reúnen alrededor de 60 obras, procedentes de dos series de pinturas en las que Bermejo ha estado trabajando desde el año 2006. Concretamente, en el Museo de Arte Contemporáneo se exponen 24 obras de la serie de 60.

José María Bermejo es un artista referente de la pintura abstracta sevillana, perteneciente a una generación (Gerardo Delgado, José Ramón Sierra, Ignacio Tovar, Manuel Salinas...) que supuso la ruptura de la plástica sevillana con los cánones tradicionales de la figuración y, por lo tanto, la apertura a la modernidad en plenos años 60.

José María Bermejo

Entre 1969 y 1972, Bermejo (Olivares, 1952) estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Sevilla. Cuenta con diplomas de asistencia a los cursos de Arte de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander, en 1977, y de la Universidad de Verano Antonio Machado de Baeza, en 1983. De 1986 a 1991, es profesor asociado en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, en la asignatura de Tecnología del Color.

Tiene obra expuesta en los museos de Arte Contemporáneo de Sevilla, de Pamplona, de Ciudad Real, Unión Fenosa La Coruña y Patio Herreriano de Valladolid; en las colecciones de arte contemporáneo de la Fundación Luis Cernuda de la Diputación de Sevilla; Casa de Velázquez de Madrid; la Fundación Caja de Pensiones de Madrid; Diputación de Huelva; Ayuntamiento de Olivares; L'Oreal Madrid y The Chase Manhattan Bank, de Nueva York. Así como en: la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, en Toledo; Junta de Extramdura, en Mérida, Museo José María Moreno Galván, de Puebla de Cazalla. Además de numerosos premios prestigiosos y menciones.

2019

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Al raso. Pinturas de la Marisma. Juan F. Lacomba

06.12.19 / 19.01.20

 

Desde el 6 de diciembre y hasta el 19 de enero se puede visitar en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván de la exposición “Al Raso. Pinturas de la Marisma” del pintor sevillano Juan F. Lacomba.

Cartel

Juan Fernández Lacomba (Sevilla, 1954). Pintor e historiador del arte, cursó estudios en la Universidad de Sevilla. Desde los años setenta dedicado a la práctica de la pintura, traslada su estudio a mediados de los 80 a la localidad sevillana de Carmona. Especialmente implicado en una plástica sensual y expresiva de raíz analítica y densos contenidos culturales, siempre en relación con el paisaje y la memoria. Desde mediados de la década de los años noventa se siente atraído por Doñana y sus marismas, iniciando una serie pictórica sobre el paisaje y los elementos del paisaje en ese enclave privilegiado. Incluso trasladó en 2001 su estudio a una finca en La Puebla del Rio para vivir y percibir más profundamente el territorio que estaba pintando.

La exposición contará con 26 obras, todas óleos sobre lienzo o sobre papel reentelado en lienzo, abarcando un arco temporal que va desde 1994 hasta 2014. La exposición se inicia con un gran cuadro nocturno del Guadalquivir del año 1994, como prólogo y homenaje al río creador de las marismas, para centrase a continuación en el paisaje de Doñaña y la Marisma. Son obras sobre la Marisma pero también en la Marisma, frutos de la observación directa y las sensaciones y vivencias acumuladas al transitar durante años por la misma.

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11:00h. a 14:00 h. y de 17:30h. a 20:30h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10:00-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

 

 

EXPOSICIÓN DE SONIDOS

Aguda, Ligera, Estridente. Johanna Ehde y Andy G. Vida.

08.11.19 / 01.12.19

Del 8 de noviembre al 1 de diciembre, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la Muestra “Aguda, ligera, estridente” de Johanna Ehde y Andy G. Vidal.

Las crisis también pueden ser expresadas mediante el sonido, y específicamente mediante el ruido, que funciona perfectamente como una economía de la disrupción.

El ruido contiene un remanente negativo. El ruido implica perturbación, interferencia, molestia. El ruido se convierte en materia fuera de lugar. Sin embargo, esto no significa necesariamente, disrupción bajo cualquier medio. Aceptar el ruido y lo disruptivo puede implicar aceptar lo múltiple, lo plural y el rechazo de categorías y jerarquizaciones.

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En este sentido el ruido puede considerarse un método para “poner en crisis” aquello que es discriminatorio.

Cuando no existe pluralidad en la escritura de la historia (ni en la historia de la tipografía), un único tipo de voz es constantemente reproducido en un único tono y forma, mientras que sonidos e historias “desviadas” permanecen en los márgenes, fuera de los libros, silenciadas por la historia.

Aguda, ligera, estridente captura la voz de una tipografía desarrollada a partir de medios ruidistas. Su resonancia se articula en estrecha relación con construcciones culturales en torno al género y el sonido. Nos referimos al silenciamiento de la voz “femenina” y la voz “del otro”. Aguda, ligera, estridente se reapropia de esta ideología y adopta a través de varias instalaciones, los sonidos considerados femeninos como una forma de ruido subversivo.

EXPOSICIÓN DE DIBUJOS

Medusas y ballenas. Cristina Martos Vela.

18.10.19 / 03.11.19

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge del 18 de octubre al 3 de noviembre la exposición de la dibujante jinense Cristina Martos Vela, muestra que recoge una selección de originales de Medusas y Ballenas, obra con la que la autora ganó el Premio de Cómic Desencaja en 2009.

Medusas y ballenas' es la historia de una mujer y una búsqueda, un relato visual en el que cabe erotismo, emotividad y discurso. 'Medusas y ballenas' es el último libro publicado por la pintora e ilustradora Cristina Vela (Jaén, 1983), una de las artistas más frescas, imaginativas y premiadas del mundo del cómic en Andalucía.

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EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS Y TRABAJOS DE ARTE

Reconexión. Segunda Mirada. Comisariada por Gabriela Romano y MOMboart.

20.09.19 / 13.10.19

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge del 20 de septiembre al 13 de octubre la exposición “Reconexión. Segunda Mirada”. Una muestra de exposición colectiva de fotografía y de los talleres de arte LOFTY, liderado por Gabriela Romano & Ramón J. Lobo.

La esencia, es algo que está más allá de nuestro cuerpo, de nuestras emociones y de nuestros sentimientos. Es aquello que no se mueve, que es intrínseco y no varía a pesar de los cambios.

Aprender a desarrollar una segunda mirada, donde encontrar la esencia conlleva dejar de ser un espectador activo de lo que acontece, a experimentar las vivencias de forma pasiva e integrarlas en nuestra vida de manera natural.

La experiencia RECONEXIÓN, nos aleja de poner el foco de atención en el exterior, acercándolo a lo verdaderamente importante a través una segunda vuelta; de una segunda mirada consciente. Un cambio que reside en poner en poner el centro de interés en nosotros mismos a través de la fotografía.

RECONEXIÓN es un salto de tiempo y espacio, generacional, cultural y geográfico donde poco importa lo que esté ocurriendo fuera, lo elemental ya  se ha producido: transformar la cotidianidad.

Permanecer con los que desean volver a conectar con su mirada fotográfica de una manera consciente es la misión de Lofty, liderado por Gabriela Romano & Ramón J. Lobo, que en esta andadura han llevado su metodología a alumnos y alumnas de México y España. RECONEXIÓN reúne en una misma exposición talentos de diferentes países que van desde los siete hasta los sesenta años, lo que deja claro que la fotografía no entiende de espacio ni edad.

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge del 10 de septiembre al 13 de octubre la exposición “Reconexión. Segunda Mirada”. Una muestra de exposición colectiva de fotografía y de los talleres de arte LOFTY, liderado por Gabriela Romano & Ramón J. Lobo.

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EXPOSICIÓN DE SERIGRAFÍAS

la Travesía del Ajolote. Comisariada por Gabriela Romano y MOMboart.

04.05.19 / 23.06.19

La Travesía del Ajolote

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogé del 5 de mayo al 23 de junio la muestra "La Travesía del Ajolote", comisariada por Gabriela Romano y MOMboart.

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La exposición, inaugurada dentro de las actividades del VIII Festival de las Letras, es una muestra de arte gráfico mexicano contemporáneo.

42 serigrafías hacen un viaje desde el mítico taller-galería “Ajolote”  en Guadalajara (México) hasta La Puebla de Cazalla (España). Se reúne una cuidada selección de serigrafías de 26 artistas relevantes en el arte gráfico contemporáneo que han pasado por este taller mítico en pleno corazón del país del color. Una colección inédita donde se dan cita el quehacer artístico, el talento, el equilibrio entro lo figurativo y lo abstracto, una explosión festiva de pigmento ofreciendo ese toque de mexicanidad contemporánea.

Artistas: Alhex Dicer, Alejandro Martínez, Benito Zamora, Óscar Ortega “BMT”,  Daniel Neufeld, Dona Ocampo, Enrique Oroz, Eduardo Fonseca “Folé”, Florian Bon, Gabriel Mariscal, Humberto López “El Brujo”, Joao Rodríguez, Jose Fors, Juan Zufiaur, Laura Garza, Luis Valsoto, Milo Needles, Pablo Arteaga, Patricia Sánchez, Roberto Morleghem, Ramón J. Lobo “Mombó”, Roberto Pulido, Rollo, salvador Rodríguez, Edgar Flóres “Saner” y Toño Camuñas.

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Propiocepción. Antonio Claudio Reinero

15.03.19 / 28.04.19

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá del 15 de marzo al 28 de abril la muestra del artista Antonio Claudio Reinero “Propiocepción”.

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Propiocepción, a veces también llamado sexto sentido, permite reacciones y respuestas automáticas, interviene en el desarrollo del esquema corporal y en la relación de éste con el espacio, sustentando la acción motora planificada. Otras funciones en las que actúa con más autonomía son el control del equilibrio, la coordinación de ambos lados del cuerpo, el mantenimiento del nivel de alerta del sistema nervioso y la influencia en el desarrollo emocional y del comportamiento.

Así es como defino el conjunto de obras que forman ésta exposición, obras realizadas desde un punto de vista pictórico tal vez poco ortodoxo, dejando en un segundo plano exigencias técnicas y sobrevalorando por encima de todo la inercia del movimiento tanto físico como plástico, dando más importancia a la expresión, a la intuición, trazando una línea directa entre el subconsciente y las manos. A mitad del proceso, descanso y contemplo de una manera más analítica la obra en sí, retocando algunos aspectos para conseguir una coherencia plástica, aunque siempre dejando la primera esencia más intuitiva. Esta exposición no es más que el resultado material de mi yo interior.

Antonio Claudio Reinero, proveniente de familia Portuguesa nace en Almonaster (Huelva) en 1982. Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla en 2009 en la especialidad de pintura, durante estos años complementa su formación artística con varias becas en diferentes lugares como Coimbra (Portugal), Segovia, Salamanca o Madrid. Cambia su residencia a Alemania y más tarde a Granada, donde continúa su carrera artística. Recibe importantes premios de pintura, nacionales e internacionales, y realiza numerosas exposiciones tanto a nivel individual como colectivo en gran parte de la geografía española.  Actualmente reside en Vilafamés (Castellón) dónde ha trasladado su estudio y su vida;  y desde dónde continúa trabajando con intensidad.

 

 

EXPOSICIÓN DE ELEMENTOS GRÁFICOS

El legado de Roma

01.02.19 / 10.03.19

Del viernes 1 de febrero al 10 de marzo, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición itinerante "El legado de Roma", una muestra de elementos gráficos por el legado romano en la provincia de Sevilla.

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La muestra de carácter itinerante, se basa en la guía del mismo título,  y se encuentra integrada por medio centenar de elementos gráficos que trazan un recorrido, a modo de ruta cultural, por el legado romano en la provincia a través de sus principales vías de comunicación: la Vía de la Plata, la Ruta Bética Romana y la Vía Augusta.

Esta exposiciónes el resultado de un proyecto de mayor amplitudque vio la luz en 2017,al hilo de la conmemoración del 1.900 aniversario de la muerte de Trajano y de la llegada al poder de Adriano, los dos emperadores que Sevilla dio al mundo romano, contando con un apartado especial dedicado a Itálica.

El legado de Roma es  “una invitación para profundizar en la huella de la civilización romana en nuestro territorio a partir del valioso patrimonio arqueológico, cultural, artístico y hasta gastronómico que nos fue legado”.

 

2018

 

EXPOSICIÓN DE DIBUJOS

Itinerancias. Fuera/Dentro. Juan Cabello

22.12.18 / 27.01.19

Del 22 de diciembre al 27 de enero, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición de Juan Cabello “Itinerancia: fuera/dentro”. La muestra se inaugurará el próximo sábado 22 de diciembre a las 12:30 en el museo.

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Juan Cabello (1958) pertenece a la prolífica cantera de pintores en que, desde el impulso de los hermanos Moreno Galván, se convirtió desde mediados del siglo XX La Puebla de Cazalla. Sus primeros pasos en el campo de las artes fueron de la mano de su padre, Salvador Cabello, con el cual se adiestro en el manejo del dibujo y de quien heredó los temas más recurrentes de su pintura: el bodegón y el paisaje. Sus respectivos estilos, no obstante, distan mucho casi desde primera hora, situándose Juan lejos del costumbrismo paterno y aproximándose al aliento de las vanguardias. En ello debió tener no poco que ver Francisco Moreno Galván, de cuya pintura está mucho más cerca en la ejecución y en las formas. Más allá de La Puebla, el arco de referencias artísticas de Juan Cabello se completa con Cézanne, Picasso, Matisse, Juan Gris y Nicolás de Staël. Desde ahí, ha abordado Juan Cabello sus prodigiosos paisajes rurales, dominados por el olivar y la chumbera, y sus siempre deslumbrantes panorámicas de La Puebla. Desde ahí, ha acometido también sus bodegones y sus guitarras flamencas, donde se han ido imponiendo los colores puros en insobornable pelea con las degradaciones. Y desde ahí se levanta, en suma, esta fiesta del color  en el bodegón y en el paisaje que es la pintura de Juan Cabello.

 

 

EXPOSICIÓN DE DIBUJOS

Guías Centrífugas. Residencias Artísticas 2016

09.10.18 / 18.12.18

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá la muestra “Guías Centrífugas” una exposición de los trabajos realizados en las residencias artísticas de La Puebla de Cazalla 2016.

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La inauguración se celebraba el viernes 9 de noviembre a las 21:00 horas dentro de las actividades programadas dentro de las II jornadas de Art Brut organizadas por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla.

La programación de las jornadas, además de las mesas redondas y ponencias entorno al tema, mantiene como eje fundamental el proyecto paralelo Residencias Artísticas de La Puebla de Cazalla: tres artistas previamente seleccionados desarrollan un proyecto en colaboración con los usuarios y usuarias del Centro Ocupacional durante el mes de noviembre.

La exposición se podrá visitar en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván hasta el 16 de diciembre.

 

 

 

 

EXPOSICIÓN DE DIBUJOS

Agreda. Héroes del tebeo. José Luis Agreda

21.07.18 / 28.10.18

Del 21 de septiembre al 28 de octubre, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición “Agreda: Héroes de tebeo”. Esta muestra es una selección de dibujos del ilustrador y dibujante José Luis Agreda con su inconfundible estilo a base tintas planas, en los que glosa y rinde su particular homenaje a sus personajes favoritos, héroes y antihéroes del cómic clásico, que, en sus años de infancia y juventud tuvieron para él un especial interés. Estos dibujos se complementan a su vez con vistosos paneles, con textos esenciales-a modo de ficha bibliográfica- sobre cada uno de los héroes redactados por el reconocido escritor afincado en Sevilla Jose María Conget, especialista en historia del cómic.

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Horario: Viernes: 18:00-21:00 h. Sábados y domingos: 11:00-14:00 y 18:00-21:00 h. Tlf. contacto: 954499416.

 

 

 

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS Y CARTELERÍA

50 Reuniones de Cante Jondo. Comisarios: Miguel Ángel River y Mª José Sánchez Gago

29.06.18 / 26.08.18

En la conmemoración de las 50 ediciones de la Reunión de Cante Jondo, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván se suma con esta exposición retrospectiva sobre la historia visual del festival que se podrá visitar hasta el 26 de agosto.

En primer lugar, con una selección de la cartelería original, que forma parte de los fondos del Museo. Como sabemos, la cartelería es uno de los elementos de mayor simbolismo de la Reunión. Bajo la firma del pintor Francisco Moreno Galván en sus 50 ediciones, a excepción de la 26, que encargó a su amigo Joaquín Sáenz, el cartel constituye el primer quejío de la Reunión, el primer augurio de una noche mágica; de ahí su importancia. Francisco vio además en la cartelería una manera de hilvanar modernidad y cultura popular, y una posibilidad de acercar al pueblo el arte de vanguardia. No en vano, dicha cartelería acoge a diferentes corrientes artísticas, como el cubismo, la abstracción, el expresionismo... El otro eje de la exposición es la fotografía, relativa fundamentalmente a los artistas sobre el escenario de la Reunión de Cante Jondo. Por un lado, con fotografías de los primeras 25 ediciones, desde el objetivo de Enrique Sánchez (Menese, Joselero, Lebrijano, Melchor de Marchena, Manolo Brenes, Matilde Coral, Farruco, Fernanda y Bernarda…). Y por otro lado, con fotografías de las últimas 24 ediciones, obra del morisco Antonio Moreno (Diego Clavel, Pepa Montes, Miguel Poveda, La Moneta, Mayte Martín, La Macanita, Pepe Torres…). A esta muestra fotográfica se suma una selección de instantáneas de otro de los núcleos de la Reunión: los aficionados. Finalmente, la exposición se completa con una miscelánea de entradas, folletos y demás detalles de las 50 ediciones de la Reunión de Cante Jondo, fruto de la esmerada y rigurosa colección de Curro Marín.

Si en la Reunión de Cante Jondo se ha puesto en primer plano la dimensión del flamenco como experiencia estética visual, esta exposición aspira a dar un paso más en esa dirección, a multiplicar el caudal de placeres que dimana de la estética de lo jondo.

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EXPOSICIÓN DE ESCULTURA

Esbozos Completos. Martín Lagares

11.05.18 / 17.06.18

El viernes 11 de mayo, a las 21:00 horas, se inaugurará la exposición de escultura “Esbozos Completos” de Martín Lagares, escultor que ganó el concurso de escultura de Miguel de Cervantes en nuestro municipio.

La muestra se podrá visitar hasta el 17 de junio en el Museo de Arte Contemporáneo José maría Moreno Galván.  La exposición se compone con un total de 25 piezas de este artista onubense. Lagares, como escultor, procura inyectar a cada obra desde sus manos todo su caudal de sentimientos, emociones y raciocinios, dejando su huella casi con violencia expresiva. Pero no debemos confundir este énfasis en lo subjetivo y lo expresivo con una renuncia a la forma, ni a la búsqueda de la dimensión.

"Esbozos Completos" es en suma una apuesta por la estética del fragmento, por la grandeza de lo inacabado, por la belleza inscrita en la imperfección, por el vínculo inescrutable entre forma y expresión.

Postales

Martín Lagares (La Palma del Condado, 1976) destaca precisamente por lo que denomina "esbozo completo", que se basa en un modelaje del barro rápido y preciso, consiguiendo el retrato en poco tiempo y destacando la expresividad por encima del detalle.

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Horario de  visitas:

Sábados y domingos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

 

EXPOSICIÓN DE PANELES

Antonio Machado. Laberinto de Letras

06.04.18 / 06.05.18

Dentro del Festival de las Letras se inauguraba la exposición "Antonio Machado. Laberinto de Letras" que se podrá visitar en el Museo de Arte Contemporáneo hasta el 6 de mayo.

Con motivo del setenta aniversario del fallecimiento del poeta andaluz Antonio Machado, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, a través del Centro Andaluz de las Letras, ofrecía en el año 2009 la exposición itinerante Antonio Machado. Laberinto de espejos, con el fin de contribuir a la difusión de la figura de este autor universal y potenciar el patrimonio intelectual andaluz.

Esta exposición se realizó bajo la coordinación del profesor Antonio Jiménez Millán.

Antonio Machado. Laberinto de espejos' contribuye a la difusión de la figura de este autor universal y potenciar el patrimonio intelectual andaluz con motivo del 70 aniversario del fallecimiento de Machado. La muestra consta de un juego de 35 paneles con los que se pretende difundir la obra del 'poeta de lo hondo' de "forma sencilla pero con rigor intelectual, además de transmitir al público andaluz la importancia que supone la protección y conservación del patrimonio intelectual y aproximando, a su vez, a los ciudadanos la labor que vienen realizando instituciones como el Centro Andaluz de las Letras para rescatar de la memoria intelectual andaluza su patrimonio literario".

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Horario de  visitas:

Sábados y domingos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

 

EXPOSICIÓN DE GRABADOS

Taller de grabado de Dimitri Papageorgius . La Colección Boj

24.02.18 / 01.04.18

 

El próximo 24 de febrero el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván de La Puebla de Cazalla presenta la Colección Boj, una colección íntegra, recientemente adquirida por el Ayuntamiento. Se trata de 36 obras que, a través del grabado, conforman un compendio de la pluralidad artística de las vanguardias de la España de los sesenta.

Postales

Inauguración: 24 de febrero de 2018, 13:30 h. Hasta el 1 de abril de 2018

Tras el triste panorama artístico planteado en la posguerra española y la ruptura con los dictámenes estéticos exigidos en la etapa de la dictadura, comienza a abrirse un nuevo horizonte hacía 1960. En este sentido la estricta figuración de pacata naturaleza ha dado paso a toda clase de circunstancias. La abstracción informalista adquiere suma potestad y la materia asume una existencia que, hasta entonces, no se presuponía. Incluso la representación inmediata adopta una nueva realidad y se establecen unos segmentos de mucha mayor amplitud significativa y conceptual.

En este panorama, el taller de grabado de Dimitri Papageorgius se encuentra en plena efervescencia con el objetivo de acercar la obra artística a todos los estratos sociales. Surge así la idea de crear una colección de obra gráfica que aglutinase a algunos de los artistas españoles más importantes. La Colección Boj, nombre de esa particular madera dura tan familiar en los talleres de obra gráfica, presenta una destacada nómina 36 artistas determinantes en el panorama artístico español contemporáneo.

JOSÉ CABALLERO / GREGORIO PRIETO / BENJAMÍN PALENCIA / MARUJA MALLO/ ANTONIO RODRÍGUEZ VALDIVIESO / PANCHO COSSÍO  / AGUSTÍN REDONDELA /LUIS GARCÍA-OCHOA / JUAN BARJOLA/CRISTINO MALLO / AGUSTÍN ÚBEDA / CIRILO MARTÍNEZ NOVILLO /  LORENZO GOÑI /ANTONIO LAGO / MECHU GAL / MANUEL COLMEIRO/JORGE CASTILLO / MANUEL ALCORLO / FRANCISCO GARCÍA ABUJA / JOSÉ VENTO / EDUARDO DE VICENTE / JUAN IGNACIO CÁRDENAS / AGUSTÍN PÉREZ BELLAS /DANIEL VÁZQUEZ DÍAZ / ÁLVARO DELGADO /JOSÉ VELA ZANETTI / JAVIER CLAVO /PEDRO BUENO / FRANCISCO MATEO / JULIO ANTONIO ORTIZ / MANUEL L. VILLASEÑOR /  RAFAEL PENA / ANTONIO LÓPEZ GARCÍA / PEDRO MOZOS / DIMITRI PAPAGEORGIUS.

Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416/mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Taller de pintura "Paseo Bohórquez" . Enjundia

03.02.18 / 18.02.18

Enjundia es el título de la nueva exposición que acoge el Museo Contemporáneo José María Moreno Galván desde el 3 al 18 de febrero. Esta muestra vendrá a recoger el trabajo del Taller de Dibujo y Pintura Paseo Bohórquez impartido por Gema Atoche.

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Treinta personas, entre niños y adultos, son las que componen esta exposición,  que no deja indiferente, tanto por su diversidad de edades, como por la variedad de enfoques técnicos y visuales.

La muestra que se podrá visitar hasta el 18 de enero está compuesta por los siguientes participantes: 

Mª CARMEN MONTESINOS/ MANUEL MARTÍN ALCÁZAR/ JOAQUÍN ARRIZA/ MARÍA JOSÉ COBOS/ JORGE RODRÍGUEZ/ ANA ARCEDO/ CONSUELO VALERO/ ANA BELÉN COPETE/ PAQUI VACAS/ Mª ÁNGELES MARTAGÓN/ ISABEL HERNÁNDEZ/ RAFAEL GARCÍA/ FRAN VÁLERA/ MARÍA RODRÍGUEZ/ DANIEL ROMERO/ ÁLVARO ORDOÑEZ/ CARLOS GUERRERO/ BORJA NÚÑEZ/ CELIA MONTES/ MANUEL PARTIDA/ JUAN PARTIDA/ DANIEL PARTIDO/ DANIEL GARCÍA/ CLAUDIA GARCÍA/ MANUEL RODRÍGUEZ/ CLARA RODRÍGUEZ/ PAULA ROSA/ IGNACIO VARGAS/ LIDIA RECIO/ DANIELA LIMONES.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Horario de  visitas:

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

Horario de visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Postales

Enjundia

Uno pinta tal y como piensa el mundo. Aprender a mirar, a interpretar con la materia y los soportes, es algo que ya se hace desde la tierna infancia como un impulso vital. La técnica, del griego tékhnē, viene a ser entonces la base experimental entre la conjugación realidad-persona-materia, dando como resultado un abanico infinito de posibilidades. Pero es importante mencionar que no hay una sola realidad percibida de la misma manera por dos personas, ya que patrones, creencias y experiencias de esta, abren paso a la creación de nuevos mundos y nuevas miradas.

De aquí el título de esta muestra coral, Enjundia, donde se destaca precisamente esa riqueza diversa y elemental de las diferentes miradas, cuyo elemento de unión viene a ser la pintura y el dibujo, en su paso por el Taller de Dibujo y Pintura Paseo Bohórquez.

Treinta personas, entre niños y adultos, son las que componen esta exposición,  que no deja indiferente, tanto por su diversidad de edades, como por la variedad de enfoques técnicos y visuales.

Que sirva esta muestra de impulso a seguir creando y evolucionando, a introducir diálogos y generar dinámicas culturales que se hagan visibles y que se atrevan a marcar el paso de la Cultura en nuestro pueblo.

Gema Atoche.

2017

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Aitor Lara. Dragoman

01.12.17 / 28.01.18

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la exposición fotográfica “Dragoman” del artista Aitor Lara. El proyecto consiste en un ensayo en blanco y negro, cuyo germen de trabajo es captar la profunda soledad y el desarraigo que arrastran muchas personas en las sociedades contemporáneas.

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Las imágenes captadas en diferentes áreas del mundo, ponen sobre la mesa, a modo de documental, la crisis de valores generada por el sistema, teniendo en cuenta siempre como punto de partida, la vigencia interpretativa del concepto de la máscara.

Esta exposición fotográfica en blanco y negro, son el resultado de un largo proceso de trabajo que Aitor Lara pudo desarrollar a lo largo de varios años y en diversos países (India, Burkina Faso, Cuba, Estados Unidos, entre otros) gracias a la Beca de Artes Plásticas que le fue concedida por la prestigiosa Fundación Endesa y la Diputación de Teruel en el año 2013 y que le permitió continuar su proyecto, iniciado en el año 2001, y que culmina en 2017 con esta selección de fotografías que se muestran hasta el 28 de enero.

El proyecto consiste en una suerte de ensayo fotográfico de retrato documental que se traduce en esta serie de fotografías cuyo germen de trabajo es retratar la profunda soledad y el desarraigo que arrastran muchas personas en las sociedades contemporáneas de diferentes áreas del mundo, enmarcados en la crisis de valores generada por el sistema. La idea central de este proyecto parte de la vigencia interpretativa del concepto de la máscara. Estas fotografías son de extraordinario valor artístico, pero también de un relevante valor antropológico y social, por lo que 'nos parece oportuno incorporarlos en su día, como muestra temática, a nuestro circuito de exposiciones por la provincia', ha expresado la diputada de Cultura y Ciudadanía, Rocío Sutil.

La obra de este artista se ha visto reconocida desde sus comienzos con algunas de las más importantes distinciones y premios fotográficos de nuestro país: I Beca de Fotografía Juana de Aizpuru en 1999, Premio Photo-España Ojo de Pez de Valores Humanos, la Beca Ruy de Clavijo concedida en 2004 por Casa Asia, Premio Europa Multicultural Médicos del Mundo en 2008, Beca de Artes Plásticas Endesa 2013. En 2017 ha sido becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación junto a destacados artistas españoles y extranjeros para el desarrollo de un proyecto en la Academia de España en Roma.

Postales

Descripción del proyecto.

Dragoman es un término arcaico de origen oriental que servía antiguamente para designar a las personas que ejercían labores de traducción lingüística en épocas de guerras. La creación artística, al igual que la tarea del intérprete, es un proceso generador de significados. En este caso, la imagen fotográfica se constituye en el ejercicio de interpretación del autor a través de su viaje por diferentes mundos.

La idea central de este proyecto parte de la vigencia interpretativa del concepto de la máscara con el que se ha realizado un ensayo fotográfico de retrato documental con el apoyo de la Beca Endesa de Artes Plásticas. El germen de este trabajo es la profunda soledad y el desarraigo que arrastran muchas personas en las sociedades contemporáneas de diferentes áreas del mundo, enmarcados en la crisis de valores generada por el sistema. Es un proceso que genera nuevas formas de búsqueda identitaria, nuevas vías de interpretarse, nuevos sentidos de la trascendencia que actúan también, en ocasiones, de refugio espiritual.

Desarrollo conceptual del proyecto.

El ser humano se enmascara y al hacerlo genera sentido. Ataviado con expresiones terribles, funestas, patéticas, festivas, solemnes o impúdicas, el ser humano se enfrenta al mundo con su rostro encubierto. Sin embargo, al terminar la representación, al guardarse en la intimidad de sí mismo y reposar tranquilo en su soledad, se mira al espejo y se despoja del rostro que lo hizo ser alguien (durante el festejo), encontrando que su verdadero rostro, su persona, es su máscara auténtica e intransferible. En palabras de Susan Sontag: “una persona es una acumulación de apariencias a las que se puede extraer, mediante el enfoque apropiado, capas infinitas de significación”.

La realidad misma es una máscara o, como bien supo testimoniar Cioran: “lo que parecía acumular todo los títulos de lo real no es ya más que un rostro ¿Un rostro? Ni siquiera; sólo un disfraz, una simple apariencia [...]. El «destino» no es más que una máscara, como máscara es todo lo que no es la muerte”. Lo que, lejos de mostrarse como una metáfora desgastada, presenta un profundo trasfondo filosófico que hunde su significación en uno de los valores más preciados del discurso occidental: la verdad. Concebir la verdad de esta forma tiene algo de maravilloso, algo de siniestro, por eso es tan fascinante. Nos arrima a un vacío o que da vértigo, horror vacui, a un abismo que resulta difícil dejar de mirar y que nos seduce brutalmente. Por eso el mundo se convierte en una terrible fiesta del delirio donde no hay seguridades, sólo el instante intempestivo.

Es desde esta experiencia radical de orfandad y desarraigo, desde donde podemos volver a pensar de manera originaria. Sólo desde ahí podemos arrancarnos nuestro malestar cultural. Sólo desde el sueño que es consciente de que sueña, es posible abandonar los paradigmas adormecedores. Sólo desde ahí podemos afirmarnos como personas.

Este proyecto se concibe como una investigación en los procesos de carnavalización contemporáneos. Mediante la estética del absurdo. En el sentido del abandono del discurso lógico y del realismo tradicional, que redunda en la plasmación de un universo más oscuro y monstruoso que se vislumbra desde las zonas más sórdidas, teñido de imágenes obsesivas y grotescas. Lugares donde se transforma lo real en un tejido complejo que adquiere tantas identidades como temores y deseos psíquicos rescata.

La pugna de poder entre las oscuras tinieblas y la luz de un mundo maravilla, la pérdida del referente de la realidad en el discurso y la carnavalización como proceso de la hilaridad colectiva de las identidades muestran, de algún modo, la máscara que cubre esta quimérica fábula de soledad y abandono que somos. La máscara se convierte, en palabras de Walter Benjamin, en un registro de identidad y la fotografía en una máscara mortuoria.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

Horario de visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

 

EXPOSICIÓN DE ESCULTURAS

Carlos Montaño. El conflicto del objeto o la memoria de Dios

20.10.17 / 19.11.17

El Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla acoge del 20 de octubre al 19 de noviembre la exposición que compila siete años de trabajo del artista.

Se trata de una exposición a partir de una reflexión sobre la esencia del dibujo y la figura del dibujante. Por una parte, integran la muestra un conjunto de 14 esculturas en bronce y escayola, realizadas en los últimos años, acompañadas de una selección de 30 monotipos, en los que se combinan diversas técnicas: grabado calcográfico, grafito y tintas y acuarelas.

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Por otra y como núcleo central de la muestra, se exponen los trabajos más recientes de Montaño. Se trata de una gran escultura, 'El dibujante', tallada en madera de tilo, que, junto a otras piezas de menor tamaño y una serie de dibujos de pequeño formato, constituyen el reflejo de la idea principal de la que surge la muestra: la reflexión sobre la esencia del dibujo y, por lo tanto, sobre la creación artística.

Facsimil La exposición será visitable viernes, sábado, domingo y festivos en horario de 11.00 a 14.00 horas y de 17.30 a 20.30 horas. Asimismo, pueden concertarse visitas guiadas previa cita.

El Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván”

Fundado en 1995 a iniciativa del crítico de arte contemporáneo que le da nombre, acogiendo en sus inicios exposiciones itinerantes y obra permanente de artistas reconocidos, como Picasso, Miró, Tàpies o Lucio Muñoz. Actualmente se encuentra ubicado en uno de los edificios históricos de La Puebla de Cazalla, un antiguo Pósito datado en el siglo XVI.

Catálogo

El diseño expositivo del Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” está estructurado conforme a las tres plantas que lo componen. La planta baja está destinada exclusivamente a exposiciones temporales en diferentes formatos y soportes. La primera planta alberga la mayor parte de la colección permanente del Museo, que incluye obras de artistas nacionales e internacionales de la vanguardia y la postvanguardia, si bien con una mayor presencia de artistas del territorio andaluz. Tienen cabida en ella distintas corrientes y tendencias como el cubismo (Pablo Picasso), el surrealismo (Joan Miró, Roberto Matta), el arte abstracto (José Guerrero, Jaime Burguillos, Joaquín Meana, Juan Suárez), el informalismo (Antoni Tàpies, Manuel Millares, José Guinovart, Lucio Muñoz, Ignacio Iraola, Joan Vila-Grau), la abstracción geométrica (Ignacio Tovar, José María Báez, Ricardo Cadenas, José Ramón Sierra), la nueva figuración (Cristino de Vera, Antonio Rodríguez Valdivieso, Pascual de Lara, Jiri Dokoupil, Carmen Laffón, Joaquín Sáenz, Félix de Cárdenas, Curro González) o el arte conceptual (Diego Santos, Rogelio López Cuenca, Rodríguez Silva). Completan esta planta diversas piezas escultóricas de Jorge Oteiza, Eduardo Carretero, Rolando Campos y Alegría y Piñero. Finalmente, las dos torres de la segunda planta están dedicadas a Francisco Moreno Galván, en una sala que incluye pintura, dibujo, cartelería flamenca y letras, y a Diego Ruiz Cortés, con una muestra de su evolución desde la pintura figurativa a la pintura geométrica.

EXPOSICIÓN DE ILUSTRACIONES

Seisdedos. Flamencografías

30.06.17 / 27.08.17

Del 30 de junio al 27 de agosto, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, acoge la muestra “Flamencografías” del ilustrador Seisdedos. Como cada año, durante la Reunión de cante jondo se abre una muestra relacionada con el mundo flamenco y, en esta edición serán estas ilustraciones las encargadas de ofrecer una investigación sobre el arte flamenco.

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El autor de estas ilustraciones es Seisdedos (Álvaro García). Nacido en Lorca en 1979, ha colaborado en calidad de ilustrador y articulista con diferentes editoriales y medios de comunicación, tanto impresos como digitales. Su trabajo combina la denuncia social con el surrealismo, la ironía y las referencias a la cultura de masas. Considera que su estilo gráfico está influido tanto por el universo del cómic como por el fotoperiodismo, sin perder nunca de vista a grandes pintores como Goya, uno de sus principales referentes.

Postales

Los trabajos expuestos forman parte de su proyecto Flamencografías, que él define como “una investigación sobre el arte flamenco, realizada a través del dibujo y la ilustración”. Seisdedos intenta desmontar tópicos o bien jugar con ellos, para reflejar aquellas singularidades del flamenco y de la sociedad andaluza que suelen escapar a las representaciones habituales. Más información: www.seisdedos.org

 

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Francisco Guardado. Pastores

02.06.17.12.16 / 24.06.17

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván expondrá desde el viernes 2 de junio hasta el 25 la exposición de fotografías de Francisco Guardado “Pastores”.

Una exposición fotográfica de formatos 60×80 cm y 35×40 cm con escenas y retratos de los cabreros y pastores de la comarca de Morón de la Frontera, desde la mirada del objetivo del autor moronense Francisco Guardado Lucas.

La muestra podrá verse en el Museo hasta el 25 de junio en el siguiente horario: Viernes de 18:00 a 21:00 horas, sábados y domingos de 11:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 21:00. Martes con cita previa de 11:00 a 14:00 horas.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Daniel Franca. Entropía

22.04.17.12.16 / 14.05.17

 

INFORMACIÓN

 

Daniel Franca expone “Entropía” en el Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” de La Puebla de Cazalla. La muestra se encontrará abierta al público del 22 de abril 14 de mayo donde se podrán contemplar 17 pinturas sobre el viaje del pintor a través de India.

El próximo día 22 de abril, a las 13.00 horas, se presentará la exposición “Entropía”, del artista sevillano Daniel Franca, una muestra de su visión de la India después de un viaje de tres meses durante 2016. El Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla, de titularidad municipal, acoge en sus salas una colección que repasa ciudades como New Delhi, Jaipur, Mumbai, Varanasi o Púshkar en las que el pintor refleja su experiencia en el segundo país más poblado del mundo.

Gracias al acuerdo alcanzado con el Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” y el Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla, un total de 17 piezas de diferentes formatos donde el artista sevillano recoge el efecto de que «algo se te rompe en la cabeza cuando aterrizas en ese maravilloso y loco planeta», planteando un recorrido a través de la India, un país lleno de contrastes, diferentes paisajes y ciudades que tienen como hilo de conexión el agua y el hormigón, elementos muy preciados para la vida.

La exposición de Daniel Franca se completa con un cuidado catálogo editado por la arquitecta Reyes Lara que recoge, además de las pinturas de la exposición, las colaboraciones del escritor Francisco José Chamorro, la abogada Amparo Navarro, la investigadora Susana Fernández y el artista Rubén Martín de Lucas.

Postal

La exposición será visitable en horario de martes a jueves, de 11.00 a 14.00 horas, viernes de 17.30 a 20.30, sábado, domingo y festivos en horario de 11.00 a 14.00 horas y de 17.30 a 20.30 horas. Asimismo, pueden concertarse visitas guiadas previa cita.

 

 

CARTEL

 

Franca, un joven artista en crecimiento

Daniel Franca (1985) nació en Sevilla y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Hispalense. Desde entonces, su carrera siempre ha estado en constante crecimiento: estancias en la República Checa y en Alemania, una residencia en California (Estados Unidos), pensionado del Palacio del Quintanar y su paso por la Fundación Antonio Gala lo han forjado como uno de los artistas contemporáneo más destacados de Andalucía.

Fue primer premio de pintura del Ateneo de Sevilla, un destacado reconocimiento que se une a otros muchos y a sus colecciones individuales. “Entropía” es la tercera en solitario, sucediendo a “La Ciudad” en 2015 y “Lost Light” en 2013. A la larga lista de reconocimientos y galardones se une la preselección de su obra en el prestigioso concurso que organiza la National Portrait Gallery de Londrés y patrocinado por la compañía British Petroleum (BP). Franca fue seleccionado el pasado mes de febrero entre más de 2.600 participantes.

El Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván”

Fundado en 1995 a iniciativa del crítico de arte contemporáneo que le da nombre, acogiendo en sus inicios exposiciones itinerantes y obra permanente de artistas reconocidos, como Picasso, Miró, Tàpies o Lucio Muñoz. Actualmente se encuentra ubicado en uno de los edificios históricos de La Puebla de Cazalla, un antiguo Pósito datado en el siglo XVI.

El diseño expositivo del Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” está estructurado conforme a las tres plantas que lo componen. La planta baja está destinada exclusivamente a exposiciones temporales en diferentes formatos y soportes. La primera planta alberga la mayor parte de la colección permanente del Museo, que incluye obras de artistas nacionales e internacionales de la vanguardia y la postvanguardia, si bien con una mayor presencia de artistas del territorio andaluz. Tienen cabida en ella distintas corrientes y tendencias como el cubismo (Pablo Picasso), el surrealismo (Joan Miró, Roberto Matta), el arte abstracto (José Guerrero, Jaime Burguillos, Joaquín Meana, Juan Suárez), el informalismo (Antoni Tàpies, Manuel Millares, José Guinovart, Lucio Muñoz, Ignacio Iraola, Joan Vila-Grau), la abstracción geométrica (Ignacio Tovar, José María Báez, Ricardo Cadenas, José Ramón Sierra), la nueva figuración (Cristino de Vera, Antonio Rodríguez Valdivieso, Pascual de Lara, Jiri Dokoupil, Carmen Laffón, Joaquín Sáenz, Félix de Cárdenas, Curro González) o el arte conceptual (Diego Santos, Rogelio López Cuenca, Rodríguez Silva). Completan esta planta diversas piezas escultóricas de Jorge Oteiza, Eduardo Carretero, Rolando Campos y Alegría y Piñero. Finalmente, las dos torres de la segunda planta están dedicadas a Francisco Moreno Galván, en una sala que incluye pintura, dibujo, cartelería flamenca y letras, y a Diego Ruiz Cortés, con una muestra de su evolución desde la pintura figurativa a la pintura geométrica.

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Gabriel, Paco y Miguel Cabeza. 3 Cabezas 3

20.01.17.12.16 / 28.02.17

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge, del 21 de enero al 28 de febrero, la exposición de pintura “3 Cabezas 3” de Paco, Gabriel y Miguel Cabezas.

Cartel

Prolongando el símil que da título a la exposición, el coso taurino es el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, cuya nueva temporada arranca con tres maestros en el arte de la lidia del color y de las formas: Paco Cabeza, Gabriel Cabeza y Miguel Cabeza. A la sazón, sobrinos (los dos primeros) y sobrino-nieto (el tercero) de quien da nombre al Museo. Paradojas de la vida. O no. ¿Por qué fiar a las casualidades? José María y Francisco Moreno Galván alentaron en su tiempo una fe en el poder de las artes plásticas que aún hoy sigue viva, tanto en su pueblo, como en su mismo linaje. Y esta exposición es buena muestra de ello. Atiendo a estos matices por contextualizar en su intrahistoria íntima y plástica a los tres artistas convocados y porque los referentes en unos y otros apenas varían: Picasso, Miró, Tàpies, el informalismo, Zurbarán, Zuloaga… De todo eso encontramos aquí destellos: en el predominio de la expresión sobre la forma; en la liberación del color de sus ataduras; en la simbología entre lo ibérico y lo jondo; en la hegemonía de lo matérico sobre lo conceptual; en la descomposición armónica de las formas; en sus invocaciones de rebeldía frente a una sociedad sumisa. Y es que, como dijo José María Moreno Galván, “todo el arte contemporáneo se realiza bajo el imperativo de la rebelión.”

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2016

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA Y DIBUJO

Patricio Cabrera. Aqui hay Dragones

17.12.16 / 15.01.17

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"Aquí hay dragones" es una retrospectiva que recoge la pintura y los dibujos, desde 1985 hasta 2015, del artista de Gines, Patricio Cabrera, uno de los más interesantes surgidos en los años ochenta en Sevilla, que cuenta con una trayectoria ampliamente reconocida.

Cabrera (Gines, Sevilla, 1958) es una de las más interesantes figuras artísticas del panorama actual español de las artes plásticas, con obras en los museos y colecciones más importantes del país, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Bancaria La Caixa, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, o Fundación Coca-Cola, entre otros. Precisamente, La Fundación La Caixa y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, además de numerosos coleccionistas particulares, han prestado obras para esta exposición, la más importante, al menos hasta el momento, en número de obras (más de 40 cuadros y numerosos dibujos), que se le dedica al artista.

Además dentro del acto de inauguración también comenzarán las conversaciones sobre arte contemporáneo donde Cabrera hablará de su obra.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Alumnos de Manuel de Cruces. La Puebla Pinta

25.11.16 / 11.12.16

La Puebla Pinta

El próximo viernes 25 de noviembre a las 20h tendrá lugar la inauguración de la exposición "La Puebla pinta" de alumnos del taller de arte de Manuel de Cruces. Será en el Museo de arte Contemporáneo José Mª Moreno Galván.

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En la misma, los artistas del taller de Manuel de Cruces exponen su visión de La Puebla desde el ojo crítico del pintor. La muestra se podrá visitar hasta el 11 de diciembre en el Museo.

 

Visitas

Hasta el 11 de diciembre de 2016

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Jorge Gallego. Final y Princiio

23.09.16 / 30.10.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 23 de septiembre al 30 de octubre la exposición Final y Principio de Jorge Gallego. La inauguración de la muestra -con la presencia del artista- se celebrará el viernes a las 20:30 en el Museo.

n tiempos de espectáculo y artificio, cuando el humo de los fuegos nos ciega, se convierte en necesidad volver la mirada a lo trivial y lo cotidiano, a lo aparentemente carente de prestigio. Ahí se inscribe por ejemplo la poesía de Mª Ángeles Pérez López, cuyo canto a lo doméstico  recogido en su obra La sola materia (1998) atiende al “pálpito inicial de los objetos”. Como esa poesía, la pintura de Jorge Gallego (Montellano -Sevilla-, 1980) no acude a otros mundos para surtirse de realidad y buscar sentido, sino que hunde su mirada en lo próximo y lo insignificante. Explora las cosas y la materia como verdadero cuerpo del mundo, para desde ahí indagar en el fundamento de lo que nos rodea y que da sentido a nuestra existencia.

Es lógico que con esos propósitos, Jorge Gallego cultive una pintura basada en la figuración realista, que bien podríamos situar entre Antonio López y Edward Hopper. En el pintor español, por esa adhesión a la realidad y a la carga simbólica que lo real mantiene en silencio. En el norteamericano, por el sentido poético y el inquietante misterio que impregna a sus escenas urbanas. Todas esas cualidades son manifiestas en la pintura de Jorge Gallego, tanto en los paisajes rurales de sus primeras obras, como en la tendencia a la soledad de lo urbano de sus obras más recientes. Ambas vertientes se pueden contemplar en esta exposición. El vértigo de los anchos campos de Montellano; las dicotomías entre luz y oscuridad de ciudades anónimas; la belleza intangible de las ruinas abandonadas de la modernidad; amplios cielos cargados de sentido metafísico; decadencia y esperanza.

 En este sentido, la obra plástica de Jorge Gallego se sustenta en una concepción del arte como testimonio, que coincide con un postulado central de la estética de José María Moreno Galván. En su obra Pintura española. La última vanguardia (1969), nos ofrecía el crítico morisco la siguiente definición: “El arte es, pues, […] un testimonio significativo y sintético de la realidad del hombre en su tiempo y en su circunstancia histórica. Es además una expresión de la realidad colectiva, aun cuando su materialización sea producto de una labor individual.” Ahí se inscribe, como decíamos, el proyecto artístico de Jorge Gallego, hijo del mismo paisaje entre la campiña y la sierra que el citado crítico. No en vano, el propio artista afirma situar su búsqueda plástica entre “el ser, lo individual y lo colectivo”. De ahí que el crítico de arte Tomás Paredes haya destacado de su pintura su “vocación de identificación”, es decir, su capacidad para testimoniar “la condición humana”.

 Es preciso destacar asimismo los valores plásticos de su pintura. La esmerada composición del lienzo, con un prodigioso juego de los espacios y el vacío en tensión. El poder de comunicación de la presencia más allá de la representación. El sosegado contraste entre la luz y la sombra, cultivado con sabia dosificación y privilegiando siempre el tenue cromatismo de la luz solar. Y como un rara avis, el predominio de la pintura sobre el dibujo, pese a trabajar la figuración realista, donde usualmente se procede a la inversa. Quizás esté ahí una de las claves de la pintura de Jorge Gallego, el motivo por el cual sus cuadros nos atraen y nos inquietan, en esa extraña sinergia entre la gravidez formal de sus composiciones y el misterio poético con que aborda sus escenas y que imprime a los objetos. Decía José María Moreno Galván que el arte auténtico se monta sobre problemas, no sobre soluciones. Y las secuelas que nos deja el contemplar una obra de Jorge Gallego son precisamente los interrogantes que calladamente nos transmite, sea la desolación del abandono y el olvido, sea la belleza de lo insignificante que nos rodea, sea la esperanza de lo aún por pintar y por decir.

Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, en la especialidad de Pintura, Gallego terminado el período de docencia con el programa de Doctorado “Pintura y Conservación-Restauración” en el Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla en el año 2007.

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Hasta La Puebla recalará con "Final y Principio".

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EXPOSICIÓN DE BOCETOS Y TRAJES FLAMENCA

Argentinita y Pilar López. Memoria de la danza española

01.07.16 / 21.08.16

Esta exposición constituye una reivindicación y un ejercicio de memoria sobre el importante legado que Argentinita y Pilar López dejaron a la cultura popular española en el campo de la danza y el baile flamenco, tanto en su recuperación como en su renovación.

Desde comienzos del siglo XIX y bajo el impulso del romanticismo, en toda Europa se inició una ardua labor de recuperación de manifestaciones culturales de índole popular, en géneros tan diversos como la poesía, el teatro, el cuento, la canción, la música, el baile… Se perseguía, por un lado, recuperar estas tradiciones populares y por otro darles el prestigio del que hasta entonces habían carecido por ser consideradas marginales respecto a la denominada alta Cultura. En España, esa recuperación de la cultura popular fue más tardía, siendo uno de sus primeros exponentes Antonio Machado Álvarez “Demófilo” con su Colección de cantes flamencos (1881) o su Biblioteca de las tradiciones populares españolas (1883-86). Desde esa misma estela, por todo el país surgieron sociedades de folklore, tanto regionales como locales, especialmente en Cataluña, Andalucía, Galicia, País Vasco y Navarra. Fue todo un movimiento de reivindicación de la cultura popular frente al vaciamiento de la cultura burguesa y urbana.

Ahí es donde se inscribe la labor que, ya en el siglo XX, desplegaron Argentinita y Pilar López a favor de la recuperación del baile popular español y de la creación de la danza española. Para ello contaron con el apoyo de un fuerte grupo de intelectuales, poetas, músicos y artistas plásticos comprometidos con la recuperación de la cultura popular y convencidos de la posibilidad de realizar esa tarea desde la estética de las vanguardias. Era una prueba de cómo lo moderno no tenía por qué estar reñido con lo popular.

Encarnación López “Argentinita” (1897-1945) inició su carrera bien temprano, siendo ya en los años 20 una artista de reconocido prestigio, merced a sus actuaciones por España y América. No obstante, fue a partir de su relación con la Generación del 27 cuando su trayectoria artística alcanzó mayor altura, trabajando en la adaptación de piezas del cancionero popular español junto a Rafael Alberti, Federico García Lorca o Ignacio Sánchez Mejías, entre otros. En esa línea, en 1933 puso en marcha la Compañía de Bailes Españoles, en la que participaron artistas de la talla de Juana La Macarrona, Rafael Ortega, La Malena o Antonio de Triana. Con ellos recorrió toda España en tiempos de la República y, tras la guerra civil, escenarios de todo el mundo: París, Londres, Nueva York, San Francisco, Buenos Aires, Casablanca… Allí llevaron espectáculos destacados como El amor brujo o El Café de Chinitas, donde se podían apreciar su moderna renovación de la coreografía y la escenografía de la danza española.

En este proyecto artístico tuvo también un importante protagonismo su hermana Pilar López (1912-2008), que fue segunda bailarina de la Compañía de Bailes Españoles y recorrió con ella escenarios de todo el mundo. Tras la muerte de la Argentinita, Pilar López refundó la compañía, incorporando artistas como Pastora Imperio, los bailaores José Greco y Manolo Vargas, o el guitarrista Ramón Montoya. Juntos representaron obras como Pepita Jiménez, Capricho español o una nueva versión de El Café de Chinitas, que llevaron por todo el mundo. Pilar López fue así una figura crucial en la consolidación de la danza española y en su necesaria profesionalización. Sin su magisterio sobre figuras como Antonio Gades o Mario Maya, probablemente el destino de la danza española y del baile flamenco hubiese sido bien distinto.

Esta exposición tiene su centro en el maravilloso elenco de trajes originales de Argentinita y Pilar López, que en muchos casos vienen además acompañados por los dibujos de sus diseños. Tales dibujos, obra de artistas como José Caballero, V. Cortezo o Freddy Wittop, dan gran altura a esta exposición, donde los diseños de los trajes se pueden concebir como obra en sí misma. A esta nómina hemos de sumar los dibujos de Vicente Escudero, E. Korda, Juan Lafita, P. Clapera o R. Sanchís Yago, los baúles con los que Argentinita y Pilar López viajaron por el mundo, una interesante selección de cartelería original de la época y varias filmaciones inéditas tanto de Argentinita como de Pilar López.

Fondos: Fundación Argentinita – Pilar López y Colección de José Manuel Presa

Comisarios: María José Sánchez Gago y Miguel Ángel Rivero Gómez

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EXPOSICIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Scarpia. Catorce años de creación contemporánea en El Carpio

14.05.16 / 19.06.16

 

“Scarpia. Catorce años de creación contemporánea en El Carpio”, es el título de la exposición que se inaugura el sábado 14 de mayo en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván.

La exposición se plantea como una revisión documental y de obra que mapea el desarrollo del proyecto Scarpia, referente en la formación de arte público en el ámbito nacional. La muestra, comisariada por el artista y gestor cultural Miguel Ángel Moreno Carretero, revisa los catorce años de vida de este emblemático proyecto de arte contemporáneo que se desarrolla en el municipio cordobés de El Capio, ofreciendo una visión sobre la capacidad de transformación social de un proyecto cultural de arte contemporáneo en el medio rural.

En las distintas ediciones de “Scarpia. Jornadas de intervención en el paisaje natural y urbano”, han participado artistas de reconocido prestigio como Pilar Albarracín, Eugenio Ampudia, Federico Guzmán, David Escalona, Aitor Saraiba, Daniel Canogar, Eduardo D’Acosta, Fernando Sánchez Castillo, Isidro López-Aparicio, Carlos Aires, Albert Gusi, MP & MP Rosado, colectivo Basurama, Boa Mistura o Maider López.

Scarpia se propone como una apuesta por la instalación y la intervención en el lugar específico, generando obras provisionales y no coleccionables, de espíritu anticomercial y experiencial. Por ello, la celebración de una exposición sobre las distintas ediciones de Scarpia supone una contradicción, pero huyendo de un sentido lineal y retrospectivo historiográficamente, las piezas se presentan en el Crucero del Hospital Real transformando el espacio museístico, según la crítica de arte Noelia Centeno, “en una nueva situación dada, espacial y temporalmente, que en un sentido reivindicativo permite activar la recreación de un ambiente intencionado a través de la intervención de sus espacios físicos y simbólicos. Una traslación del espíritu conceptual y del significado vital de las jornadas.”

La documentación de Scarpia es muy extensa, en más de catorce años de andadura, el paso de artistas y su implicación en las jornadas han dejado más de 200 proyectos de intervenciones, más de 50 conferencias y una veintena de talleres de creación contemporánea.

La muestra presenta material documental de proyectos de arte público realizados en El Carpio y piezas de artistas como Mary Peck, Mika Murakami, Verónica Ruth Frías, Cyro García, Fran Pérez Rus, Albert Gusi, Eduardo D’Acosta o Arturo Comas.

 

 

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EXPOSICIÓN DE GRABADOS

Mariangustias Mellado: 30 poetas ante el espejo lorquiano

09.04.16 / 08.05.16

La Pueblade Cazalla, acoge una nueva muestra expositiva: “30 poetas ante el espejo lorquiano”, galería de retratos de:  Elena Martín Vivaldi, Luis Rosales, Julio Alfredo Egea, Rafael Guillén, Rosaura Álvarez,  José Luis Reina Palazón, Carmelo Sánchez Muros, Juan de Loxa, Antonio Carvajal, José Heredia Maya, Rosa María Nadal, Álvaro Salvador, Javier Egea, Ángeles Mora, Antonio Enrique, Julia Olivares, Francisco Vaquero, Manuel Carrasco, Jesús Cabezas Jiménez, Rafael Juárez, Fernando de Villena, Luis García Montero, Francisco Acuyo, José Mª Cotarelo, Juan Peregrina, Fernando Soriano, Juan Carlos Friebe, José Rienda, Mónica Francés y Antonio César Morón.

La exposición reúne los retratos que la artista Mariangustias Mellado ha realizado de estos treinta poetas granadinos o afincados en la ciudad, grabados con la técnica de media tinta al azúcar sobre hierro, que se exponen acompañados de un poema cedido por cada uno de ellos para esta exposición, junto con un texto en prosa, donde todos van contando la huella que los reflejos del espejo lorquiano, ha dejado en  sus respectivas creaciones.

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María Angustias Mellado, estudia pintura desde el año 1997; dibujo y grabado con el que fuera su maestro, Pere Pons en Salobreña, además de litografía en Betanzos. Ha trabajado “monotipo”, con el profesor Miguel Carini y otras  técnicas diferentes en el Centro Internacional de grabado Xalubinia, en Menorca.

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EXPOSICIÓN DE DIBUJOS Y PINTURA

Gema Atoche

27.02.16 / 03.04.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá desde el 27 de febrero una nueva exposición de dibujos y pinturas de Gema Atoche, que lleva por título Transiciones de lo real.

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Diez años después, Gema Atoche (La Puebla de Cazalla, 1984) vuelve al Museo de Arte Contemporáneo de su pueblo. Desde aquellas Divagaciones paisajísticas (título de la exposición de 2006), la obra plástica de la pintora morisca ha viajado por ciudades como Coimbra, Porto o Santiago de Chile, madurando entretanto la confección de un proyecto artístico donde la pintura, el dibujo y el grabado se alían en una búsqueda obsesiva de lo real, de ese fondo vivo que late tras la mentira de la realidad. Ahí se inscribe esta exposición, en una indagación sobre lo real pertrechada desde la constitución matérica de la pintura y desde la inmersión en las formas puras. No hay otra manera de alcanzar lo real, de rasgar las superficies, de penetrar lo insondable. Es el poder de la poesía y es el poder de las artes. Gema Atoche lo sabe y lo ensaya, poniendo para ello en juego sus excepcionales cualidades para el dibujo y el grabado, su irrefrenable tendencia a la abstracción y su don para dotar de espíritu al color. Paisajes, retratos y naturalezas muertas nos guían en ese camino, nos acompañan en esa búsqueda de sentido. Paradójica búsqueda de lo real, sin otra intención que revitalizar el poder transmisor de la imagen y despertar la mirada hacia lo oculto de lo visible.

Visitas

Del 27 de febrero al 3 de abril de 2016

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EXPOSICIÓN DE ESCULTURA

Alegría Castillo y José Antonio Piñero: Perspecta

16.01.16 / 21.02.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 16 de enero al 21 de febero, la exposición Perspecta, nuevo proyecto de Alegría y Piñero.

 

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Alegría Castillo Roses (Córdoba, 1985) y José Antonio Sánchez Piñero (Chiclana de la Frontera, 1975), o lo que es lo mismo Alegría y Piñero, presentan este sábado 16 de enero en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván su nuevo trabajo bajo el título Perspecta.  La pareja artística desarrolla desde el 2009 un único proyecto común basado en la experimentación mediante proce­sos esencialmente escultóricos, con artilugios propios de los ante­cedentes del cine y la fotografía, creando rudimentarios sistemas y mecanismos ópticos que funcionan como medios de producción e interpretación de la imagen.

 

 

En Prueba de fuego, proyecto que comienzan en 2012 y del cual incorporan seis obras en la presente exposición, los artistas sitúan como centro de referencia laobra del siglo XV “La prueba de fuego de la condesa ante el emperador Oton III”. En esta pintura del flamenco Dieric Bouts, la figura central está siendo sometida a una ordalía, manteniendo una barra de hierro candente en la mano sin el menor atisbo de dolor. Su quietud se percibe entonces como acción viva y su hieratismo como gesto contenido. Alegría y Piñero tratan de revelar ese tiempo larvado latente en la representación, desvelando aquello que la imagen se esfuerza en ocultar.

En la presente exposición, Perspecta, los artistas abren el círculo y continúan trazando nuevas perspectivas sobre el cuadro. Cuatro obras inéditas completan el proceso creativo de la serie anterior, atendiendo esta vez a figuras con las que hasta ahora no habían trabajado: la cabeza del conde y  la emperatriz en la hoguera. Cada pieza de la muestra es en sí un ejercicio al que la imagen queda sometida: la figura central del cuadro es vertida hacia dentro, triplicada y deformada hasta esquivar su voluntad erguida; arrodillada y desplegada; su rostro, dibujado 480 veces, pierde su mutismo y encuentra en el margen de error de la repetición su expresión; la cabeza, herramienta y huella, se oculta y proyecta tras el hueco; la silueta de la emperatriz es facetada en círculos que, al perder su centro, desvelan un movimiento oculto en la unidad mínima del gesto, la postura. Su giro vertical se transforma en sinuoso movimiento lateral, girar cíclico, hipnótico, que se despliega en un coro de figuras que duplica y genera un eco de sombras controlado.

Duplicidades, espectros, vacíos revelados que se hacen tangibles a través de rudimentarios artificios ópticos. Artilugios que catalizan, dilatan, fragmentan y centrifugan ese tiempo larvado, extenuando a la imagen hasta revelar lo que los artistas denominan su expresión fantasma.

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2015

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Conjunta: El reflejo es una mirada muy profunda entre una persona

03.12.15 / 10.01.16

El reflejo es una mirada muy profunda entre una persona es la exposición organizada dentro del taller de creación artística impartido por Alegría Castillo a los usuarios/as del Centro Ocupacional.

 

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El 3 de diciembre, con motivo del Día Internacional de las Personas con  Discapacidad, se inaugura en el Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla  la exposición colectiva de las obras realizadas por los/as usuarios/as del Centro Ocupacional, en el “Taller de Creación artística” impartido por  Alegría Castillo.

Es en este contexto, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, donde estas obras se reconocen y encuentran su lugar.

Su presencia en este espacio  abre un diálogo con la colección permanente y el propio discurso de José María Moreno Galván: sus obras cuestionan la misma naturaleza del gesto espontáneo, en ellos/as quedan resueltas las contradicciones del pintor aformalista que “vive formalmente un arte que vitalmente está contra el arte”. “La necesidad sincera de traducirse y testimoniarse mediante una huella del arteles empuja a buscar soluciones creativas propias y a desarrollar un lenguaje personal más allá de lo aprendido. En las obras de los/as usuarios/as, lo expresivo desborda lo formal, su naturalidad, su particular entusiasmo y su capacidad para generar asociaciones libres fuera de una lógica establecida y restrictiva, hace que su obra, en estos primeros pasos,  sea una verdadera liberación.

Paralelamente a la exposición se llevarán a cabo diversas actividades educativas. Los diferentes colectivos de la localidad podrán concertar cita para asistir a las visitas guiadas de la exposición.En el Museo de  Arte Contemporáneo no existen respuestas unívocas, cada interpretación tiene algo de certeza, por ello resulta un contexto muy enriquecedor en el que valorar otras formas de mirar. Serán los propios creadores, usuarios/as del Centro Ocupacional, quienes realicen las visitas y cuenten de primera mano sus experiencias a través del arte. Estas guías serán una gran oportunidad, no sólo para adentrarse en su mundo creativo, sino para acercarse un poco más al esquivo contexto del arte contemporáneo, pues los/as usuarios/as del centro, abiertos a nuevos lenguajes y formas de comunicación que van más allá de la directa y ordinal, son unos guías extraordinarios para introducirnos en este medio.

La mañana del sábado día 12 será especialmente completa, pues, además de la visita guiada, a la que se podrá asistir sin necesidad de concertar cita, tendrá lugar en el Museo una nueva sesión del ciclo  “Conversaciones sobre Arte Contemporáneo”, proyecto que se desarrolla el segundo sábado de cada mes con diversos artistas del panorama contemporáneo más actual. En esta ocasión, Alegría Castillo se encargará de contextualizar el arte realizado en el Centro Ocupacional con otras prácticas, como el  Arte Bruto, que se cristalizan en los márgenes de lo establecido como Arte.

Para los centros escolares se ha generado un proyecto específico llamado “Grandes maestros” en el que, además de las visitas guiadas, los/as usuarios/as impartirán un original taller en las aulas titulado: “Dibuja tu película y cuéntanosla.”  En esta actividad serán los propios usuarios/as quienes enseñen a los/as alumnos/as sus conocimientos y transmitan su entusiasmo en la creación artística, rompiendo límites y barreras al presentarse en el papel de “maestros” de quienes hay mucho que aprender.

En el Aula Abierta de Mayores también se llevará a cabo la conferencia “Experiencias en los márgenes del arte” que se desarrollará en el propio museo.

Para los colectivos de personas con discapacidad también se ha creado una actividad especial. Encuentros “Entre tú y yo” son unas jornadas de convivencia en torno al arte en las que diferentes colectivos de la provincia podrán asistir, además de la visita a la exposición, al taller “la magia del Stop-motion” impartido por  los usuarios/as del Centro Ocupacional de La Puebla de Cazalla en colaboración con la monitora Alegría Castillo.

Visitas

Hasta el 10 de enero de 2016
Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

mail: Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

Juan Diego Asencio Ruiz/ Mercedes Guerrero Sanz / Ana Gómez López / Dolores Hormigo Jiménez / Francisco José Hormigo Torres / Miguel Ángel Hormigo Arcedo/ Elena García Torres / Francisco Gamarro Díaz / Andrés Gallego Cáceres / Dolores Gómez Moreno / Juan Jovacho Muñoz / José Luis Moya Valle / Rubén Montesinos Ramos / Francisco R. Moreno Muñoz / Manuel Márquez Natera / Mª Carmen Bohórquez Ibáñez / Estefanía Ruiz Escamilla / Manuel Verdugo Muñoz / África Bellido Barrera / Felipe Romero Sánchez / Benjamín Pineda Vargas / Marta Miró Macho / Mª Isabel Segura Rosillo / Domingo Reyes Blanco / Jaime García González / Mª Carmen Andrade Ramos / Mercedes Díaz Lobato / Fátima Calderón Álvarez.

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EXPOSICIÓN DE CÓMICS

Exposición Conjunta: El Capitán Trueno y otros colegas

24.10.15 / 22.11.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván recibe una nueva exposición que se podrá visitar desde el 24 de octubre al 22 de noviembre. Tras el éxito de la exposición “Negros de Arena y cal”, el Museo acogerá una exposición sobre el mundo del cómic y uno de sus personajes más emblemáticos: El Capitán Trueno.

Esta muestra se organiza en torno a la figura del principal personaje de este apartado del mundo del cómic en nuestro país: El Capitán Trueno. Un personaje que cuenta con antecedentes en el panorama internacional (El Príncipe Valiente, principalmente) y que, convenientemente adaptado a la realidad española del final de los años de la autarquía, representaba el modelo perfecto de caballero cristiano, entre el ideal artúrico y el héroe de la Reconquista. Con todos los ingredientes básicos del folletín de aventuras clásico, ofrece, no obstante, bajo esa superficie, un componente justiciero que, son entrar en conflicto abierto con la realidad política de la época, se encuentra en el límite de la tolerancia que el régimen establecido puede conceder a un discurso de compromiso social en esos años.

Y junto a ese personaje central y sus camaradas, se ofrece también una amplia selección de otros no tan populares que, en mayor o menor medida, también responden a esas características paradigmáticas.

Se trata de mostrar, así, el panorama de unas publicaciones destinadas, principalmente, al público joven, que, en casi todos los casos, y aunque sin chocar con los valores y principios dominantes, tratan de decir algo más de lo que sería deseable desde el punto de vista de las autoridades, utilizando, para ello el refuerzo a unos principios universales que nadie se atrevería a cuestionar (valor heroísmo, defensa de los débiles, etc.), por más que entren en contradicción la experiencia cotidiana de una sociedad injusta y totalitaria." 

Horario de visitas

Viernes de 18:00 -21:00 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

EXPOSICIÓN PLÁSTICA

Jesús Cosano: Negros de Arena y cal

19.09.15 / 18.10.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge hasta el próximo 18 de octubre “Negros de Arena y cal” una exposición que muestra el trabajo plástico elaborado por el investigador Jesús Cosano alrededor de la presencia, influencia y pervivencia de lo negro africano en la cultura de nuestro país y de otros países del mundo.

Jesús Cosano, (director del proyecto) es uno de los especialistas más apasionantes del estudio de la influencia de la Negritud en nuestra cultura andaluza. Impulsor de los “Encuentros de Son cubano y Flamenco” desde la Fundación Luis Cernuda, que dirigió durante años con una fértil programación, su personalidad de buscador consecuente y su naturaleza de motor de actividades creativas le hacen un elemento básico y necesario en todo este proyecto, tanto por su aportación pasada como por su involucración en el desarrollo de las ideas motrices de este trabajo. Miembro fundador de CEIBA la Fundación de Estudios Afrohispanoamericanos que sirvió de punto de encuentro para los investigadores durante la década de los ´90. Su espíritu inquieto le ha llevado en los últimos tiempos a desarrollar un trabajo gráfico en el que muestra la historia de la negritud hispana desde una óptica personal y llena de encanto, con una serie de cuadros en pequeño formato que pueden conformar una exposición que sería un complemento ideal como actividad paralela de estos días de festival.

Sus piezas visuales pueden formar parte también de proyecciones en pantalla para algunos momentos del espectáculo en vivo, de manera que estarían aún más ligados el perfil gráfico y el narrativo del proyecto, la vertiente lúdica y la histórica.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Patricio Hidalgo: Del trazo al flamenco. Series y Aproximaciones

3.07.15 / 6.09.15

Del Trazo al Flamenco. Series y Aproximaciones se podrá visitar en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván hasta el próximo 6 de septiembre.

El arte me parece sobre todo un estado del alma (Marc Chagall)

En consonancia con esta cita del pintor ruso Marc Chagall, ha afirmado en alguna ocasión Patricio Hidalgo que el flamenco es para ´le un “alimento espiritual”, un alimento, añadimos nosotros, que alcanza forma y expresión en su pintura como pocas veces lo ha hecho a lo largo de la historia del arte. La pintura y el flamenco son, pues, las dos instancias en torno a las cuales transita la búsqueda estética de este artista, que ha logrado insertarse en una tradición iniciada en el romanticismo y que alcanzó sus más altas cotas con las vanguardias y las postvanguardias.

Desde sus comienzos, Patricio Hidalgo (Ibiza, 1979) ha orientado su indagación plástica hacia esta vertebración de flamenco y pintura, partiendo de su pertenencia sanguínea a esa matriz del cante jondo que es La Puebla de Cazalla, e instándose en ella tras un periplo de formación académica que recorrió las universidades de Barcelona, Madrid y Sevilla, donde se licenció en Bellas Artes. No es gratuito el que acabara instalándose allí, sino fruto de su tentativa por adentrarse en el flamenco, por penetrarlo y hacerlo suyo, y por dejarse tomar por él. Solo así ha sido posible que el flamenco alcanzara en su pintura verdadera expresión formal, sin impostura, con verdad, con jondura.

En esta indagación plástica sobre el flamenco, Patricio Hidalgo trabaja con tres elementos fundamentales: la mancha, el grito y el gesto. Su pintura parte de la mancha y de los lugares insospechados adonde esta le conduce. Confía en la mancha, en el poder de la abstracción, en la expresividad de lo matérico. Y tiene claro que el origen de la pintura está ahí, en esa mancha informe que se concreta en el dibujo y pasa del caos a la armonía, pero permaneciendo libre, insobornable a toda las relación de dominio. El proceso del arte, en sus fundamentos, es de lo abstracto a lo concreto, y no al contrario. En este sentido, decía Cézanne que “el pintor concreta, por medio del dibujo y el color, sus sensaciones y sus percepciones”. Pero la forma no llega sola. Exige trabajo, búsqueda, cultivo de la mancha y de su azarosa arbitrariedad. Patricio Hidalgo recorre así el camino que va de la abstracción a lo concreto, de la mancha al dibujo y la figuración, de lo emocional a lo racional, del azar a la medida. Por otra parte, al igual que el origen de la pintura está en la abstracción, el cante jondo deriva del grito. Si todo el lenguaje es grito domesticado y sigue conservando su origen, su grito germinal, su sabor a “tierra” y a “primer llanto”, en el decir de la poeta Paca Aguirre.  Pocos pintores han sabido congelar el grito como Patricio Hidalgo, hacerlo resonar desde el aparente silencio del lienzo o el papel, ponernos en escucha. Finalmente, el gesto: en los tocaores que se funden en una sola figura con sus guitarras; en los cantaores que sacan de sí sus entrañas a través del quejío; en las bailaoras que con sus movimientos abisales detienen el tiempo y su demolición. El gesto es ese “instante hermoso” del que nos hablaba Diderot, el momento preciso en que la acción presenta su máximo de belleza, claridad, expresión. En este trabajo del pintor, que es una anatomía de la expresividad del gesto, son sentimientos, y la rapidez de la ejecución, en la que Patricio Hidalgo es un maestro. Por eso, entre otras razones, el flamenco es un terreno propicio para él, por tratarse de un arte en permanente acción, siempre vivo, conjura contra la muerte. Por eso y porque es un pintor con compás, que ha sido capaz de alcanzar esa extraña mezcla de proporción armónica y agónica expresividad que caracteriza al flamenco; al flamenco cuando duele, el de Talega, el de Fernanda.

La mancha, el grito, el gesto. El vals de las artes desde su origen informe a su sublimación estética, del grito al cante, de la mancha al dibujo, del caos a la belleza y de la belleza al caos, e un “eterno retorno” que nunca se desliga de su origen primitivo. Quizás por eso confiesa Patricio Hidalgo que desde niño buscaba al flamenco. Lo que quizás no sabe ni aún sospecha es que era el flamenco quien lo buscaba a él.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Jorge Cano: Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo

9.05.15 / 21.06.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 9 de mayo al 21 de junio, la exposición de Jorge Cano “Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo”. Este artista madrileño expone una colección de su obra y fotografías que documentan todo el proceso de creación.

Jorge Cano representa en esta exposición su colección de obras pictóricas acompañadas de fotografías del proceso de creación.  “Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo” es un intento de redención de algunos espacios olvidados, urbanos ahora, que tienen al tiempo y al azar como únicos administradores.  En las pinturas de Cano, se percibe el devenir del paso del tiempo, de un tiempo concreto, que no en todas partes envejece de la misma forma.

Trabaja en la abstracción, con un fuerte componente expresivo, y normalmente en grandes formatos. Centra su interés en la pintura como materia y como lenguaje, que juegue con el azar y el tiempo. Esto lo sitúa contra el concepto de forma artística, interpretado como centro de una obsoleta concepción jerárquica del arte.

JORGE CANO (Madrid, 1973)  ha realizado numerosas exposiciones individuales y participado en exposiciones colectivas. En el año 2008 fue uno de los artistas seleccionados en la decimoquinta edición de la "Sala de Exposiciones del Centro de Arte Joven" de la Comunidad de Madrid.

http://www.theartboulevard.org/es/lab/news/post/41016/quiero-entrar-y-no-me-dejan-quiero-salir-y-no-puedo-jorge-cano-o-la-redenci%C3%B3n-de

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"Pelear la pintura"

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Colectivo Mula. Murdo Ortiz y Laura Pintado: Rayos y Retruécanos

14.03.15 / 03.05.15

 

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 14 de marzo al 3 de mayo, la exposición de Murdo Ortiz y Laura Pintado “Rayos y Retruécanos”. El colectivo MULA libera la expresión para trazar un recorrido desde sus respectivos microcosmos a un macrocosmos común.

Murdo Ortiz y Laura Pintado trazan en esta exposición un recorrido desde sus respectivos microcosmos a un macrocosmos común. Con “Rayos y Retruécanos” han logrado hermanar a razón e imaginación desde el sentimiento, como era el sueño de viejo Kant, pero para dinamitar códigos y coyunturas, para liberar de nuevo a la expresión de formalismos carcomizantes y anestésicos. Asumen así la condición problemática del arte, en el sentido que le diera José María Moreno Galván, cuando sostiene que “un arte verdadero es aquel que está hecho con problemas; un arte falso -esto es, académico- el que está montado sobre soluciones.” Cada artista debe reinventar un lenguaje y echarlo a andar. Ese es su compromiso con los otros lenguajes y su misión con quienes no buscan y, pese a ello, encuentran. El colectivo MULA escudriña, tuerce el gesto, grita, sonríe, muerde, escupe, escapa, libera…, ante todo, libera a la expresión, liberando con ello a lo real. En este Museo, que como todos los museos es un cementerio del arte (Unamuno dixit), sus rayos y retruécanos son traídos a la clausura esteticista, a un espacio que no les pertenece, pero que invaden con osadía y legítimo derecho. El hábitat de MULA está más bien en sus intervenciones artísticas sobre los residuos de la desmemoria y el olvido, sobre esas ruinas de nuestro tiempo que logran revivificar con el aliento del color, el claroscuro y lo primitivo. En Murdo Ortiz, los colores son, como para Derain, “cartuchos de dinamita”. En Laura Pintado, el blanco y negro es, como en Saura, un retorno al contraste elemental. Desde ahí, ambos confluyen en su búsqueda de lo primitivo, de esos signos de la infancia del mundo que son su referente lingüístico. Hacen así de la pintura rito y sacrificio, batalla contra la muerte del arte, viaje hacia el origen de la expresión.

MURDO ORTIZ (Osuna -Sevilla-, 1985) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en “Arte: idea y producción” por la Universidad de Sevilla. Trabaja sobre diversas disciplinas y técnicas artísticas, que van desde la pintura y la escultura, a la intervención sobre espacios urbanos y la ilustración para fanzines y revistas. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y participado en exposiciones colectivas en museos, galerías y espacios artísticos de España, Italia y Alemania. Su obra se halla dispersa en colecciones privadas e institucionales, en museos y galerías, y en intervenciones en espacios urbanos y rurales.

LAURA PINTADO (Benavente –Zamora-, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en “Arte: idea y producción” por la Universidad de Sevilla. Su trabajo artístico transita desde la pintura y la intervención al video-arte. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y, entre sus premios, cabe destacar que fue finalista del I Concurso Europeo de Creación Audiovisual CTL 59. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas e institucionales, y se puede apreciar también en varias intervenciones de arte urbano.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

 

Cartel

 

 

Invitación

 

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EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Exhumando fosas, recuperando dignidades

4.01.15 / 15.02.15

Del 16 de enero al 15 de febrero, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la muestra “Exhumando fosas, recuperando dignidades” organizada por la delegación de cultura del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla dentro de las actividades previstas en las II Jornadas de Memoria Histórica de La Puebla de Cazalla.

Mediante esta muestra se da a conocer el trabajo en la exhumación de las fosas comunes de la Guerra Civil española, a través de los paneles que servirá como vehículo para ahondar en la dificultad de las búsquedas de víctimas olvidadas durante ocho décadas.

La exposición se compone de cuatro bloques temáticos: las personas, la fosa, el laboratorio y el homenaje. A través de una serie de lienzos impresos con fotografías de diferentes exhumaciones, la exposición presenta tanto la faceta científica como humana del proceso de exhumación, dedicando "una especial atención a las familias de las personas desaparecidas".

Además, sobre el suelo de la sala se muestra una fotografía de gran formato de la fosa 4 de La Andaya, Burgos, en la que se ven los 29 esqueletos que se encontraron durante la excavación tal y como aparecieron en la fosa, prácticamente a tamaño natural.

La inauguración se realizará el sábado 17 de febrero en el Museo y la misma será presentada por Santiago Fernández.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

2014

EXPOSICIÓN DE CÓMICS

Exposición conjunta: La penúltima imaginación gráfica. Once dibujantes en Sevilla

29.11.14 / 11.01.15

El Museo de Arte Contemporáneo acogerá, del 29 de noviembre al 11 de enero, la muestra “La penúltima imaginación gráfica. Once dibujantes en Sevilla”, concebida como una antología de dibujantes de cómics e ilustradores gráficos, con el común denominador de mantener todos ellos un estrecho vínculo, por origen, residencia o trabajo, con la ciudad de Sevilla.

Cartel Exposición

 

 

Desde la caricatura al dibujo más realista, del humor al drama, del costumbrismo crítico a la pura fantasía, pasando incluso por la sátira política, los trabajos de los autores incluidos en esta muestra, documentan y dan fe de esa calidad y de la variedad del cómic y de la ilustración editorial que hoy se está produciendo en este entorno.

Esta exposición trata de ofrecer al espectador la oportunidad de descubrir a unos artistas y contribuir a una mayor y mejor valoración del propio medio de la historieta. José Luis Ágreda, Pedro Alpera, Miguel Brieva, Diego Galindo, Guillermo. Melilla, Carlos Hernández, Abel Ippólito, Manolo Ortiz, Irene Roga, Cristina Vela, Pablo Velarde, son los autores presentes en La Penúltima Imaginación Gráfica, que trata de ofrecer una foto fija de un medio en continuo cambio.

La exposición, organizada por la delegación Cultura con la colaboración de la Diputación de Sevilla, estará abierta al público en el Museo, del 29 de noviembre al 11 de enero.

EXPOSICIÓN DE ESCULTURA

Carmen Martínez Samper: Espacios de la espera

27.09.14 / 16.11.14

 

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Carmen Martínez Samper nace en Albarracín (Teruel).
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y es profesora en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidad de Zaragoza.Sus inquietudes artísticas e investigadoras toman como referente el hábitat, la arquitectura tradicional y la cultura del medio rural. Con ello genera en escultura espacios para la reflexión y líneas de investigación que inciden, desde una perspectiva marcada por la innovación y la tradición, en aspectos estrechamente unidos al patrimonio cultural y de género para subrayar el frágil equilibrio en un proceso por el que se pretende mantener el patrimonio inmaterial vivo por medio de la actividad artística.

Con Espacios de la Espera nos presenta una muestra de su producción artística con un total de 19 piezas, donde la escultura es protagonista en la sala, donde además podemos localizar una instalación y varias obras fotográficas.

Esta exposición es el resultado de una inquietud constante por dar forma a lo cotidiano, a la espera, a la soledad, a quienes sueñan tras la ventana. En la mayor parte de los casos estos conceptos están ligados al mundo femenino y a la casa como “acogedora” prisión. Se trata, en este caso, de una narrativa destinada a la escultura. Son pedazos de una historia ajada, marcada por la austeridad que nació de las carencias y los rigores de un entorno difícil.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA Y CARTELES

Emilio Sáenz: Mis recuerdos del flamenco

4.07.14 / 31.08.14

 

Cartel Exposición

 

La fotografía de Emilio Sáenz recoge uno de los testimonios más logrados de la cultura popular andaluza y sevillana de la segunda mitad del siglo XX, como podemos apreciar en los catálogos Memoria íntima de Sevilla (1991), Figuras de la pasión (Premio Demófilo, 2003) o L ciudad oculta (2009). Otro de los territorios de su indagación fotográfica ha sido el flamenco, en torno al cual gira la presente exposición, titulada “Mis recuerdos del flamenco. Fotografías y carteles”, y que se exhibió el pasado verano en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, dentro de los actos de la XLVI Reunión de Cante Jondo de La Puebla de Cazalla. En ella, Emilio Sáenz nos muestra su particular visión de los artistas flamencos, dentro y fuera de los escenarios, y parte de sus trabajos de cartelería. El resultado es un viaje que camina hacia esa edad de plata del flamenco que encarnaron Antonio Mairena, Matilde Coral, Fernanda de Utrera, María Soleá, Antonio Núñez "Chocolate", Pepa Montes, José Menese… Un viaje a los adentros del cante jondo, de la guitarra dolorida y el baile desgarrado, para el disfrute de los visitantes y  amantes del arte flamenco.

 

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Antología del Certamen de Poesía Experimental de la Diputación de Badajóz: Poesía Visual

03.05.14 / 22.05.14

 

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Esta exposición, titulada “Poesía Visual”, ha sido posible gracias a la generosidad del Dpto. de Publicaciones de la Diputación Provincial de Badajoz, que desde el año 2002, organiza un Certamen de Poesía Experimental, de referencia en este campo a nivel nacional e internacional. Lo que mostramos aquí es una antología de las diferentes ediciones de ese Certamen, de cara a la cual, hemos procurado que estuviesen tres vertientes centrales de la poesía visual: su dimensión crítica y social, su dimensión metaliteraria o metapoética, y su dimensión estética.

La poesía visual o poesía experimental podemos definirla como una manifestación artística en la que intervienen en relación de interacción diferentes lenguajes: imagen, texto, símbolo, color, volumen, texturas, sonido, música… Desde la manipulación del poeta, los elementos visuales que componen la obra son transfigurados en su significado inicial y dispuestos para alcanzar un sentido poético o artístico. Esa intervención del artista abre un nuevo sentido al objeto en cuestión, jugando con el espectador, estableciendo una conexión para su libre interpretación, en la que  es decisiva la mediación del título de la obra. El poema visual se define así como un lenguaje autónomoy cargado de expresividad simbólica, y que no requiere de espectadores versados en la materia, al ser su mensaje directo. Es una forma de comunicación más espontánea y sin fronteras, donde las relaciones entre arte y vida, cultura y sociedad, desafían a la sociedad de la incomunicación y a ciertas derivas exclusivistas del arte contemporáneo. Ello gracias a que sus miras están puestas en la creatividad original y crítica, en la ruptura con lo gastado y mercantilizado, y en la apertura a lo diverso y lo intercultural.

La poesía visual y experimental responde, en definitiva, a nuestra necesidad vital de comunicación, desde la convicción de que el lenguaje visual es el más universal de los lenguajes, aquel que no precisa traducción. Al fin y al cabo, mirar y ver constituyen también una forma de leer.

Artistas participantes:

Silvia Abarca  / Alejandro Aguilar  / José Alcalde / Mercedes Andréu / Eduardo Barbero / Pablo del Barco / Leire Barrena / Manuel Blanco / Raimon Blu / Manuel Calvarro  / Agustín Calvo Galán / Manuel Castuera / Ramón Castuera / Ión Cía Álvaro / Juana Ciudad / Arturo Comas / Rodolfo Franco / Nieves García Barragán

Beatriz García Cavas / Antonio García Villarán / María Gómez Garrido / J. Luis González Macías / Iñaki González-Oribe  / Fernando de la Heras / Mikel Jáuregui Miguel Jiménez Jiménez / Carlos Jiménez Martínez / Juan López de Ael / Mágoz  / Isabel Mª Méndez Hermoso / Sergio M. Moreno / Pepe Murciego / “Ordisi”/ Antonio Orihuela  / Susana Pereira Fiuza / Salvador Pérez Estors  / Juan Manuel Pérez Pérez

Natalia Ramírez Forminaya  / Juan J. Ruiz Fernández / Angels J. Sagués / María Sánchez Jiménez  / Ángel Sanz Montero / Josep Sou / Cesar Tomé / David Trashumante  / Raúl Valerio Antúnez / Eva Mª Vaz / Paco Vila Guillén.

EXPOSICIÓN DE PINTURA Y ESCULTURA

II Exposición colectiva de artistas de La Puebla de Cazalla

28.02.14 / 20.04.14

Hasta el próximo 20 de abril estará abierto al público, en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galvan, la II exposición colectiva de artistas de La Puebla de Cazalla.  La concejalía de cultura ha organizado esta muestra que se inaugura el 28 de febrero con la participación de los siguientes artistas locales: Gema Atoche, Luis Bermuda, Juan Cabello, Gabriel Cabeza, Manuel de Cruces, Mª José Gómez, Nöel González, Patricio Hidalgo, Álvaro Marín, Rocío Martos, Manolo Núñez, Amaranta Pozo, Juan Ribery, Juan A. Rodríguez del Río y Diego Sánchez Carreño. Para poder visitar la muestra pueden hacerlo viernes de 17:30-20:30 o sábado y domingos en horario de 11:00-14:00 y 17:30-20:30.

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2013

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Hansel Leyva: Sobrevivirse entre ruinas

7.12.13 / 9.02.14

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“Vivir en una Isla tiene sus ventajas. Se acostumbra uno a filtrar la vida que llega en fragmentos muy pequeños desde la distancia. Como marinero varado en tierra, se halla casi siempre el método preciso para sobrevivir a la adversidad, reinventando, reconstruyendo, recontextualizando”.

A partir de aquí el video-artista cubano, Hansel Leyva (Guanabacoa, La Habana -1985-) nos muestra su inquietud, consciente de su tiempo y su realidad,  con el objetivo, según el propio Leyva “de llevar la luz y la gente de su pueblo”  hacia el espectador.  Con  ello busca incansablemente un discurso que pueda ser devuelto y escuchado más allá de sus fronteras. Marcado por su condición de isleño inundado por la escasez, sabiendo definir puntos a seguir en su trayectoria como creador-inventor, abriendo un texto artístico plagado de recursos estéticos y conceptuales ya manipulados, pero que él ha sabido revitalizar. 

Esta es su primera exposición individual como fotógrafo. Sesenta y una fotografías, que vienen acompañadas por la proyección de tres de sus fotoclips y trabajos de videoarte. Son instantáneas en las que la imagen sigue estando vinculada al sonido y al movimiento, adoptando sus obras seriadas el sentido narrativo del género audiovisual.

Así, ante nuestros ojos, transitan cuestiones medulares de este gran hervidero en constante evolución en la serie HORIZONTES, que viene a ser un reflejo bastante explícito de las preocupaciones actuales de la juventud dentro de Cuba; una juventud a la que le pesa el precedente de décadas de euforia colectiva con el proceso revolucionario, y a la que ese proceso revolucionario ya no le pertenece, o al menos no desde la postura de colectividad con que se asumió en los primeros años.

Hoy los esfuerzos y los desvelos responden más a necesidades de orden personal, fermentadas por un factor común, pero que obliga a la búsqueda de soluciones desde la individualidad. En esa misma línea, series más maduras y resueltas como JUMP o ALONE traban una misma conexión de enfoques y perspectivas, con la cubanidad de la juventud cubana sin dejar de latir. Aquí, el enfrentamiento o la reacción desembocan a veces en grito, otras en cólera, rabia, resentimiento, o en el silencio de las sirenas. Desde ambas series, se pone en pie la incomodidad común con algunas normas impuestas desde la subjetividad y a la subjetividad, consecuencia del lento desarrollo de un modelo social heredado, impuesto y reinventado una y otra vez.

Este camino de cuestionamiento se sigue transitando en la serie YO QUIERO CONOCER, inspirada en la famosa canción infantil cubana con el mismo título, y que a través de cavilantes viajeros en barcos de papel prolonga esa reflexión que hoy día acomete buena parte de la juventud cubana. Estamos, pues, ante una constante en la obra de Hansel Leyva, que en la serie QUIEN LLEGÓ PRIMERO vuelve a dar el protagonismo a esa juventud cubana. Como las anteriores series, ésta aparece marcada por la presencia del diálogo reflexivo, pero en este caso interpela a la iconografía cristiana. Estamos aquí ante el sutil y permanente cuestionamiento de Hansel Leyva hacia los símbolos de poder, haciendo suya la mirada de una generación que no teme a sobrevivir y construirse entre las ruinas. Esa suerte de estética de las ruinas determina también la serie ÓXIDO, impregnada una inquietante carga metafórica y de una fuerte dosis de belleza en la que conviven la rigidez mecánica de lo industrial y las formas armónicas del desnudo femenino. Por último, hemos de mencionar en esta exposición esa especie paréntesis que encarna en la serie OLD. Entre el frenetismo y el cuestionamiento núbil, aparecen estas imágenes de personas que en las arrugas de sus muchos años develan la duda de un futuro signado por la incertidumbre. Aparentemente existe un divorcio entre OLD y el resto de las series de Hansel que aquí se exhiben, pero es que esta serie viene a ser la contrapartida o la otra cara del conjunto, dando el argumento necesario para explicar la coexistencia generacional dentro de la Isla de Cuba de jóvenes y viejos. Son estos últimos, los personajes retratados en OLD, los que se han movido entre las diversas épocas de esplendor y vicisitudes. Algunos, mantienen el compromiso ciego y preservan como parte de su identidad el temor no declarado ante las nuevas enunciaciones de libertad. Otros, callan simplemente con la mirada.

Suponemos que Hansel Leyva, el fabulista, narrador, fotógrafo, no permanecerá inerte por mucho tiempo y que pronto nos devolverá sus experiencias, filtradas ahora desde otra luz. El marinero de ojo inquieto ha decidido hacerse a la mar en busca de fragmentos, a seguir la secuencia de otros rastros.

 

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Mujeres en la historia de España en los años treinta y cuarenta: El Sueño Roto

15.11.13 / 1.12.13

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Os presentamos una exposición que busca como primordial objetivo la RECUPERACIÓN DE LA MEMORIA DE LAS MUJERES circunscrita a esa etapa crucial de nuestra historia en la que se sucedieron la II República, la Guerra Civil y los primeros años de la posguerra, para acercarla, principalmente, a nuestra JUVENTUD, con la intención de que se CONOZCA Y SE APRECIE el papel que desempeñado por las mujeres, que tantas veces queda oculto o minusvalorado. El origen del trabajo está en el IES “Antonio de Ulloa” de La Rinconada (Sevilla) y se desarrolló durante varios años en el marco de un amplio proyecto de coeducación llevado a cabo en el IES “Carmen Laffón” de San José de Rinconada.

La exposición se compone de datos informativos sobre la época y sobre las políticas relacionadas con la mujer. Presenta además una galería de mujeres que se destacaron por su papel activo en estas fechas: progresistas y republicanas, las grandes defensoras e impulsoras del sentimiento igualitario, pero también conservadoras e incluso falangistas, algunas de las cuales, dentro de sus cortapisas ideológicas, buscaron hacer reformas que aliviaran las condiciones de vida femeninas. Se prosigue con un apartado titulado VÍCTIMAS DE UN TIEMPO CRUEL, que muestra cómo la violencia recae de forma específica sobre las mujeres haciéndolas víctimas inocentes de crueldades y asesinatos.

La exposición finaliza con el apartado MUJERES ANÓNIMAS, que rastrea nuestra memoria familiar y descubre la historia de tantas mujeres que lucharon y ayudaron a sobrevivir a sus familias en medio de las más duras e injustas circunstancias. En definitiva, El SUEÑO ROTO es un HOMENAJE a esas mujeres que sufrieron, que resistieron y que supieron evolucionar, a cuyo esfuerzo debemos muchas de las libertades que ahora disfrutamos de manera casi inconsciente.

Por último, este trabajo quiere ser también una toma de conciencia sobre la FRAGILIDAD DE LOS DERECHOS Y LAS LIBERTADES, sobre la necesidad de defenderlos porque las conquistas sociales pueden ser reversibles, los mejores sueños pueden romperse.
Este trabajo ha conseguido el PRIMER PREMIO “ROSA REGÁS” (2011) concedido por la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía a materiales destacados en pro de la igualdad de mujeres y hombres en el ámbito educativo no universitario.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Michael Zapke: Panorámicas del Barroco Sevillano

23.09.13 / 23.10.13

 

Esta exposición recoge una serie de panorámicas fotográficas de distintos edificios y monumentos de la provincia de Sevilla pertenecientes al Barroco, que ha puesto a disposición del público Juan Luis Ravé, Catedrático de Historia del Arte.

En ella podían verse fotografías de gran formato en 360 grados de espacios como la iglesia de San Luis de los Franceses de Sevilla, el Convento de la Merced de Osuna, la Hacienda Guzmán de la Rinconada, la iglesia de San Juan Bautista de Marchena o una vista panorámica de Écija, entre otras.

Michael Zapke es uno de los contados profesionales en el mundo que dominan la técnica de la fotografía en 360 grados, de visión circular, que se obtiene con cámaras especiales que giran sobre su eje, recogiendo en una sola película las imágenes de alrededor. Ha realizado fotografías de toda nuestra Comunidad Autónoma con esta técnica, centradas no sólo en el patrimonio histórico y artístico andaluz, sino también en sus paisajes naturales.

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Colectiva: Deconstructing Menese

5.07.13 / 1.09.13

Deconstructing Menese es una continuación de la exposición “José Menese. Medio siglo de compromiso con el flamenco (1963-2013)”, que acogió este mismo museo entre los meses de mayo y junio de este año. Si en aquella exposición se re-construía su trayectoria vital y artística a través de fotografías, discos, carteles, documentos de prensa…, en esta ocasión nuestro objetivo apunta ade-construir la figura mítica de José Menese desde la mirada que sobre él ha proyectado y sigue proyectando el mundo del arte.

El concepto de de-construcción, obra de la corriente filosófica post-estructuralista, consiste en analizar el proceso de edificación de todo concepto o símbolo, pero no con vistas a definirlo o simplificarlo sino con el propósito de abrirlo en su complejidad, en los múltiples sentidos con que se ha ido cargando desde las acumulaciones simbólicas y metafóricas a que los ha arrastrado el curso de su historia. Este modelo de análisis se basa así en la descomposición o de-construcción de la estructura de lenguaje de un concepto o símbolo para desvelar sus diferentes significaciones, la polifonía de sentidos que alberga.

 Partiendo de este modelo, queremos mostrar en esta exposición en qué medida ha sido José Menese fuente de expresión e inspiración para los artistas de su tiempo, tanto en sus comienzos como cantaor, donde convivió con algunas de las más grandes figuras de las vanguardias, como en la actualidad, en la que sigue rabiosamente vivo. Su figura, polémica y mitificada, ha sido capaz de articular en los ojos de los artistas expresiones muy diversas. Ahí reside también parte de su grandeza, además de en su cante sereno y primordial. Deconstructing Menese (de-construyendo a Menese) es un concierto de las escrituras artísticas que, desde discursos interrumpidos e inconexos, le han abordado y le siguen abordando.

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Colección mural de poesía universal: Poesía a pie de calle

13.04.13 / 18.04.13

Desde la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla hemos puesto en marcha la 2ª edición Festival de las Letras, con un programa abierto y dirigido de forma integradora a diferentes sectores y agentes sociales de nuestro pueblo y nuestra comarca. El Festival parte de una apuesta por la cultura entendida como herramienta de crítica, creación y transformación social, y no de su reducción a simple mercancía o producto destinado al espectáculo.  Con esta exposición se trata de poner en acción a la cultura como comunicación, expresión y agitación, operando desde la mediación del goce y la crítica, a través de acciones culturales protagonizadas por artistas y escritores con una clara conciencia de esta dimensión social de la cultura.

El que se centre en el universo de la palabra, tiene mucho que ver con la crisis del lenguaje por la que actualmente está atravesando nuestra sociedad, en la que el empobrecimiento del léxico, la simplificación de la expresión y la desmetaforización del lenguaje son síntomas de un mal que las instituciones deberían preocuparse más por prevenir y curar, dadas sus evidentes repercusiones sociales. Si es el lenguaje nuestra principal herramienta de vínculo social, ¿cómo dejarlo en manos de esta fatídica deriva? A nuestro entender, aquí hay mucho en juego. Es por ello que desde esta Concejalía de Cultura trabajamos por cuidar a la palabra y ponerla en acción, no sólo como instrumento de comunicación sino también de revelación, transformación y construcción de mundos posibles.

De la programación, además de lo ya anticipado, podemos destacar los homenajes que se tributarán a tres figuras ejemplares de las letras españolas, ya fallecidos, como son el crítico de arte José María Moreno Galván, el poeta Julio Vélez y el filólogo y ensayista Agustín García Calvo. Asimismo, en los colegios, en los institutos y en el club de lectura de la Biblioteca Municipal, los alumnos tendrán ocasión de recibir talleres e intercambiar impresiones con autores de prestigio, como Mª Ángeles Maeso, T. S. Norio, Rafael Cobos, Patricio Hidalgo, David Eloy Rodríguez, José Mª Gómez Valero… Por otra parte, como se puede apreciar en la programación, buena parte de las actividades están destinadas a los niños, con cuentacuentos, presentaciones de libros infantiles, adquisición del carné de la biblioteca para los niños de 4 años… En cuanto a las actividades abiertas al público, los recitales de poesía constituyen el centro de la programación, contándose entre los poetas invitados a Mª Ángeles Pérez López, Antonio Gómez, Isabel Escudero, Enrique Falcón y Juan Carlos Mestre (Premio Nacional de Poesía 2009), entre otros.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Lola Rivery: El retrato, un viaje a los adentros

19.01.13 / 17.03.13

Esta exposición exhibe una retrospectiva de la obra fotográfica de Lola Rivery (La Puebla de Cazalla -Sevilla-, 1958); una obra tan sugestiva como peculiar, pues fue realizada en menos de una década, entre finales de los 80 y comienzos de los 90, pero que en un tan reducido periodo de tiempo logró resultados fascinantes. En su extraordinaria intuición radica el arte de Lola Rivery, en esa habilidad del mirar quese tiene o no se tiene, pues hunde sus raíces en la sensibilidad y en lo emocional.

A ello hemos de sumar el padrinazgo de su maestro, Pepe Lamarca, de quien es heredera en un singular modo de retratar más orientado a los adentros que a la apariencia externa; si bien hemos de reivindicar su estilo propio, esa huella invisible que nos hace reconocer a primera vista una foto de Lola Rivery. Esta muestra fotográfica rescata así un trabajo que no podía quedar en el olvido, pues Lola Rivery logró desde sus fotografías ser testigo de su tiempo, no tanto de los acontecimientos y los paisajes, sino más bien de las personas que anónimamente lo protagonizaron y en cuyos fueros internos logró colarse para, desde el instante detenido de la fotografía, sacar afuera todo el caudal de su mundo íntimo. Ahí su virtud, ahí su genio.

Montar esta exposición no ha sido tarea fácil, sobre todo, debido a la dispersión de la obra. Por un lado, había que trabajar sobre una ingente cantidad de negativos, en lo cual, la labor desinteresada de Pepe Lamarca ha sido fundamental, tanto en la selección como en el revelado, porque además era nuestro propósito que esta exposición fuera netamente analógica, y así ha sido. Por otro lado, de buena parte de las fotografías no logramos localizar los negativos, de modo que había que iniciar una exhaustiva búsqueda entre las gentes de La Puebla de Cazalla para recuperarlas, y en esta labor, la dedicación y el buen hacer de Jesús Garrido ha sido también central.

De las paredes de las casas y de cajones olvidados proceden no pocas de las fotografías que aquí se exhiben, y esto podemos interpretarlo como un acercamiento efectivo entre los museos y las casas, el arte y el pueblo, la cultura y la vida.

Finalmente la labor de montaje y discurso del proyecto se ha materializado de manos de María José Sánchez Gago, Historiadora del Arte y Técnico de Cultura de dicho Ayuntamiento.

Rescatar la obra fotográfica de Lola Rivery del silencio artístico en que andaba sumida era una obligación para quienes hemos adquirido un compromiso con la cultura morisca, y dignificarla a la altura que merece es lo menos que podíamos hacer.

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Colectiva: José Menese. Medio siglo de compromiso flamenco (1963-2013)

1.05.12 / 1.06.12

50 años de entrega al arte jondo, rasgando las entrañas de aficionaos y neófitos. 50 años abriendo surcos en la tradición, renovando formas, haciendo cantar al pueblo silenciado. 50 años de cuidados a un arte, como se cuida al árbol a cuya sombra crecimos y cuya savia es ya la nuestra. 50 años llevando el nombre y la raíz jonda de su pueblo, La Puebla de Cazalla, por escenarios, radios, televisiones, revistas y diarios de todo el mundo. 50 años de pasión y pureza en el cante.

José Menese, desde sus inicios en el Gran Café Central alumbrado por el rayo luminoso de Francisco Moreno Galván, ha labrado en estas cinco décadas una trayectoria profesional y artística excepcional, que marca un hito decisivo en la historia del flamenco. Su legado, una extensa discografía en la que ha registrado prácticamente todos los estilos del cante, e inolvidables actuaciones en teatros, auditorios, festivales, congresos, jornadas y seminarios flamencos de todo el mundo.

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