La Concejalía de Cultura pone a tu disposición diferentes exposiciones en el Museo de arte Contemporáneo José María Moreno Galván. Siempre hay una exposición, proyección y encuentros entre artistas, autores y público en nuestro Museo más contemporáneo.

Siguiendo con la dinámica de divulgar y dar a conocer el arte contemporáneo e últimas vanguardias, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván cuenta con un magnífico espacio en su primera planta destinado a albergar exposiciones de carácter temporal.

Dado que en los último años, el campo de la fotografía ha revivido un mayor auge, ya sea por ferias como Paris Photo que se ha convertido en uno de los líderes mundiales en las ferias de fotografía al proclamarse como un evento que ofrece una visión en el arte de la fotografía desde sus inicios hasta el día de hoy, y presenta un resumen orientado hacia el futuro sobre de las tendencias mundiales y las formas disponibles de expresión en este medio. O  bien desde un ámbito más autonómico con la creación de Museos o Centros de arte especializados como ocurre con el Centro Andaluz de la Fotografía situado en Almería.  Conforme a la planificación expositiva del 2013 del Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván queríamos plantear una producción especialmente dedicada a ella. De esta manera, gran parte de las exposiciones planteadas el pasado año, fueran o no de producción propia,  el mundo de la fotografía estuve especialmente presente.

Pasamos a continuación al estudio de cada una de ellas:

 

2017

EXPOSICIÓN DE ESCULTURAS

Carlos Montaño. El conflicto del objeto o la memoria de Dios

20.10.17 / 19.11.17

El Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla acoge del 20 de octubre al 19 de noviembre la exposición que compila siete años de trabajo del artista.

Se trata de una exposición a partir de una reflexión sobre la esencia del dibujo y la figura del dibujante. Por una parte, integran la muestra un conjunto de 14 esculturas en bronce y escayola, realizadas en los últimos años, acompañadas de una selección de 30 monotipos, en los que se combinan diversas técnicas: grabado calcográfico, grafito y tintas y acuarelas.

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Por otra y como núcleo central de la muestra, se exponen los trabajos más recientes de Montaño. Se trata de una gran escultura, 'El dibujante', tallada en madera de tilo, que, junto a otras piezas de menor tamaño y una serie de dibujos de pequeño formato, constituyen el reflejo de la idea principal de la que surge la muestra: la reflexión sobre la esencia del dibujo y, por lo tanto, sobre la creación artística.

Facsimil La exposición será visitable viernes, sábado, domingo y festivos en horario de 11.00 a 14.00 horas y de 17.30 a 20.30 horas. Asimismo, pueden concertarse visitas guiadas previa cita.

El Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván”

Fundado en 1995 a iniciativa del crítico de arte contemporáneo que le da nombre, acogiendo en sus inicios exposiciones itinerantes y obra permanente de artistas reconocidos, como Picasso, Miró, Tàpies o Lucio Muñoz. Actualmente se encuentra ubicado en uno de los edificios históricos de La Puebla de Cazalla, un antiguo Pósito datado en el siglo XVI.

Catálogo

El diseño expositivo del Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” está estructurado conforme a las tres plantas que lo componen. La planta baja está destinada exclusivamente a exposiciones temporales en diferentes formatos y soportes. La primera planta alberga la mayor parte de la colección permanente del Museo, que incluye obras de artistas nacionales e internacionales de la vanguardia y la postvanguardia, si bien con una mayor presencia de artistas del territorio andaluz. Tienen cabida en ella distintas corrientes y tendencias como el cubismo (Pablo Picasso), el surrealismo (Joan Miró, Roberto Matta), el arte abstracto (José Guerrero, Jaime Burguillos, Joaquín Meana, Juan Suárez), el informalismo (Antoni Tàpies, Manuel Millares, José Guinovart, Lucio Muñoz, Ignacio Iraola, Joan Vila-Grau), la abstracción geométrica (Ignacio Tovar, José María Báez, Ricardo Cadenas, José Ramón Sierra), la nueva figuración (Cristino de Vera, Antonio Rodríguez Valdivieso, Pascual de Lara, Jiri Dokoupil, Carmen Laffón, Joaquín Sáenz, Félix de Cárdenas, Curro González) o el arte conceptual (Diego Santos, Rogelio López Cuenca, Rodríguez Silva). Completan esta planta diversas piezas escultóricas de Jorge Oteiza, Eduardo Carretero, Rolando Campos y Alegría y Piñero. Finalmente, las dos torres de la segunda planta están dedicadas a Francisco Moreno Galván, en una sala que incluye pintura, dibujo, cartelería flamenca y letras, y a Diego Ruiz Cortés, con una muestra de su evolución desde la pintura figurativa a la pintura geométrica.

EXPOSICIÓN DE ILUSTRACIONES

Seisdedos. Flamencografías

30.06.17 / 27.08.17

Del 30 de junio al 27 de agosto, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, acoge la muestra “Flamencografías” del ilustrador Seisdedos. Como cada año, durante la Reunión de cante jondo se abre una muestra relacionada con el mundo flamenco y, en esta edición serán estas ilustraciones las encargadas de ofrecer una investigación sobre el arte flamenco.

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El autor de estas ilustraciones es Seisdedos (Álvaro García). Nacido en Lorca en 1979, ha colaborado en calidad de ilustrador y articulista con diferentes editoriales y medios de comunicación, tanto impresos como digitales. Su trabajo combina la denuncia social con el surrealismo, la ironía y las referencias a la cultura de masas. Considera que su estilo gráfico está influido tanto por el universo del cómic como por el fotoperiodismo, sin perder nunca de vista a grandes pintores como Goya, uno de sus principales referentes.

Los trabajos expuestos forman parte de su proyecto Flamencografías, que él define como “una investigación sobre el arte flamenco, realizada a través del dibujo y la ilustración”. Seisdedos intenta desmontar tópicos o bien jugar con ellos, para reflejar aquellas singularidades del flamenco y de la sociedad andaluza que suelen escapar a las representaciones habituales. Más información: www.seisdedos.org

 

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Francisco Guardado. Pastores

02.06.17.12.16 / 24.06.17

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván expondrá desde el viernes 2 de junio hasta el 25 la exposición de fotografías de Francisco Guardado “Pastores”.

Una exposición fotográfica de formatos 60×80 cm y 35×40 cm con escenas y retratos de los cabreros y pastores de la comarca de Morón de la Frontera, desde la mirada del objetivo del autor moronense Francisco Guardado Lucas.

La muestra podrá verse en el Museo hasta el 25 de junio en el siguiente horario: Viernes de 18:00 a 21:00 horas, sábados y domingos de 11:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 21:00. Martes con cita previa de 11:00 a 14:00 horas.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Daniel Franca. Entropía

22.04.17.12.16 / 14.05.17

 

INFORMACIÓN

 

Daniel Franca expone “Entropía” en el Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” de La Puebla de Cazalla. La muestra se encontrará abierta al público del 22 de abril 14 de mayo donde se podrán contemplar 17 pinturas sobre el viaje del pintor a través de India.

El próximo día 22 de abril, a las 13.00 horas, se presentará la exposición “Entropía”, del artista sevillano Daniel Franca, una muestra de su visión de la India después de un viaje de tres meses durante 2016. El Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla, de titularidad municipal, acoge en sus salas una colección que repasa ciudades como New Delhi, Jaipur, Mumbai, Varanasi o Púshkar en las que el pintor refleja su experiencia en el segundo país más poblado del mundo.

Gracias al acuerdo alcanzado con el Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” y el Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla, un total de 17 piezas de diferentes formatos donde el artista sevillano recoge el efecto de que «algo se te rompe en la cabeza cuando aterrizas en ese maravilloso y loco planeta», planteando un recorrido a través de la India, un país lleno de contrastes, diferentes paisajes y ciudades que tienen como hilo de conexión el agua y el hormigón, elementos muy preciados para la vida.

La exposición de Daniel Franca se completa con un cuidado catálogo editado por la arquitecta Reyes Lara que recoge, además de las pinturas de la exposición, las colaboraciones del escritor Francisco José Chamorro, la abogada Amparo Navarro, la investigadora Susana Fernández y el artista Rubén Martín de Lucas.

La exposición será visitable en horario de martes a jueves, de 11.00 a 14.00 horas, viernes de 17.30 a 20.30, sábado, domingo y festivos en horario de 11.00 a 14.00 horas y de 17.30 a 20.30 horas. Asimismo, pueden concertarse visitas guiadas previa cita.

 

CARTEL

 

Franca, un joven artista en crecimiento

Daniel Franca (1985) nació en Sevilla y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Hispalense. Desde entonces, su carrera siempre ha estado en constante crecimiento: estancias en la República Checa y en Alemania, una residencia en California (Estados Unidos), pensionado del Palacio del Quintanar y su paso por la Fundación Antonio Gala lo han forjado como uno de los artistas contemporáneo más destacados de Andalucía.

Fue primer premio de pintura del Ateneo de Sevilla, un destacado reconocimiento que se une a otros muchos y a sus colecciones individuales. “Entropía” es la tercera en solitario, sucediendo a “La Ciudad” en 2015 y “Lost Light” en 2013. A la larga lista de reconocimientos y galardones se une la preselección de su obra en el prestigioso concurso que organiza la National Portrait Gallery de Londrés y patrocinado por la compañía British Petroleum (BP). Franca fue seleccionado el pasado mes de febrero entre más de 2.600 participantes.

El Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván”

Fundado en 1995 a iniciativa del crítico de arte contemporáneo que le da nombre, acogiendo en sus inicios exposiciones itinerantes y obra permanente de artistas reconocidos, como Picasso, Miró, Tàpies o Lucio Muñoz. Actualmente se encuentra ubicado en uno de los edificios históricos de La Puebla de Cazalla, un antiguo Pósito datado en el siglo XVI.

El diseño expositivo del Museo de Arte Contemporáneo “José María Moreno Galván” está estructurado conforme a las tres plantas que lo componen. La planta baja está destinada exclusivamente a exposiciones temporales en diferentes formatos y soportes. La primera planta alberga la mayor parte de la colección permanente del Museo, que incluye obras de artistas nacionales e internacionales de la vanguardia y la postvanguardia, si bien con una mayor presencia de artistas del territorio andaluz. Tienen cabida en ella distintas corrientes y tendencias como el cubismo (Pablo Picasso), el surrealismo (Joan Miró, Roberto Matta), el arte abstracto (José Guerrero, Jaime Burguillos, Joaquín Meana, Juan Suárez), el informalismo (Antoni Tàpies, Manuel Millares, José Guinovart, Lucio Muñoz, Ignacio Iraola, Joan Vila-Grau), la abstracción geométrica (Ignacio Tovar, José María Báez, Ricardo Cadenas, José Ramón Sierra), la nueva figuración (Cristino de Vera, Antonio Rodríguez Valdivieso, Pascual de Lara, Jiri Dokoupil, Carmen Laffón, Joaquín Sáenz, Félix de Cárdenas, Curro González) o el arte conceptual (Diego Santos, Rogelio López Cuenca, Rodríguez Silva). Completan esta planta diversas piezas escultóricas de Jorge Oteiza, Eduardo Carretero, Rolando Campos y Alegría y Piñero. Finalmente, las dos torres de la segunda planta están dedicadas a Francisco Moreno Galván, en una sala que incluye pintura, dibujo, cartelería flamenca y letras, y a Diego Ruiz Cortés, con una muestra de su evolución desde la pintura figurativa a la pintura geométrica.

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Gabriel, Paco y Miguel Cabeza. 3 Cabezas 3

20.01.17.12.16 / 28.02.17

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge, del 21 de enero al 28 de febrero, la exposición de pintura “3 Cabezas 3” de Paco, Gabriel y Miguel Cabezas.

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Prolongando el símil que da título a la exposición, el coso taurino es el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, cuya nueva temporada arranca con tres maestros en el arte de la lidia del color y de las formas: Paco Cabeza, Gabriel Cabeza y Miguel Cabeza. A la sazón, sobrinos (los dos primeros) y sobrino-nieto (el tercero) de quien da nombre al Museo. Paradojas de la vida. O no. ¿Por qué fiar a las casualidades? José María y Francisco Moreno Galván alentaron en su tiempo una fe en el poder de las artes plásticas que aún hoy sigue viva, tanto en su pueblo, como en su mismo linaje. Y esta exposición es buena muestra de ello. Atiendo a estos matices por contextualizar en su intrahistoria íntima y plástica a los tres artistas convocados y porque los referentes en unos y otros apenas varían: Picasso, Miró, Tàpies, el informalismo, Zurbarán, Zuloaga… De todo eso encontramos aquí destellos: en el predominio de la expresión sobre la forma; en la liberación del color de sus ataduras; en la simbología entre lo ibérico y lo jondo; en la hegemonía de lo matérico sobre lo conceptual; en la descomposición armónica de las formas; en sus invocaciones de rebeldía frente a una sociedad sumisa. Y es que, como dijo José María Moreno Galván, “todo el arte contemporáneo se realiza bajo el imperativo de la rebelión.”

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2016

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA Y DIBUJO

Patricio Cabrera. Aqui hay Dragones

17.12.16 / 15.01.17

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"Aquí hay dragones" es una retrospectiva que recoge la pintura y los dibujos, desde 1985 hasta 2015, del artista de Gines, Patricio Cabrera, uno de los más interesantes surgidos en los años ochenta en Sevilla, que cuenta con una trayectoria ampliamente reconocida.

Cabrera (Gines, Sevilla, 1958) es una de las más interesantes figuras artísticas del panorama actual español de las artes plásticas, con obras en los museos y colecciones más importantes del país, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Bancaria La Caixa, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, o Fundación Coca-Cola, entre otros. Precisamente, La Fundación La Caixa y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, además de numerosos coleccionistas particulares, han prestado obras para esta exposición, la más importante, al menos hasta el momento, en número de obras (más de 40 cuadros y numerosos dibujos), que se le dedica al artista.

Además dentro del acto de inauguración también comenzarán las conversaciones sobre arte contemporáneo donde Cabrera hablará de su obra.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Alumnos de Manuel de Cruces. La Puebla Pinta

25.11.16 / 11.12.16

La Puebla Pinta

El próximo viernes 25 de noviembre a las 20h tendrá lugar la inauguración de la exposición "La Puebla pinta" de alumnos del taller de arte de Manuel de Cruces. Será en el Museo de arte Contemporáneo José Mª Moreno Galván.

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En la misma, los artistas del taller de Manuel de Cruces exponen su visión de La Puebla desde el ojo crítico del pintor. La muestra se podrá visitar hasta el 11 de diciembre en el Museo.

 

Visitas

Hasta el 11 de diciembre de 2016

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h.

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Jorge Gallego. Final y Princiio

23.09.16 / 30.10.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 23 de septiembre al 30 de octubre la exposición Final y Principio de Jorge Gallego. La inauguración de la muestra -con la presencia del artista- se celebrará el viernes a las 20:30 en el Museo.

n tiempos de espectáculo y artificio, cuando el humo de los fuegos nos ciega, se convierte en necesidad volver la mirada a lo trivial y lo cotidiano, a lo aparentemente carente de prestigio. Ahí se inscribe por ejemplo la poesía de Mª Ángeles Pérez López, cuyo canto a lo doméstico  recogido en su obra La sola materia (1998) atiende al “pálpito inicial de los objetos”. Como esa poesía, la pintura de Jorge Gallego (Montellano -Sevilla-, 1980) no acude a otros mundos para surtirse de realidad y buscar sentido, sino que hunde su mirada en lo próximo y lo insignificante. Explora las cosas y la materia como verdadero cuerpo del mundo, para desde ahí indagar en el fundamento de lo que nos rodea y que da sentido a nuestra existencia.

Es lógico que con esos propósitos, Jorge Gallego cultive una pintura basada en la figuración realista, que bien podríamos situar entre Antonio López y Edward Hopper. En el pintor español, por esa adhesión a la realidad y a la carga simbólica que lo real mantiene en silencio. En el norteamericano, por el sentido poético y el inquietante misterio que impregna a sus escenas urbanas. Todas esas cualidades son manifiestas en la pintura de Jorge Gallego, tanto en los paisajes rurales de sus primeras obras, como en la tendencia a la soledad de lo urbano de sus obras más recientes. Ambas vertientes se pueden contemplar en esta exposición. El vértigo de los anchos campos de Montellano; las dicotomías entre luz y oscuridad de ciudades anónimas; la belleza intangible de las ruinas abandonadas de la modernidad; amplios cielos cargados de sentido metafísico; decadencia y esperanza.

 En este sentido, la obra plástica de Jorge Gallego se sustenta en una concepción del arte como testimonio, que coincide con un postulado central de la estética de José María Moreno Galván. En su obra Pintura española. La última vanguardia (1969), nos ofrecía el crítico morisco la siguiente definición: “El arte es, pues, […] un testimonio significativo y sintético de la realidad del hombre en su tiempo y en su circunstancia histórica. Es además una expresión de la realidad colectiva, aun cuando su materialización sea producto de una labor individual.” Ahí se inscribe, como decíamos, el proyecto artístico de Jorge Gallego, hijo del mismo paisaje entre la campiña y la sierra que el citado crítico. No en vano, el propio artista afirma situar su búsqueda plástica entre “el ser, lo individual y lo colectivo”. De ahí que el crítico de arte Tomás Paredes haya destacado de su pintura su “vocación de identificación”, es decir, su capacidad para testimoniar “la condición humana”.

 Es preciso destacar asimismo los valores plásticos de su pintura. La esmerada composición del lienzo, con un prodigioso juego de los espacios y el vacío en tensión. El poder de comunicación de la presencia más allá de la representación. El sosegado contraste entre la luz y la sombra, cultivado con sabia dosificación y privilegiando siempre el tenue cromatismo de la luz solar. Y como un rara avis, el predominio de la pintura sobre el dibujo, pese a trabajar la figuración realista, donde usualmente se procede a la inversa. Quizás esté ahí una de las claves de la pintura de Jorge Gallego, el motivo por el cual sus cuadros nos atraen y nos inquietan, en esa extraña sinergia entre la gravidez formal de sus composiciones y el misterio poético con que aborda sus escenas y que imprime a los objetos. Decía José María Moreno Galván que el arte auténtico se monta sobre problemas, no sobre soluciones. Y las secuelas que nos deja el contemplar una obra de Jorge Gallego son precisamente los interrogantes que calladamente nos transmite, sea la desolación del abandono y el olvido, sea la belleza de lo insignificante que nos rodea, sea la esperanza de lo aún por pintar y por decir.

Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, en la especialidad de Pintura, Gallego terminado el período de docencia con el programa de Doctorado “Pintura y Conservación-Restauración” en el Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla en el año 2007.

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Hasta La Puebla recalará con "Final y Principio".

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CARTEL INFORMATIVO

 

EXPOSICIÓN DE BOCETOS Y TRAJES FLAMENCA

Argentinita y Pilar López. Memoria de la danza española

01.07.16 / 21.08.16

Esta exposición constituye una reivindicación y un ejercicio de memoria sobre el importante legado que Argentinita y Pilar López dejaron a la cultura popular española en el campo de la danza y el baile flamenco, tanto en su recuperación como en su renovación.

Desde comienzos del siglo XIX y bajo el impulso del romanticismo, en toda Europa se inició una ardua labor de recuperación de manifestaciones culturales de índole popular, en géneros tan diversos como la poesía, el teatro, el cuento, la canción, la música, el baile… Se perseguía, por un lado, recuperar estas tradiciones populares y por otro darles el prestigio del que hasta entonces habían carecido por ser consideradas marginales respecto a la denominada alta Cultura. En España, esa recuperación de la cultura popular fue más tardía, siendo uno de sus primeros exponentes Antonio Machado Álvarez “Demófilo” con su Colección de cantes flamencos (1881) o su Biblioteca de las tradiciones populares españolas (1883-86). Desde esa misma estela, por todo el país surgieron sociedades de folklore, tanto regionales como locales, especialmente en Cataluña, Andalucía, Galicia, País Vasco y Navarra. Fue todo un movimiento de reivindicación de la cultura popular frente al vaciamiento de la cultura burguesa y urbana.

Ahí es donde se inscribe la labor que, ya en el siglo XX, desplegaron Argentinita y Pilar López a favor de la recuperación del baile popular español y de la creación de la danza española. Para ello contaron con el apoyo de un fuerte grupo de intelectuales, poetas, músicos y artistas plásticos comprometidos con la recuperación de la cultura popular y convencidos de la posibilidad de realizar esa tarea desde la estética de las vanguardias. Era una prueba de cómo lo moderno no tenía por qué estar reñido con lo popular.

Encarnación López “Argentinita” (1897-1945) inició su carrera bien temprano, siendo ya en los años 20 una artista de reconocido prestigio, merced a sus actuaciones por España y América. No obstante, fue a partir de su relación con la Generación del 27 cuando su trayectoria artística alcanzó mayor altura, trabajando en la adaptación de piezas del cancionero popular español junto a Rafael Alberti, Federico García Lorca o Ignacio Sánchez Mejías, entre otros. En esa línea, en 1933 puso en marcha la Compañía de Bailes Españoles, en la que participaron artistas de la talla de Juana La Macarrona, Rafael Ortega, La Malena o Antonio de Triana. Con ellos recorrió toda España en tiempos de la República y, tras la guerra civil, escenarios de todo el mundo: París, Londres, Nueva York, San Francisco, Buenos Aires, Casablanca… Allí llevaron espectáculos destacados como El amor brujo o El Café de Chinitas, donde se podían apreciar su moderna renovación de la coreografía y la escenografía de la danza española.

En este proyecto artístico tuvo también un importante protagonismo su hermana Pilar López (1912-2008), que fue segunda bailarina de la Compañía de Bailes Españoles y recorrió con ella escenarios de todo el mundo. Tras la muerte de la Argentinita, Pilar López refundó la compañía, incorporando artistas como Pastora Imperio, los bailaores José Greco y Manolo Vargas, o el guitarrista Ramón Montoya. Juntos representaron obras como Pepita Jiménez, Capricho español o una nueva versión de El Café de Chinitas, que llevaron por todo el mundo. Pilar López fue así una figura crucial en la consolidación de la danza española y en su necesaria profesionalización. Sin su magisterio sobre figuras como Antonio Gades o Mario Maya, probablemente el destino de la danza española y del baile flamenco hubiese sido bien distinto.

Esta exposición tiene su centro en el maravilloso elenco de trajes originales de Argentinita y Pilar López, que en muchos casos vienen además acompañados por los dibujos de sus diseños. Tales dibujos, obra de artistas como José Caballero, V. Cortezo o Freddy Wittop, dan gran altura a esta exposición, donde los diseños de los trajes se pueden concebir como obra en sí misma. A esta nómina hemos de sumar los dibujos de Vicente Escudero, E. Korda, Juan Lafita, P. Clapera o R. Sanchís Yago, los baúles con los que Argentinita y Pilar López viajaron por el mundo, una interesante selección de cartelería original de la época y varias filmaciones inéditas tanto de Argentinita como de Pilar López.

Fondos: Fundación Argentinita – Pilar López y Colección de José Manuel Presa

Comisarios: María José Sánchez Gago y Miguel Ángel Rivero Gómez

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EXPOSICIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Scarpia. Catorce años de creación contemporánea en El Carpio

14.05.16 / 19.06.16

 

“Scarpia. Catorce años de creación contemporánea en El Carpio”, es el título de la exposición que se inaugura el sábado 14 de mayo en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván.

La exposición se plantea como una revisión documental y de obra que mapea el desarrollo del proyecto Scarpia, referente en la formación de arte público en el ámbito nacional. La muestra, comisariada por el artista y gestor cultural Miguel Ángel Moreno Carretero, revisa los catorce años de vida de este emblemático proyecto de arte contemporáneo que se desarrolla en el municipio cordobés de El Capio, ofreciendo una visión sobre la capacidad de transformación social de un proyecto cultural de arte contemporáneo en el medio rural.

En las distintas ediciones de “Scarpia. Jornadas de intervención en el paisaje natural y urbano”, han participado artistas de reconocido prestigio como Pilar Albarracín, Eugenio Ampudia, Federico Guzmán, David Escalona, Aitor Saraiba, Daniel Canogar, Eduardo D’Acosta, Fernando Sánchez Castillo, Isidro López-Aparicio, Carlos Aires, Albert Gusi, MP & MP Rosado, colectivo Basurama, Boa Mistura o Maider López.

Scarpia se propone como una apuesta por la instalación y la intervención en el lugar específico, generando obras provisionales y no coleccionables, de espíritu anticomercial y experiencial. Por ello, la celebración de una exposición sobre las distintas ediciones de Scarpia supone una contradicción, pero huyendo de un sentido lineal y retrospectivo historiográficamente, las piezas se presentan en el Crucero del Hospital Real transformando el espacio museístico, según la crítica de arte Noelia Centeno, “en una nueva situación dada, espacial y temporalmente, que en un sentido reivindicativo permite activar la recreación de un ambiente intencionado a través de la intervención de sus espacios físicos y simbólicos. Una traslación del espíritu conceptual y del significado vital de las jornadas.”

La documentación de Scarpia es muy extensa, en más de catorce años de andadura, el paso de artistas y su implicación en las jornadas han dejado más de 200 proyectos de intervenciones, más de 50 conferencias y una veintena de talleres de creación contemporánea.

La muestra presenta material documental de proyectos de arte público realizados en El Carpio y piezas de artistas como Mary Peck, Mika Murakami, Verónica Ruth Frías, Cyro García, Fran Pérez Rus, Albert Gusi, Eduardo D’Acosta o Arturo Comas.

 

 

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EXPOSICIÓN DE GRABADOS

Mariangustias Mellado: 30 poetas ante el espejo lorquiano

09.04.16 / 08.05.16

La Pueblade Cazalla, acoge una nueva muestra expositiva: “30 poetas ante el espejo lorquiano”, galería de retratos de:  Elena Martín Vivaldi, Luis Rosales, Julio Alfredo Egea, Rafael Guillén, Rosaura Álvarez,  José Luis Reina Palazón, Carmelo Sánchez Muros, Juan de Loxa, Antonio Carvajal, José Heredia Maya, Rosa María Nadal, Álvaro Salvador, Javier Egea, Ángeles Mora, Antonio Enrique, Julia Olivares, Francisco Vaquero, Manuel Carrasco, Jesús Cabezas Jiménez, Rafael Juárez, Fernando de Villena, Luis García Montero, Francisco Acuyo, José Mª Cotarelo, Juan Peregrina, Fernando Soriano, Juan Carlos Friebe, José Rienda, Mónica Francés y Antonio César Morón.

La exposición reúne los retratos que la artista Mariangustias Mellado ha realizado de estos treinta poetas granadinos o afincados en la ciudad, grabados con la técnica de media tinta al azúcar sobre hierro, que se exponen acompañados de un poema cedido por cada uno de ellos para esta exposición, junto con un texto en prosa, donde todos van contando la huella que los reflejos del espejo lorquiano, ha dejado en  sus respectivas creaciones.

Cartel

 

María Angustias Mellado, estudia pintura desde el año 1997; dibujo y grabado con el que fuera su maestro, Pere Pons en Salobreña, además de litografía en Betanzos. Ha trabajado “monotipo”, con el profesor Miguel Carini y otras  técnicas diferentes en el Centro Internacional de grabado Xalubinia, en Menorca.

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EXPOSICIÓN DE DIBUJOS Y PINTURA

Gema Atoche

27.02.16 / 03.04.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá desde el 27 de febrero una nueva exposición de dibujos y pinturas de Gema Atoche, que lleva por título Transiciones de lo real.

CARTEL INFORMATIVO

Diez años después, Gema Atoche (La Puebla de Cazalla, 1984) vuelve al Museo de Arte Contemporáneo de su pueblo. Desde aquellas Divagaciones paisajísticas (título de la exposición de 2006), la obra plástica de la pintora morisca ha viajado por ciudades como Coimbra, Porto o Santiago de Chile, madurando entretanto la confección de un proyecto artístico donde la pintura, el dibujo y el grabado se alían en una búsqueda obsesiva de lo real, de ese fondo vivo que late tras la mentira de la realidad. Ahí se inscribe esta exposición, en una indagación sobre lo real pertrechada desde la constitución matérica de la pintura y desde la inmersión en las formas puras. No hay otra manera de alcanzar lo real, de rasgar las superficies, de penetrar lo insondable. Es el poder de la poesía y es el poder de las artes. Gema Atoche lo sabe y lo ensaya, poniendo para ello en juego sus excepcionales cualidades para el dibujo y el grabado, su irrefrenable tendencia a la abstracción y su don para dotar de espíritu al color. Paisajes, retratos y naturalezas muertas nos guían en ese camino, nos acompañan en esa búsqueda de sentido. Paradójica búsqueda de lo real, sin otra intención que revitalizar el poder transmisor de la imagen y despertar la mirada hacia lo oculto de lo visible.

Visitas

Del 27 de febrero al 3 de abril de 2016

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EXPOSICIÓN DE ESCULTURA

Alegría Castillo y José Antonio Piñero: Perspecta

16.01.16 / 21.02.16

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 16 de enero al 21 de febero, la exposición Perspecta, nuevo proyecto de Alegría y Piñero.

 

CARTEL INFORMATIVO

Alegría Castillo Roses (Córdoba, 1985) y José Antonio Sánchez Piñero (Chiclana de la Frontera, 1975), o lo que es lo mismo Alegría y Piñero, presentan este sábado 16 de enero en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván su nuevo trabajo bajo el título Perspecta.  La pareja artística desarrolla desde el 2009 un único proyecto común basado en la experimentación mediante proce­sos esencialmente escultóricos, con artilugios propios de los ante­cedentes del cine y la fotografía, creando rudimentarios sistemas y mecanismos ópticos que funcionan como medios de producción e interpretación de la imagen.

 

 

En Prueba de fuego, proyecto que comienzan en 2012 y del cual incorporan seis obras en la presente exposición, los artistas sitúan como centro de referencia laobra del siglo XV “La prueba de fuego de la condesa ante el emperador Oton III”. En esta pintura del flamenco Dieric Bouts, la figura central está siendo sometida a una ordalía, manteniendo una barra de hierro candente en la mano sin el menor atisbo de dolor. Su quietud se percibe entonces como acción viva y su hieratismo como gesto contenido. Alegría y Piñero tratan de revelar ese tiempo larvado latente en la representación, desvelando aquello que la imagen se esfuerza en ocultar.

En la presente exposición, Perspecta, los artistas abren el círculo y continúan trazando nuevas perspectivas sobre el cuadro. Cuatro obras inéditas completan el proceso creativo de la serie anterior, atendiendo esta vez a figuras con las que hasta ahora no habían trabajado: la cabeza del conde y  la emperatriz en la hoguera. Cada pieza de la muestra es en sí un ejercicio al que la imagen queda sometida: la figura central del cuadro es vertida hacia dentro, triplicada y deformada hasta esquivar su voluntad erguida; arrodillada y desplegada; su rostro, dibujado 480 veces, pierde su mutismo y encuentra en el margen de error de la repetición su expresión; la cabeza, herramienta y huella, se oculta y proyecta tras el hueco; la silueta de la emperatriz es facetada en círculos que, al perder su centro, desvelan un movimiento oculto en la unidad mínima del gesto, la postura. Su giro vertical se transforma en sinuoso movimiento lateral, girar cíclico, hipnótico, que se despliega en un coro de figuras que duplica y genera un eco de sombras controlado.

Duplicidades, espectros, vacíos revelados que se hacen tangibles a través de rudimentarios artificios ópticos. Artilugios que catalizan, dilatan, fragmentan y centrifugan ese tiempo larvado, extenuando a la imagen hasta revelar lo que los artistas denominan su expresión fantasma.

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2015

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Conjunta: El reflejo es una mirada muy profunda entre una persona

03.12.15 / 10.01.16

El reflejo es una mirada muy profunda entre una persona es la exposición organizada dentro del taller de creación artística impartido por Alegría Castillo a los usuarios/as del Centro Ocupacional.

 

CARTEL INFORMATIVO

 

El 3 de diciembre, con motivo del Día Internacional de las Personas con  Discapacidad, se inaugura en el Museo de Arte Contemporáneo de La Puebla de Cazalla  la exposición colectiva de las obras realizadas por los/as usuarios/as del Centro Ocupacional, en el “Taller de Creación artística” impartido por  Alegría Castillo.

Es en este contexto, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, donde estas obras se reconocen y encuentran su lugar.

Su presencia en este espacio  abre un diálogo con la colección permanente y el propio discurso de José María Moreno Galván: sus obras cuestionan la misma naturaleza del gesto espontáneo, en ellos/as quedan resueltas las contradicciones del pintor aformalista que “vive formalmente un arte que vitalmente está contra el arte”. “La necesidad sincera de traducirse y testimoniarse mediante una huella del arteles empuja a buscar soluciones creativas propias y a desarrollar un lenguaje personal más allá de lo aprendido. En las obras de los/as usuarios/as, lo expresivo desborda lo formal, su naturalidad, su particular entusiasmo y su capacidad para generar asociaciones libres fuera de una lógica establecida y restrictiva, hace que su obra, en estos primeros pasos,  sea una verdadera liberación.

Paralelamente a la exposición se llevarán a cabo diversas actividades educativas. Los diferentes colectivos de la localidad podrán concertar cita para asistir a las visitas guiadas de la exposición.En el Museo de  Arte Contemporáneo no existen respuestas unívocas, cada interpretación tiene algo de certeza, por ello resulta un contexto muy enriquecedor en el que valorar otras formas de mirar. Serán los propios creadores, usuarios/as del Centro Ocupacional, quienes realicen las visitas y cuenten de primera mano sus experiencias a través del arte. Estas guías serán una gran oportunidad, no sólo para adentrarse en su mundo creativo, sino para acercarse un poco más al esquivo contexto del arte contemporáneo, pues los/as usuarios/as del centro, abiertos a nuevos lenguajes y formas de comunicación que van más allá de la directa y ordinal, son unos guías extraordinarios para introducirnos en este medio.

La mañana del sábado día 12 será especialmente completa, pues, además de la visita guiada, a la que se podrá asistir sin necesidad de concertar cita, tendrá lugar en el Museo una nueva sesión del ciclo  “Conversaciones sobre Arte Contemporáneo”, proyecto que se desarrolla el segundo sábado de cada mes con diversos artistas del panorama contemporáneo más actual. En esta ocasión, Alegría Castillo se encargará de contextualizar el arte realizado en el Centro Ocupacional con otras prácticas, como el  Arte Bruto, que se cristalizan en los márgenes de lo establecido como Arte.

Para los centros escolares se ha generado un proyecto específico llamado “Grandes maestros” en el que, además de las visitas guiadas, los/as usuarios/as impartirán un original taller en las aulas titulado: “Dibuja tu película y cuéntanosla.”  En esta actividad serán los propios usuarios/as quienes enseñen a los/as alumnos/as sus conocimientos y transmitan su entusiasmo en la creación artística, rompiendo límites y barreras al presentarse en el papel de “maestros” de quienes hay mucho que aprender.

En el Aula Abierta de Mayores también se llevará a cabo la conferencia “Experiencias en los márgenes del arte” que se desarrollará en el propio museo.

Para los colectivos de personas con discapacidad también se ha creado una actividad especial. Encuentros “Entre tú y yo” son unas jornadas de convivencia en torno al arte en las que diferentes colectivos de la provincia podrán asistir, además de la visita a la exposición, al taller “la magia del Stop-motion” impartido por  los usuarios/as del Centro Ocupacional de La Puebla de Cazalla en colaboración con la monitora Alegría Castillo.

Visitas

Hasta el 10 de enero de 2016
Horario de  visitas:
Viernes de 17:30 -20:30 h.
Sábados, domingos y festivos de 11h a 14 h. y de 17:30 h. a 20:30 h.

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

Tlf. 954 499 416

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Juan Diego Asencio Ruiz/ Mercedes Guerrero Sanz / Ana Gómez López / Dolores Hormigo Jiménez / Francisco José Hormigo Torres / Miguel Ángel Hormigo Arcedo/ Elena García Torres / Francisco Gamarro Díaz / Andrés Gallego Cáceres / Dolores Gómez Moreno / Juan Jovacho Muñoz / José Luis Moya Valle / Rubén Montesinos Ramos / Francisco R. Moreno Muñoz / Manuel Márquez Natera / Mª Carmen Bohórquez Ibáñez / Estefanía Ruiz Escamilla / Manuel Verdugo Muñoz / África Bellido Barrera / Felipe Romero Sánchez / Benjamín Pineda Vargas / Marta Miró Macho / Mª Isabel Segura Rosillo / Domingo Reyes Blanco / Jaime García González / Mª Carmen Andrade Ramos / Mercedes Díaz Lobato / Fátima Calderón Álvarez.

POSTALES

 

 

 

EXPOSICIÓN DE CÓMICS

Exposición Conjunta: El Capitán Trueno y otros colegas

24.10.15 / 22.11.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván recibe una nueva exposición que se podrá visitar desde el 24 de octubre al 22 de noviembre. Tras el éxito de la exposición “Negros de Arena y cal”, el Museo acogerá una exposición sobre el mundo del cómic y uno de sus personajes más emblemáticos: El Capitán Trueno.

Esta muestra se organiza en torno a la figura del principal personaje de este apartado del mundo del cómic en nuestro país: El Capitán Trueno. Un personaje que cuenta con antecedentes en el panorama internacional (El Príncipe Valiente, principalmente) y que, convenientemente adaptado a la realidad española del final de los años de la autarquía, representaba el modelo perfecto de caballero cristiano, entre el ideal artúrico y el héroe de la Reconquista. Con todos los ingredientes básicos del folletín de aventuras clásico, ofrece, no obstante, bajo esa superficie, un componente justiciero que, son entrar en conflicto abierto con la realidad política de la época, se encuentra en el límite de la tolerancia que el régimen establecido puede conceder a un discurso de compromiso social en esos años.

Y junto a ese personaje central y sus camaradas, se ofrece también una amplia selección de otros no tan populares que, en mayor o menor medida, también responden a esas características paradigmáticas.

Se trata de mostrar, así, el panorama de unas publicaciones destinadas, principalmente, al público joven, que, en casi todos los casos, y aunque sin chocar con los valores y principios dominantes, tratan de decir algo más de lo que sería deseable desde el punto de vista de las autoridades, utilizando, para ello el refuerzo a unos principios universales que nadie se atrevería a cuestionar (valor heroísmo, defensa de los débiles, etc.), por más que entren en contradicción la experiencia cotidiana de una sociedad injusta y totalitaria." 

Horario de visitas

Viernes de 18:00 -21:00 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

EXPOSICIÓN PLÁSTICA

Jesús Cosano: Negros de Arena y cal

19.09.15 / 18.10.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge hasta el próximo 18 de octubre “Negros de Arena y cal” una exposición que muestra el trabajo plástico elaborado por el investigador Jesús Cosano alrededor de la presencia, influencia y pervivencia de lo negro africano en la cultura de nuestro país y de otros países del mundo.

Jesús Cosano, (director del proyecto) es uno de los especialistas más apasionantes del estudio de la influencia de la Negritud en nuestra cultura andaluza. Impulsor de los “Encuentros de Son cubano y Flamenco” desde la Fundación Luis Cernuda, que dirigió durante años con una fértil programación, su personalidad de buscador consecuente y su naturaleza de motor de actividades creativas le hacen un elemento básico y necesario en todo este proyecto, tanto por su aportación pasada como por su involucración en el desarrollo de las ideas motrices de este trabajo. Miembro fundador de CEIBA la Fundación de Estudios Afrohispanoamericanos que sirvió de punto de encuentro para los investigadores durante la década de los ´90. Su espíritu inquieto le ha llevado en los últimos tiempos a desarrollar un trabajo gráfico en el que muestra la historia de la negritud hispana desde una óptica personal y llena de encanto, con una serie de cuadros en pequeño formato que pueden conformar una exposición que sería un complemento ideal como actividad paralela de estos días de festival.

Sus piezas visuales pueden formar parte también de proyecciones en pantalla para algunos momentos del espectáculo en vivo, de manera que estarían aún más ligados el perfil gráfico y el narrativo del proyecto, la vertiente lúdica y la histórica.

CARTEL INFORMATIVO

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Patricio Hidalgo: Del trazo al flamenco. Series y Aproximaciones

3.07.15 / 6.09.15

Del Trazo al Flamenco. Series y Aproximaciones se podrá visitar en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván hasta el próximo 6 de septiembre.

El arte me parece sobre todo un estado del alma (Marc Chagall)

En consonancia con esta cita del pintor ruso Marc Chagall, ha afirmado en alguna ocasión Patricio Hidalgo que el flamenco es para ´le un “alimento espiritual”, un alimento, añadimos nosotros, que alcanza forma y expresión en su pintura como pocas veces lo ha hecho a lo largo de la historia del arte. La pintura y el flamenco son, pues, las dos instancias en torno a las cuales transita la búsqueda estética de este artista, que ha logrado insertarse en una tradición iniciada en el romanticismo y que alcanzó sus más altas cotas con las vanguardias y las postvanguardias.

Desde sus comienzos, Patricio Hidalgo (Ibiza, 1979) ha orientado su indagación plástica hacia esta vertebración de flamenco y pintura, partiendo de su pertenencia sanguínea a esa matriz del cante jondo que es La Puebla de Cazalla, e instándose en ella tras un periplo de formación académica que recorrió las universidades de Barcelona, Madrid y Sevilla, donde se licenció en Bellas Artes. No es gratuito el que acabara instalándose allí, sino fruto de su tentativa por adentrarse en el flamenco, por penetrarlo y hacerlo suyo, y por dejarse tomar por él. Solo así ha sido posible que el flamenco alcanzara en su pintura verdadera expresión formal, sin impostura, con verdad, con jondura.

En esta indagación plástica sobre el flamenco, Patricio Hidalgo trabaja con tres elementos fundamentales: la mancha, el grito y el gesto. Su pintura parte de la mancha y de los lugares insospechados adonde esta le conduce. Confía en la mancha, en el poder de la abstracción, en la expresividad de lo matérico. Y tiene claro que el origen de la pintura está ahí, en esa mancha informe que se concreta en el dibujo y pasa del caos a la armonía, pero permaneciendo libre, insobornable a toda las relación de dominio. El proceso del arte, en sus fundamentos, es de lo abstracto a lo concreto, y no al contrario. En este sentido, decía Cézanne que “el pintor concreta, por medio del dibujo y el color, sus sensaciones y sus percepciones”. Pero la forma no llega sola. Exige trabajo, búsqueda, cultivo de la mancha y de su azarosa arbitrariedad. Patricio Hidalgo recorre así el camino que va de la abstracción a lo concreto, de la mancha al dibujo y la figuración, de lo emocional a lo racional, del azar a la medida. Por otra parte, al igual que el origen de la pintura está en la abstracción, el cante jondo deriva del grito. Si todo el lenguaje es grito domesticado y sigue conservando su origen, su grito germinal, su sabor a “tierra” y a “primer llanto”, en el decir de la poeta Paca Aguirre.  Pocos pintores han sabido congelar el grito como Patricio Hidalgo, hacerlo resonar desde el aparente silencio del lienzo o el papel, ponernos en escucha. Finalmente, el gesto: en los tocaores que se funden en una sola figura con sus guitarras; en los cantaores que sacan de sí sus entrañas a través del quejío; en las bailaoras que con sus movimientos abisales detienen el tiempo y su demolición. El gesto es ese “instante hermoso” del que nos hablaba Diderot, el momento preciso en que la acción presenta su máximo de belleza, claridad, expresión. En este trabajo del pintor, que es una anatomía de la expresividad del gesto, son sentimientos, y la rapidez de la ejecución, en la que Patricio Hidalgo es un maestro. Por eso, entre otras razones, el flamenco es un terreno propicio para él, por tratarse de un arte en permanente acción, siempre vivo, conjura contra la muerte. Por eso y porque es un pintor con compás, que ha sido capaz de alcanzar esa extraña mezcla de proporción armónica y agónica expresividad que caracteriza al flamenco; al flamenco cuando duele, el de Talega, el de Fernanda.

La mancha, el grito, el gesto. El vals de las artes desde su origen informe a su sublimación estética, del grito al cante, de la mancha al dibujo, del caos a la belleza y de la belleza al caos, e un “eterno retorno” que nunca se desliga de su origen primitivo. Quizás por eso confiesa Patricio Hidalgo que desde niño buscaba al flamenco. Lo que quizás no sabe ni aún sospecha es que era el flamenco quien lo buscaba a él.

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EXPOSICIÓN DE PINTURA

Jorge Cano: Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo

9.05.15 / 21.06.15

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 9 de mayo al 21 de junio, la exposición de Jorge Cano “Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo”. Este artista madrileño expone una colección de su obra y fotografías que documentan todo el proceso de creación.

Jorge Cano representa en esta exposición su colección de obras pictóricas acompañadas de fotografías del proceso de creación.  “Quiero entrar y no me dejan, quiero salir y no puedo” es un intento de redención de algunos espacios olvidados, urbanos ahora, que tienen al tiempo y al azar como únicos administradores.  En las pinturas de Cano, se percibe el devenir del paso del tiempo, de un tiempo concreto, que no en todas partes envejece de la misma forma.

Trabaja en la abstracción, con un fuerte componente expresivo, y normalmente en grandes formatos. Centra su interés en la pintura como materia y como lenguaje, que juegue con el azar y el tiempo. Esto lo sitúa contra el concepto de forma artística, interpretado como centro de una obsoleta concepción jerárquica del arte.

JORGE CANO (Madrid, 1973)  ha realizado numerosas exposiciones individuales y participado en exposiciones colectivas. En el año 2008 fue uno de los artistas seleccionados en la decimoquinta edición de la "Sala de Exposiciones del Centro de Arte Joven" de la Comunidad de Madrid.

http://www.theartboulevard.org/es/lab/news/post/41016/quiero-entrar-y-no-me-dejan-quiero-salir-y-no-puedo-jorge-cano-o-la-redenci%C3%B3n-de

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"Pelear la pintura"

 

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Colectivo Mula. Murdo Ortiz y Laura Pintado: Rayos y Retruécanos

14.03.15 / 03.05.15

 

El Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acogerá, del 14 de marzo al 3 de mayo, la exposición de Murdo Ortiz y Laura Pintado “Rayos y Retruécanos”. El colectivo MULA libera la expresión para trazar un recorrido desde sus respectivos microcosmos a un macrocosmos común.

Murdo Ortiz y Laura Pintado trazan en esta exposición un recorrido desde sus respectivos microcosmos a un macrocosmos común. Con “Rayos y Retruécanos” han logrado hermanar a razón e imaginación desde el sentimiento, como era el sueño de viejo Kant, pero para dinamitar códigos y coyunturas, para liberar de nuevo a la expresión de formalismos carcomizantes y anestésicos. Asumen así la condición problemática del arte, en el sentido que le diera José María Moreno Galván, cuando sostiene que “un arte verdadero es aquel que está hecho con problemas; un arte falso -esto es, académico- el que está montado sobre soluciones.” Cada artista debe reinventar un lenguaje y echarlo a andar. Ese es su compromiso con los otros lenguajes y su misión con quienes no buscan y, pese a ello, encuentran. El colectivo MULA escudriña, tuerce el gesto, grita, sonríe, muerde, escupe, escapa, libera…, ante todo, libera a la expresión, liberando con ello a lo real. En este Museo, que como todos los museos es un cementerio del arte (Unamuno dixit), sus rayos y retruécanos son traídos a la clausura esteticista, a un espacio que no les pertenece, pero que invaden con osadía y legítimo derecho. El hábitat de MULA está más bien en sus intervenciones artísticas sobre los residuos de la desmemoria y el olvido, sobre esas ruinas de nuestro tiempo que logran revivificar con el aliento del color, el claroscuro y lo primitivo. En Murdo Ortiz, los colores son, como para Derain, “cartuchos de dinamita”. En Laura Pintado, el blanco y negro es, como en Saura, un retorno al contraste elemental. Desde ahí, ambos confluyen en su búsqueda de lo primitivo, de esos signos de la infancia del mundo que son su referente lingüístico. Hacen así de la pintura rito y sacrificio, batalla contra la muerte del arte, viaje hacia el origen de la expresión.

MURDO ORTIZ (Osuna -Sevilla-, 1985) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en “Arte: idea y producción” por la Universidad de Sevilla. Trabaja sobre diversas disciplinas y técnicas artísticas, que van desde la pintura y la escultura, a la intervención sobre espacios urbanos y la ilustración para fanzines y revistas. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y participado en exposiciones colectivas en museos, galerías y espacios artísticos de España, Italia y Alemania. Su obra se halla dispersa en colecciones privadas e institucionales, en museos y galerías, y en intervenciones en espacios urbanos y rurales.

LAURA PINTADO (Benavente –Zamora-, 1987) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster en “Arte: idea y producción” por la Universidad de Sevilla. Su trabajo artístico transita desde la pintura y la intervención al video-arte. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y, entre sus premios, cabe destacar que fue finalista del I Concurso Europeo de Creación Audiovisual CTL 59. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas e institucionales, y se puede apreciar también en varias intervenciones de arte urbano.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

 

Cartel

 

 

Invitación

 

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EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Exhumando fosas, recuperando dignidades

4.01.15 / 15.02.15

Del 16 de enero al 15 de febrero, el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván acoge la muestra “Exhumando fosas, recuperando dignidades” organizada por la delegación de cultura del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla dentro de las actividades previstas en las II Jornadas de Memoria Histórica de La Puebla de Cazalla.

Mediante esta muestra se da a conocer el trabajo en la exhumación de las fosas comunes de la Guerra Civil española, a través de los paneles que servirá como vehículo para ahondar en la dificultad de las búsquedas de víctimas olvidadas durante ocho décadas.

La exposición se compone de cuatro bloques temáticos: las personas, la fosa, el laboratorio y el homenaje. A través de una serie de lienzos impresos con fotografías de diferentes exhumaciones, la exposición presenta tanto la faceta científica como humana del proceso de exhumación, dedicando "una especial atención a las familias de las personas desaparecidas".

Además, sobre el suelo de la sala se muestra una fotografía de gran formato de la fosa 4 de La Andaya, Burgos, en la que se ven los 29 esqueletos que se encontraron durante la excavación tal y como aparecieron en la fosa, prácticamente a tamaño natural.

La inauguración se realizará el sábado 17 de febrero en el Museo y la misma será presentada por Santiago Fernández.

Horario de  visitas:

Viernes de 17:30 -20:30 h

Sábados, domingos y festivos de 11h a 14h y de 17:30 h a 20:30 h

Visitas concertadas: Martes-Viernes: 10-14:00 h. (previa cita)

2014

EXPOSICIÓN DE CÓMICS

Exposición conjunta: La penúltima imaginación gráfica. Once dibujantes en Sevilla

29.11.14 / 11.01.15

El Museo de Arte Contemporáneo acogerá, del 29 de noviembre al 11 de enero, la muestra “La penúltima imaginación gráfica. Once dibujantes en Sevilla”, concebida como una antología de dibujantes de cómics e ilustradores gráficos, con el común denominador de mantener todos ellos un estrecho vínculo, por origen, residencia o trabajo, con la ciudad de Sevilla.

Cartel Exposición

 

 

Desde la caricatura al dibujo más realista, del humor al drama, del costumbrismo crítico a la pura fantasía, pasando incluso por la sátira política, los trabajos de los autores incluidos en esta muestra, documentan y dan fe de esa calidad y de la variedad del cómic y de la ilustración editorial que hoy se está produciendo en este entorno.

Esta exposición trata de ofrecer al espectador la oportunidad de descubrir a unos artistas y contribuir a una mayor y mejor valoración del propio medio de la historieta. José Luis Ágreda, Pedro Alpera, Miguel Brieva, Diego Galindo, Guillermo. Melilla, Carlos Hernández, Abel Ippólito, Manolo Ortiz, Irene Roga, Cristina Vela, Pablo Velarde, son los autores presentes en La Penúltima Imaginación Gráfica, que trata de ofrecer una foto fija de un medio en continuo cambio.

La exposición, organizada por la delegación Cultura con la colaboración de la Diputación de Sevilla, estará abierta al público en el Museo, del 29 de noviembre al 11 de enero.

EXPOSICIÓN DE ESCULTURA

Carmen Martínez Samper: Espacios de la espera

27.09.14 / 16.11.14

 

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Carmen Martínez Samper nace en Albarracín (Teruel).
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y es profesora en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidad de Zaragoza.Sus inquietudes artísticas e investigadoras toman como referente el hábitat, la arquitectura tradicional y la cultura del medio rural. Con ello genera en escultura espacios para la reflexión y líneas de investigación que inciden, desde una perspectiva marcada por la innovación y la tradición, en aspectos estrechamente unidos al patrimonio cultural y de género para subrayar el frágil equilibrio en un proceso por el que se pretende mantener el patrimonio inmaterial vivo por medio de la actividad artística.

Con Espacios de la Espera nos presenta una muestra de su producción artística con un total de 19 piezas, donde la escultura es protagonista en la sala, donde además podemos localizar una instalación y varias obras fotográficas.

Esta exposición es el resultado de una inquietud constante por dar forma a lo cotidiano, a la espera, a la soledad, a quienes sueñan tras la ventana. En la mayor parte de los casos estos conceptos están ligados al mundo femenino y a la casa como “acogedora” prisión. Se trata, en este caso, de una narrativa destinada a la escultura. Son pedazos de una historia ajada, marcada por la austeridad que nació de las carencias y los rigores de un entorno difícil.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA Y CARTELES

Emilio Sáenz: Mis recuerdos del flamenco

4.07.14 / 31.08.14

 

Cartel Exposición

 

La fotografía de Emilio Sáenz recoge uno de los testimonios más logrados de la cultura popular andaluza y sevillana de la segunda mitad del siglo XX, como podemos apreciar en los catálogos Memoria íntima de Sevilla (1991), Figuras de la pasión (Premio Demófilo, 2003) o L ciudad oculta (2009). Otro de los territorios de su indagación fotográfica ha sido el flamenco, en torno al cual gira la presente exposición, titulada “Mis recuerdos del flamenco. Fotografías y carteles”, y que se exhibió el pasado verano en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván, dentro de los actos de la XLVI Reunión de Cante Jondo de La Puebla de Cazalla. En ella, Emilio Sáenz nos muestra su particular visión de los artistas flamencos, dentro y fuera de los escenarios, y parte de sus trabajos de cartelería. El resultado es un viaje que camina hacia esa edad de plata del flamenco que encarnaron Antonio Mairena, Matilde Coral, Fernanda de Utrera, María Soleá, Antonio Núñez "Chocolate", Pepa Montes, José Menese… Un viaje a los adentros del cante jondo, de la guitarra dolorida y el baile desgarrado, para el disfrute de los visitantes y  amantes del arte flamenco.

 

Postales   

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Antología del Certamen de Poesía Experimental de la Diputación de Badajóz: Poesía Visual

03.05.14 / 22.05.14

 

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Esta exposición, titulada “Poesía Visual”, ha sido posible gracias a la generosidad del Dpto. de Publicaciones de la Diputación Provincial de Badajoz, que desde el año 2002, organiza un Certamen de Poesía Experimental, de referencia en este campo a nivel nacional e internacional. Lo que mostramos aquí es una antología de las diferentes ediciones de ese Certamen, de cara a la cual, hemos procurado que estuviesen tres vertientes centrales de la poesía visual: su dimensión crítica y social, su dimensión metaliteraria o metapoética, y su dimensión estética.

La poesía visual o poesía experimental podemos definirla como una manifestación artística en la que intervienen en relación de interacción diferentes lenguajes: imagen, texto, símbolo, color, volumen, texturas, sonido, música… Desde la manipulación del poeta, los elementos visuales que componen la obra son transfigurados en su significado inicial y dispuestos para alcanzar un sentido poético o artístico. Esa intervención del artista abre un nuevo sentido al objeto en cuestión, jugando con el espectador, estableciendo una conexión para su libre interpretación, en la que  es decisiva la mediación del título de la obra. El poema visual se define así como un lenguaje autónomoy cargado de expresividad simbólica, y que no requiere de espectadores versados en la materia, al ser su mensaje directo. Es una forma de comunicación más espontánea y sin fronteras, donde las relaciones entre arte y vida, cultura y sociedad, desafían a la sociedad de la incomunicación y a ciertas derivas exclusivistas del arte contemporáneo. Ello gracias a que sus miras están puestas en la creatividad original y crítica, en la ruptura con lo gastado y mercantilizado, y en la apertura a lo diverso y lo intercultural.

La poesía visual y experimental responde, en definitiva, a nuestra necesidad vital de comunicación, desde la convicción de que el lenguaje visual es el más universal de los lenguajes, aquel que no precisa traducción. Al fin y al cabo, mirar y ver constituyen también una forma de leer.

Artistas participantes:

Silvia Abarca  / Alejandro Aguilar  / José Alcalde / Mercedes Andréu / Eduardo Barbero / Pablo del Barco / Leire Barrena / Manuel Blanco / Raimon Blu / Manuel Calvarro  / Agustín Calvo Galán / Manuel Castuera / Ramón Castuera / Ión Cía Álvaro / Juana Ciudad / Arturo Comas / Rodolfo Franco / Nieves García Barragán

Beatriz García Cavas / Antonio García Villarán / María Gómez Garrido / J. Luis González Macías / Iñaki González-Oribe  / Fernando de la Heras / Mikel Jáuregui Miguel Jiménez Jiménez / Carlos Jiménez Martínez / Juan López de Ael / Mágoz  / Isabel Mª Méndez Hermoso / Sergio M. Moreno / Pepe Murciego / “Ordisi”/ Antonio Orihuela  / Susana Pereira Fiuza / Salvador Pérez Estors  / Juan Manuel Pérez Pérez

Natalia Ramírez Forminaya  / Juan J. Ruiz Fernández / Angels J. Sagués / María Sánchez Jiménez  / Ángel Sanz Montero / Josep Sou / Cesar Tomé / David Trashumante  / Raúl Valerio Antúnez / Eva Mª Vaz / Paco Vila Guillén.

EXPOSICIÓN DE PINTURA Y ESCULTURA

II Exposición colectiva de artistas de La Puebla de Cazalla

28.02.14 / 20.04.14

Hasta el próximo 20 de abril estará abierto al público, en el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galvan, la II exposición colectiva de artistas de La Puebla de Cazalla.  La concejalía de cultura ha organizado esta muestra que se inaugura el 28 de febrero con la participación de los siguientes artistas locales: Gema Atoche, Luis Bermuda, Juan Cabello, Gabriel Cabeza, Manuel de Cruces, Mª José Gómez, Nöel González, Patricio Hidalgo, Álvaro Marín, Rocío Martos, Manolo Núñez, Amaranta Pozo, Juan Ribery, Juan A. Rodríguez del Río y Diego Sánchez Carreño. Para poder visitar la muestra pueden hacerlo viernes de 17:30-20:30 o sábado y domingos en horario de 11:00-14:00 y 17:30-20:30.

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2013

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Hansel Leyva: Sobrevivirse entre ruinas

7.12.13 / 9.02.14

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“Vivir en una Isla tiene sus ventajas. Se acostumbra uno a filtrar la vida que llega en fragmentos muy pequeños desde la distancia. Como marinero varado en tierra, se halla casi siempre el método preciso para sobrevivir a la adversidad, reinventando, reconstruyendo, recontextualizando”.

A partir de aquí el video-artista cubano, Hansel Leyva (Guanabacoa, La Habana -1985-) nos muestra su inquietud, consciente de su tiempo y su realidad,  con el objetivo, según el propio Leyva “de llevar la luz y la gente de su pueblo”  hacia el espectador.  Con  ello busca incansablemente un discurso que pueda ser devuelto y escuchado más allá de sus fronteras. Marcado por su condición de isleño inundado por la escasez, sabiendo definir puntos a seguir en su trayectoria como creador-inventor, abriendo un texto artístico plagado de recursos estéticos y conceptuales ya manipulados, pero que él ha sabido revitalizar. 

Esta es su primera exposición individual como fotógrafo. Sesenta y una fotografías, que vienen acompañadas por la proyección de tres de sus fotoclips y trabajos de videoarte. Son instantáneas en las que la imagen sigue estando vinculada al sonido y al movimiento, adoptando sus obras seriadas el sentido narrativo del género audiovisual.

Así, ante nuestros ojos, transitan cuestiones medulares de este gran hervidero en constante evolución en la serie HORIZONTES, que viene a ser un reflejo bastante explícito de las preocupaciones actuales de la juventud dentro de Cuba; una juventud a la que le pesa el precedente de décadas de euforia colectiva con el proceso revolucionario, y a la que ese proceso revolucionario ya no le pertenece, o al menos no desde la postura de colectividad con que se asumió en los primeros años.

Hoy los esfuerzos y los desvelos responden más a necesidades de orden personal, fermentadas por un factor común, pero que obliga a la búsqueda de soluciones desde la individualidad. En esa misma línea, series más maduras y resueltas como JUMP o ALONE traban una misma conexión de enfoques y perspectivas, con la cubanidad de la juventud cubana sin dejar de latir. Aquí, el enfrentamiento o la reacción desembocan a veces en grito, otras en cólera, rabia, resentimiento, o en el silencio de las sirenas. Desde ambas series, se pone en pie la incomodidad común con algunas normas impuestas desde la subjetividad y a la subjetividad, consecuencia del lento desarrollo de un modelo social heredado, impuesto y reinventado una y otra vez.

Este camino de cuestionamiento se sigue transitando en la serie YO QUIERO CONOCER, inspirada en la famosa canción infantil cubana con el mismo título, y que a través de cavilantes viajeros en barcos de papel prolonga esa reflexión que hoy día acomete buena parte de la juventud cubana. Estamos, pues, ante una constante en la obra de Hansel Leyva, que en la serie QUIEN LLEGÓ PRIMERO vuelve a dar el protagonismo a esa juventud cubana. Como las anteriores series, ésta aparece marcada por la presencia del diálogo reflexivo, pero en este caso interpela a la iconografía cristiana. Estamos aquí ante el sutil y permanente cuestionamiento de Hansel Leyva hacia los símbolos de poder, haciendo suya la mirada de una generación que no teme a sobrevivir y construirse entre las ruinas. Esa suerte de estética de las ruinas determina también la serie ÓXIDO, impregnada una inquietante carga metafórica y de una fuerte dosis de belleza en la que conviven la rigidez mecánica de lo industrial y las formas armónicas del desnudo femenino. Por último, hemos de mencionar en esta exposición esa especie paréntesis que encarna en la serie OLD. Entre el frenetismo y el cuestionamiento núbil, aparecen estas imágenes de personas que en las arrugas de sus muchos años develan la duda de un futuro signado por la incertidumbre. Aparentemente existe un divorcio entre OLD y el resto de las series de Hansel que aquí se exhiben, pero es que esta serie viene a ser la contrapartida o la otra cara del conjunto, dando el argumento necesario para explicar la coexistencia generacional dentro de la Isla de Cuba de jóvenes y viejos. Son estos últimos, los personajes retratados en OLD, los que se han movido entre las diversas épocas de esplendor y vicisitudes. Algunos, mantienen el compromiso ciego y preservan como parte de su identidad el temor no declarado ante las nuevas enunciaciones de libertad. Otros, callan simplemente con la mirada.

Suponemos que Hansel Leyva, el fabulista, narrador, fotógrafo, no permanecerá inerte por mucho tiempo y que pronto nos devolverá sus experiencias, filtradas ahora desde otra luz. El marinero de ojo inquieto ha decidido hacerse a la mar en busca de fragmentos, a seguir la secuencia de otros rastros.

 

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Mujeres en la historia de España en los años treinta y cuarenta: El Sueño Roto

15.11.13 / 1.12.13

Puede descargarse aquí el cartel informativo

 

Os presentamos una exposición que busca como primordial objetivo la RECUPERACIÓN DE LA MEMORIA DE LAS MUJERES circunscrita a esa etapa crucial de nuestra historia en la que se sucedieron la II República, la Guerra Civil y los primeros años de la posguerra, para acercarla, principalmente, a nuestra JUVENTUD, con la intención de que se CONOZCA Y SE APRECIE el papel que desempeñado por las mujeres, que tantas veces queda oculto o minusvalorado. El origen del trabajo está en el IES “Antonio de Ulloa” de La Rinconada (Sevilla) y se desarrolló durante varios años en el marco de un amplio proyecto de coeducación llevado a cabo en el IES “Carmen Laffón” de San José de Rinconada.

La exposición se compone de datos informativos sobre la época y sobre las políticas relacionadas con la mujer. Presenta además una galería de mujeres que se destacaron por su papel activo en estas fechas: progresistas y republicanas, las grandes defensoras e impulsoras del sentimiento igualitario, pero también conservadoras e incluso falangistas, algunas de las cuales, dentro de sus cortapisas ideológicas, buscaron hacer reformas que aliviaran las condiciones de vida femeninas. Se prosigue con un apartado titulado VÍCTIMAS DE UN TIEMPO CRUEL, que muestra cómo la violencia recae de forma específica sobre las mujeres haciéndolas víctimas inocentes de crueldades y asesinatos.

La exposición finaliza con el apartado MUJERES ANÓNIMAS, que rastrea nuestra memoria familiar y descubre la historia de tantas mujeres que lucharon y ayudaron a sobrevivir a sus familias en medio de las más duras e injustas circunstancias. En definitiva, El SUEÑO ROTO es un HOMENAJE a esas mujeres que sufrieron, que resistieron y que supieron evolucionar, a cuyo esfuerzo debemos muchas de las libertades que ahora disfrutamos de manera casi inconsciente.

Por último, este trabajo quiere ser también una toma de conciencia sobre la FRAGILIDAD DE LOS DERECHOS Y LAS LIBERTADES, sobre la necesidad de defenderlos porque las conquistas sociales pueden ser reversibles, los mejores sueños pueden romperse.
Este trabajo ha conseguido el PRIMER PREMIO “ROSA REGÁS” (2011) concedido por la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía a materiales destacados en pro de la igualdad de mujeres y hombres en el ámbito educativo no universitario.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

Michael Zapke: Panorámicas del Barroco Sevillano

23.09.13 / 23.10.13

 

Esta exposición recoge una serie de panorámicas fotográficas de distintos edificios y monumentos de la provincia de Sevilla pertenecientes al Barroco, que ha puesto a disposición del público Juan Luis Ravé, Catedrático de Historia del Arte.

En ella podían verse fotografías de gran formato en 360 grados de espacios como la iglesia de San Luis de los Franceses de Sevilla, el Convento de la Merced de Osuna, la Hacienda Guzmán de la Rinconada, la iglesia de San Juan Bautista de Marchena o una vista panorámica de Écija, entre otras.

Michael Zapke es uno de los contados profesionales en el mundo que dominan la técnica de la fotografía en 360 grados, de visión circular, que se obtiene con cámaras especiales que giran sobre su eje, recogiendo en una sola película las imágenes de alrededor. Ha realizado fotografías de toda nuestra Comunidad Autónoma con esta técnica, centradas no sólo en el patrimonio histórico y artístico andaluz, sino también en sus paisajes naturales.

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Colectiva: Deconstructing Menese

5.07.13 / 1.09.13

Deconstructing Menese es una continuación de la exposición “José Menese. Medio siglo de compromiso con el flamenco (1963-2013)”, que acogió este mismo museo entre los meses de mayo y junio de este año. Si en aquella exposición se re-construía su trayectoria vital y artística a través de fotografías, discos, carteles, documentos de prensa…, en esta ocasión nuestro objetivo apunta ade-construir la figura mítica de José Menese desde la mirada que sobre él ha proyectado y sigue proyectando el mundo del arte.

El concepto de de-construcción, obra de la corriente filosófica post-estructuralista, consiste en analizar el proceso de edificación de todo concepto o símbolo, pero no con vistas a definirlo o simplificarlo sino con el propósito de abrirlo en su complejidad, en los múltiples sentidos con que se ha ido cargando desde las acumulaciones simbólicas y metafóricas a que los ha arrastrado el curso de su historia. Este modelo de análisis se basa así en la descomposición o de-construcción de la estructura de lenguaje de un concepto o símbolo para desvelar sus diferentes significaciones, la polifonía de sentidos que alberga.

 Partiendo de este modelo, queremos mostrar en esta exposición en qué medida ha sido José Menese fuente de expresión e inspiración para los artistas de su tiempo, tanto en sus comienzos como cantaor, donde convivió con algunas de las más grandes figuras de las vanguardias, como en la actualidad, en la que sigue rabiosamente vivo. Su figura, polémica y mitificada, ha sido capaz de articular en los ojos de los artistas expresiones muy diversas. Ahí reside también parte de su grandeza, además de en su cante sereno y primordial. Deconstructing Menese (de-construyendo a Menese) es un concierto de las escrituras artísticas que, desde discursos interrumpidos e inconexos, le han abordado y le siguen abordando.

 

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Colección mural de poesía universal: Poesía a pie de calle

13.04.13 / 18.04.13

Desde la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Puebla de Cazalla hemos puesto en marcha la 2ª edición Festival de las Letras, con un programa abierto y dirigido de forma integradora a diferentes sectores y agentes sociales de nuestro pueblo y nuestra comarca. El Festival parte de una apuesta por la cultura entendida como herramienta de crítica, creación y transformación social, y no de su reducción a simple mercancía o producto destinado al espectáculo.  Con esta exposición se trata de poner en acción a la cultura como comunicación, expresión y agitación, operando desde la mediación del goce y la crítica, a través de acciones culturales protagonizadas por artistas y escritores con una clara conciencia de esta dimensión social de la cultura.

El que se centre en el universo de la palabra, tiene mucho que ver con la crisis del lenguaje por la que actualmente está atravesando nuestra sociedad, en la que el empobrecimiento del léxico, la simplificación de la expresión y la desmetaforización del lenguaje son síntomas de un mal que las instituciones deberían preocuparse más por prevenir y curar, dadas sus evidentes repercusiones sociales. Si es el lenguaje nuestra principal herramienta de vínculo social, ¿cómo dejarlo en manos de esta fatídica deriva? A nuestro entender, aquí hay mucho en juego. Es por ello que desde esta Concejalía de Cultura trabajamos por cuidar a la palabra y ponerla en acción, no sólo como instrumento de comunicación sino también de revelación, transformación y construcción de mundos posibles.

De la programación, además de lo ya anticipado, podemos destacar los homenajes que se tributarán a tres figuras ejemplares de las letras españolas, ya fallecidos, como son el crítico de arte José María Moreno Galván, el poeta Julio Vélez y el filólogo y ensayista Agustín García Calvo. Asimismo, en los colegios, en los institutos y en el club de lectura de la Biblioteca Municipal, los alumnos tendrán ocasión de recibir talleres e intercambiar impresiones con autores de prestigio, como Mª Ángeles Maeso, T. S. Norio, Rafael Cobos, Patricio Hidalgo, David Eloy Rodríguez, José Mª Gómez Valero… Por otra parte, como se puede apreciar en la programación, buena parte de las actividades están destinadas a los niños, con cuentacuentos, presentaciones de libros infantiles, adquisición del carné de la biblioteca para los niños de 4 años… En cuanto a las actividades abiertas al público, los recitales de poesía constituyen el centro de la programación, contándose entre los poetas invitados a Mª Ángeles Pérez López, Antonio Gómez, Isabel Escudero, Enrique Falcón y Juan Carlos Mestre (Premio Nacional de Poesía 2009), entre otros.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Lola Rivery: El retrato, un viaje a los adentros

19.01.13 / 17.03.13

Esta exposición exhibe una retrospectiva de la obra fotográfica de Lola Rivery (La Puebla de Cazalla -Sevilla-, 1958); una obra tan sugestiva como peculiar, pues fue realizada en menos de una década, entre finales de los 80 y comienzos de los 90, pero que en un tan reducido periodo de tiempo logró resultados fascinantes. En su extraordinaria intuición radica el arte de Lola Rivery, en esa habilidad del mirar quese tiene o no se tiene, pues hunde sus raíces en la sensibilidad y en lo emocional.

A ello hemos de sumar el padrinazgo de su maestro, Pepe Lamarca, de quien es heredera en un singular modo de retratar más orientado a los adentros que a la apariencia externa; si bien hemos de reivindicar su estilo propio, esa huella invisible que nos hace reconocer a primera vista una foto de Lola Rivery. Esta muestra fotográfica rescata así un trabajo que no podía quedar en el olvido, pues Lola Rivery logró desde sus fotografías ser testigo de su tiempo, no tanto de los acontecimientos y los paisajes, sino más bien de las personas que anónimamente lo protagonizaron y en cuyos fueros internos logró colarse para, desde el instante detenido de la fotografía, sacar afuera todo el caudal de su mundo íntimo. Ahí su virtud, ahí su genio.

Montar esta exposición no ha sido tarea fácil, sobre todo, debido a la dispersión de la obra. Por un lado, había que trabajar sobre una ingente cantidad de negativos, en lo cual, la labor desinteresada de Pepe Lamarca ha sido fundamental, tanto en la selección como en el revelado, porque además era nuestro propósito que esta exposición fuera netamente analógica, y así ha sido. Por otro lado, de buena parte de las fotografías no logramos localizar los negativos, de modo que había que iniciar una exhaustiva búsqueda entre las gentes de La Puebla de Cazalla para recuperarlas, y en esta labor, la dedicación y el buen hacer de Jesús Garrido ha sido también central.

De las paredes de las casas y de cajones olvidados proceden no pocas de las fotografías que aquí se exhiben, y esto podemos interpretarlo como un acercamiento efectivo entre los museos y las casas, el arte y el pueblo, la cultura y la vida.

Finalmente la labor de montaje y discurso del proyecto se ha materializado de manos de María José Sánchez Gago, Historiadora del Arte y Técnico de Cultura de dicho Ayuntamiento.

Rescatar la obra fotográfica de Lola Rivery del silencio artístico en que andaba sumida era una obligación para quienes hemos adquirido un compromiso con la cultura morisca, y dignificarla a la altura que merece es lo menos que podíamos hacer.

EXPOSICIÓN DE PINTURA

Exposición Colectiva: José Menese. Medio siglo de compromiso flamenco (1963-2013)

1.05.12 / 1.06.12

50 años de entrega al arte jondo, rasgando las entrañas de aficionaos y neófitos. 50 años abriendo surcos en la tradición, renovando formas, haciendo cantar al pueblo silenciado. 50 años de cuidados a un arte, como se cuida al árbol a cuya sombra crecimos y cuya savia es ya la nuestra. 50 años llevando el nombre y la raíz jonda de su pueblo, La Puebla de Cazalla, por escenarios, radios, televisiones, revistas y diarios de todo el mundo. 50 años de pasión y pureza en el cante.

José Menese, desde sus inicios en el Gran Café Central alumbrado por el rayo luminoso de Francisco Moreno Galván, ha labrado en estas cinco décadas una trayectoria profesional y artística excepcional, que marca un hito decisivo en la historia del flamenco. Su legado, una extensa discografía en la que ha registrado prácticamente todos los estilos del cante, e inolvidables actuaciones en teatros, auditorios, festivales, congresos, jornadas y seminarios flamencos de todo el mundo.